Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Несомненно, природа была единственным, наиболее важным источником, определяющим формы и тематику искусства  Арт Нуво. Мотивы природы используются различными способами. Растения и цветы изображаются в стилизованной форме и часто складываются в узоры, которые затем применяются во всех видах искусства. Стилизация стала доминирующим эстетическим методом Арт Нуво, как это было в дизайне Искусств и Ремесел. Природные мотивы также используются непосредственно в создании реалистичной формы или образа предмета. Реалистичные животные, насекомые и рептилии присутствуют в этих работах и часто несут особое, символическое значение. Быть может, наиболее важным методом использования природы в искусстве была эволюционная модель. Следуя теориям Дарвина, многие дизайнеры считали природу подходящей моделью для дизайна. Естественные и на редкость органичные извилистые линии создают впечатление вечно изменчивой природы.

Арт Нуво быстро распространяется в странах Европы и в Соединенных Штатах несколькими путями. Важное значение имеют периодические издания и резкое увеличение количества новых журналов в этот период. Наиболее известными журналами, посвященными декоративному искусству, были "Студия", французские журналы "Искусство модерна", "Искусство и декорации", "Декоративное искусство" немецкие журналы "Югенд", "Декоративное искусство" и "Вер Сакрум".

Открытие магазинов, таких  как "Либерти" в Лондоне, "Современный  дом" и Еалерея "Л`арт Нуво" в Париже, активно способствует популярности стиля Арт Нуво. Луи Комфорт Тиффани продает свои произведения в Париже через Бинга. Обосновавшиеся в Нанси дизайнеры Эмиль Галле и Луи Мажорель открывают магазины во многих больших городах, включая Лондон.

Музеи также сыграли свою роль, начав коллекционировать и  выставлять произведения в стиле  Арт Нуво. Значительные коллекции собраны в Гамбурге, Будапеште, Копенгагене, Трондгейме, Осло, Париже и Лондоне. Они обратили внимание широкой публики на Арт Нуво и позволили дизайнерам изучать находки своих коллег из других стран.

РАННИЙ МОДЕРНИЗМ 1900-30.

Ранний Модернизм появился одновременно с Арт Нуво во Франции и Югендстилем в Германии. К нему часто относят замечательные произведения с современным внешним видом, которые выпускались в проектных мастерских и на предприятиях, связанных с Венскими мастерскими - Wiener Werkstatte. Эта организация художников и ремесленников по образцу Ремесленной гильдии С.Р. Эшли в Англии была основана в 1903 году предпринимателем Фрицем Верндорфером, архитектором-дизайнером Йозефом Хоффманом (1870-1956) и художником-дизайнером Коломаном (Коло) Мозером (1868-1918). Это направление во многом испытало на себе влияние принципов художественного стиля Искусства и Ремесла.

В Австрии стиль дизайна  того времени назывался Sezessionstil - художественное направление Венского Сецессиона, основанного такими мастерами, как Хоффман, Мозер, художник Густав Климт (1862-1918) и архитектор-дизайнер Йозеф Мария Ольбрих (1867-1908), которые в 1897 г. отделились от Венской Академии, консервативной, квазиофициальной организации городских художников.

Цель этой прогрессивной  группы мастеров со своей эстетикой, которая необязательно соответствовала  эстетике общества, связанной с Венскими мастерскими, заключалась в применении принципов дизайна, отличающегося  хорошим вкусом и качеством исполнения, к самым разнообразным предметам, начиная от мебели и металлоизделий и кончая тканями и керамикой (Хоффман, Мозер, Ольбрих) Что наиболее важно, влияние их творчества ощущалось не только во многих странах Европы и США, но и по прошествии нескольких десятилетий, через много лет после угасания Арт Нуво во Франции и других странах. Все эти талантливые мастера по-новому воспринимали мебель, керамику, изделия из стекла и металла и другие изделия, в которых проявлялось новое художественное направление. Благодаря их высокому творческому мастерству создаваемые изделия были не только красивы, но и удобны, полезны и декоративны. Для них были характерны прямолинейность и четкость геометрических форм и яркий цвет. В этих произведениях также использовались новые материалы.

1 Уроженец Вены В. Раис - автор гуашевого рисунка стилизованного  цветка для обоев или тканей, ок. 1928, напоминает венский дизайн начала века. Выс.1,01 м.2 Михель Поволный и Бертольд Лёфлер, Австрия, расписанная вручную фиолетовая фаянсовая ваза, изготовлена Viener Keramik, ок. 1906. Сетчатый рисунок характерен для раннего венского Модернизма, аналогичный геометрический рисунок встречается на металлических изделиях, мебели и тканях. Выс.14,3 см.

В Венских мастерских развиваются  наиболее прогрессивные художественные направления в искусстве и  дизайне, их изделия демонстрировались  на международных выставках. Столетие спустя многие изделия Венских мастерских продолжают создаваться в Модернистском  стиле, как, например, чайники, тостеры  и другие изделия из серебра, цветных  металлов и сплавов, созданные Кристофером  Дрессером (1834-1904), талантливым британским дизайнером Викторианской эпохи.

В других странах на рубеже веков под влиянием художественного  направления Искусства и Ремесла  возникали аналогичные организации, школы, мастерские и свободно связанные  между собой группы художников и  мастеров, которые создавали, в числе  прочего, модернистскую мебель и  изделия, иногда похожие на произведения Венских мастерских, а иногда заметно  отличающиеся от любого другого художественного  направления.

Несколько позже в Лондоне  художественный критик и художник Роджер Фрай (1866-1934) основал мастерские Омега (1913-19), связанные с художественной школой Блумсберри. Эти мастерские изготавливали ткани, ковры, мебель, керамику и другие изделия в живописном декоративном стиле, мотивы которого, цветовая палитра и стиль в какой-то степени были сродни Импрессионизму, но обладали собственным своеобразием и решительно не были британскими по своему характеру. Хотя изделия Омеги не всегда отличались первоклассным мастерством, декоративность делала их необычайно привлекательными, отчасти благодаря тому, что они создавались и украшались по проектам таких известных мастеров, как Фрай, Дункан Грант и Ванесса Белл.

АРТ ДЕКО 1910-39.

Стиль Арт Деко зародился в Париже в годы, предшествующие началу Первой мировой войны, всего через десять лет после Всемирной выставки 1900 года. Арт Деко не сразу пришел на смену Арт Нуво и не был враждебной реакцией на него. Оба стиля имели некоторые общие характерные черты, особенно во французских вариантах, вероятно, благодаря богатому художественному наследию страны: превосходные материалы и безупречное мастерство.

Именно в период Арт Деко наблюдался расцвет искусства ансамбля, когда высокоодаренный в различных областях искусства мастер отвечал за все декоративное убранство и ансамбль интерьера, включая окна, пол, покрытия стен, мебель, осветительные приборы и отделку.

Несмотря на расхождения  и споры по поводу определения  и хронологии Арт Деко, одна дата в его истории неоспорима: Парижская выставка декоративного искусства и промышленного дизайна 1925 г. Много позже сокращенное название этой выставки дало название стилю. В ней приняли участие мастера Франции и других стран, которые представили интересные современные произведения и таким образом оказывали влияние друг на друга и на дизайнеров и мастеров других стран, в том числе Америки и Германии (которые не принимали участия в выставке). Временем окончания Арт Деко считают начало Второй мировой войны, первый рейс парохода "Нормандия", богатый "плавучий дворец" во Франции, и проведение выставки 1939-40-х гг. в Нью-Йорке. Но в конце 1930-х гг. Арт Деко переживал свой расцвет.

Источники и характерные  основные черты стиля были многочисленными  и различными в разных странах, как  и в случае Арт Нуво, в зависимости от характерных особенностей стилей и традиций. Сильное влияние на Арт Деко оказывала авангардистская живопись, в том числе Конструктивизм, Кубизм, Фовизм и Футуризм, которые обладали богатым репертуаром абстрактных и упрощенных форм и цветовых сочетаний.

Обновление отеля Клариджа в Лондоне, 1929-30, под руководством Освальда П. Милна выполнено с большим вкусом в стиле Арт Деко. Увенчанный куполом вестибюль окрашен в желтые тона, ковер с геометрическим рисунком выполнен Марион Дорн, над лакированными дверями цветочное рондо работы Мэри С. Ли.

Мастера Арт Деко впитывали экзотические особенности зарубежных стилей, культур и традиций, включая методы, формы и тематику. Источники были самые разнообразные, например, культуры древней Месопотамии и Майя, в особенности их ступенчатые пирамиды, нашедшие отражение в небоскребах 1920-30-х гг., в мебели и других элементах со ступенчатыми мотивами. Культуры африканских народов, проживающих ниже пустыни Сахара, племенная мебель которых оказала влияние на нескольких французских дизайнеров, точно так же как их скульптура, послужила источником вдохновения для Пикассо, Модильяни и других парижских художников того времени (многие французские дизайнеры стиля Модерн, работавшие в студии модного дизайнера Жака Дусе в Нейли, испытали на себе влияние африканского декоративного искусства), египетская культура эпохи правления фараонов, влиянию которой способствовало открытие в 1922 году могилы Тутанхамона, культура классической Греции и Рима, Китая и Японии, а также России, в особенности выступления русского балета с красочными своеобразными декорациями и костюмами.

Начиная с середины 1920-х  гг. еще одним источником вдохновения  для дизайнеров, особенно в Америке, стали механические и промышленные формы. Это не только привело к  появлению повторяющихся и перекрывающих  друг друга геометрических рисунков, но также и красочных прямолинейных  образов, включающих круги, полукруги, квадраты, шевроны, стрелы молнии (часто  как символ электричества) и распространенный зигзагообразный рисунок. Некоторое  влияние оказывала аэродинамика, которая вдохновляла архитекторов и дизайнеров на создание кинетических, параболических и летающих форм.

Характерным мотивом периода  Арт Деко было изображение ярких солнечных лучей, неожиданно появлявшихся, из-за туч (восходящего солнца или просто солнечных лучей). Широко распространены цветочные и изобразительные мотивы, но они отличались от Арт Нуво совершенно иной стилизацией. Цветы и букеты выглядели упрощенными, лишь отдаленно напоминающими природные оригиналы. Насекомые, водяные животные и павлины, характерные для Арт Нуво, в большинстве своем уступили место утонченным, изящным стремительным животным, таким как газели, олени (на французском biches - лани), борзые собаки, афганы (значительным исключением являются изделия из стекла в стиле Арт Деко Лалика, которые так же, как и его ювелирные изделия в стиле Арт Деко, насыщены мотивами птиц, рыб и насекомых). Любопытно, что изображение змеи присутствовало в оба периода, в более раннем благодаря своим криволинейным формам, а дизайнеров Арт Деко привлекала фактура ее кожи и присущая ей экзотика (некоторые из них использовали змеиную кожу при изготовлении мебели).

В начале 1930-х гг. мастер по изготовлению фарфора У. Грегори  создал из глазурованного фарфора скульптуру "Радио" - выразительное произведение американского Арт Деко. Выс.68,5 см.

Женщины больше не были томными  чувственными длинноволосыми моделями, изображенными на сосудах периода  Арт Нуво (хотя данный тип не исчез полностью), они стали более мужеподобными, приглаженными, самоуверенными и изображались либо обнаженными, либо модно одетыми и причесанными - такое описание отчасти применимо для описания молодых женщин бурных 1920-х гг.

МОДЕРНИЗМ 1920-49.

Теория современного дизайна  осознанно проста, как реакция  на растущую сложность мира. Произведения Модернизма по своему виду сильно отличаются от предшествующих: в них отсутствует  декор, характерны связь с историческим стилем, акцентирование материалов и  процесса создания произведения. Дизайнеры  эпохи Модернизма использовали промышленные процессы для создания произведений во всей их полноте, что упрощало и  драматизировало повседневную жизнь.

Выдающиеся технические  достижения конца 19 - начала 20 вв. - электрический  свет, телефон, легковой автомобиль и, наконец, воздушные полеты - вызвали  к жизни создание новых форм Модернизма. Это нашло отражение в промышленном дизайне Германии до 1914 г., а также в Арт Деко 1920-х гг., но социальные условия в Европе после Первой мировой войны явились своеобразным толчком для реализации Модернизма в его легко узнаваемой форме.

В Модернизме многое говорилось прямо и открыто. В Германии в  период Веймарской республики (1918-33) насущная программа реконструкции осуществлялась с той же доскональностью, с какой 50 лет назад проводилась индустриализация. Призраки, напоминающие о прошлом, подавлялись. Слишком тщательно для консерваторов, которые снова с лихвой вернули  их на место после 1933 г. при национал-социализме. Программа жилищного строительства во Франкфурте показала миру, как архитектура, исследования в области дизайна и стремление к социальным улучшениям способны создать образ рая, хотя и кратковременного.

Балет "Триады", хореография  и декорации О. Шлеммера в Баухаузе, Дессау, 1926. Сочетание геометрических форм с человеческим телом показывает скованность и неловкость во взаимоотношениях между человеком и машиной в Модернизме, но ощущаются юмор и радость жизни.

Однако цель Модернизма - служить массе населения - не была столь проста. Взаимосвязь между  функциональным стилем и эффективным  действием иногда была довольно свободной. Не очень привлекательные по своему стилю изделия могли тем не менее хорошо работать, а стиль иногда становился чисто внешним эстетическим атрибутом, не отражая в себе функциональности. Многие предметы не нуждались в красивом оформлении, как это доказали ранние Модернисты в своем восхищении необработанными стульями, промышленными изделиями из стекла и другими мало выразительными изделиями.