Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Из стилистического разнообразия 1830-40-х гг. рождается серьезный  подход к возрождению стилей. В  1856 г. печатается "Грамматика орнамента" Оуэна Джонса, а затем в 1887 г. "Сокровища орнамента" Генриха Дольмеча. Это были вводные работы с целью обучить дизайнеров разбираться в истинной природе исторических стилей и помочь им найти академический подход к истории.

Подобный процесс наблюдается  в производстве стекла и керамики, изделия все больше и больше тяготеют к историческим стилям, в их изготовлении применяются технологии, соответствующие  воссоздаваемым историческим периодам. Начинается реакция на массовое производство. Растущая роль механизации приводит таких дизайнеров, как Уильям Моррис (1834-96), к отказу от промышленного  дизайна в пользу ручного производства. Это, в свою очередь, определило появление  очень влиятельного движения "Искусства  и Ремесла" (1860-е гг.).

ЭСТЕТИЧЕСКОЕ НАПРАВЛЕНИЕ 1870-90.

Эстетическое направление  Британии и Америки 1870-80-х годов  охвачено культом красоты, это поднимает  статус всех произведений искусства. Художники-декораторы пересматривают и комбинируют исторические и культурные ценности, изучают новые  и старые производственные процессы в целях создания совершенно нового стиля. Движение началось в Британии в 1850-60-х годах, когда художники Оуэн Джонс (1809-74) и Кристофер Дрессер (1834-1904) систематизировали теории, выходящие за рамки просто декора. Основная идея их философии заключалась в том, что природа и лучшие декоративные работы различных эпох и культур, которые становились доступнее благодаря коллекциям, публичным выставкам и изучению в школах, должны быть освоены художниками и должны служить моделью для развития современного оформительского искусства. Выходит в свет "Грамматика орнамента" Джонса (1856), иллюстрированная множеством оригинальных орнаментов, включая греческий, египетский, арабский и китайский, а также книга любителя ботаники Дрессера, увлеченного структурой растений, где приводятся примеры растительных форм и орнаментов. Оба верили, что декор должен быть функциональным и воплощаться, как у Дрессера, в откровенно геометрические формы, например, столового серебра, полученного гальваническим способом, а тиснением можно украшать плоские поверхности, такие как ткани и обои. Следует вообще отказаться от иллюзии глубины в пользу двухмерного узора.

Форма фаянсовой вазы, ок.1873, созданной парижским керамистом Джозефом - Теодором Декком, пришла из бронзового китайского образца. Натуралистичный лиственный орнамент ручки и тулова сделан под влиянием японского искусства.

Эстетика дизайна испытывает сильное влияние японской графики (Кристофер Дрессер посетил Японию в 1876-77 гг.). Япония только-только открылась западному миру: японские ткани и художественные изделия, в том числе из бело-синей керамики и бронзы, отделанные cloisionnes, слоновой костью, лаками, были показаны на международных выставках в Лондоне (1862), Париже (1867), на "Выставке столетия" в Филадельфии (1876) и приняты в розничную продажу такими фирмами как Liberty & Co. в Лондоне (основана в 1875 г.). Промышленников и ремесленников поразило высочайшее качество изделий, а художников - японский геометрический и абстрактный узор, что было новым для западного искусства. Западные традиционные дизайнеры оказались в шоке от произвольных композиций и асимметрии. Влияние Японии сильно ощущается в Европе, особенно во Франции, где "японизм" процветал в керамике, стекле, художественном металле. Horror vacui (боязнь пустоты), характерная для декора конца 19-го в., смягчалась пробелами, которые противопоставлялись асимметрично аранжированным мотивам, хотя вкус чаще всего склонялся в сторону пышного декора, навеянного Востоком. Он обычно включал цветные узоры и мотивы животных (лягушек, летучих мышей), птиц (журавлей, аистов), насекомых (бабочек, стрекоз), растений (бамбука, веток сосны, цветущей вишни, хризантем), предметов (вееров и круглых гребней, называемых mon). Среди мотивов были также лилии, просо, палитра художника, мольберты, павлины и перья павлинов, наконец, подсолнухи, венчающие Эстетическое направление.

Геометрический, с гальваническим серебром и эбеновым деревом чайник, сделанный по рисунку Кристофера Дрессера компанией James Dixon & Sons, ок.1879. Выс.17 см.

Беспрецедентное городское  строительство, рост механизированного  производства на всех уровнях и повышение  платежеспособности вызвали большой  спрос на предметы искусства. Даже промышленники, традиционно не связанные с передовым дизайном, нанимают дизайнеров или открывают отделы для производства декорированной мебели, керамики и изделий из металла. Новые или возрожденные технологии применяются во всех сферах, включая производство художественного стекла и гончарных изделий, они конкурируют с восточной техникой декорирования металлических изделий cloisonne. В моду вошли новые материалы: чугун и ротанговая пальма активно используются в производстве мебели, для интерьеров в невиданных ранее масштабах изготавливается цветное стекло и керамические плитки.

Стилистическое единство имеет громадное значение, и многие известные художники-декораторы работали в различных областях декоративно-прикладного  искусства. Среди них - Уолтер Крейн (1845-1915), который создавал декор для мебели, керамики, стекла, металла, тканей, обоев и книг. В художественной керамике и металле доминирует откровенно эклектический подход к дизайну, в нем звучат, казалось бы, несовместимые темы, например, ваза, имеющая персидскую форму, могла быть декорирована на японский, египетский или ренессансный манер. Цельность тем не менее достигалась, поскольку сенсорная оценка свойств материала вдохновляет на создание новых комбинаций в росписи панно, выделке кожи, рисунке изразца. И вот уже плитка cloisonne вписывается в мебель и в футляр для часов. Узор для ткани и обоев изготовляется преимущественно тиснением, используются самые разные мотивы.

Предпочтение отдается нежным зеленым и золотым красителям, после двойной или тройной  обработки, что позволяет добиться эффекта роскоши. Заимствованные у  природы лепестки, завитки, закругления  для узора обоев и тканей стали  прототипом французского Арт Нуво. Прошло время, и как реакция на эстетическую вычурность интерьера нового искусства возник так называемый ранний Модернизм с его простотой и минимализмом.

В пору Эстетического направления  законы рыночной экономики уже диктовали  условия создания и распространения  дизайна. Некоторые фирмы, в частности  Morris & Co., строят запасники рисунков для цветного стекла, чтобы быть готовым и к новым заказам. Работы, созданные такими художниками этого направления как Альберт Мур (1841-93), изучаются, копируются и появляются на керамике, стекле и прочих изделиях в Британии и Америке, часто без предварительного уведомления или разрешения. В целях избежания копирования дизайнов, за которые было заплачено, предприниматели стали их регистрировать в Патентном бюро, на изделиях алмазом высекалась регистрационная марка. Престиж промышленных дизайнеров повысил Кристофер Дрессер, чье имя или факсимильная подпись фигурирует на значительном числе сделанных им предметов из металла и керамики.

ИСКУССТВА И РЕМЕСЛА 1880-1920.

Движение Искусства и  Ремесла зародилось в Англии во второй половине 19-го века. Это был бунт против Викторианского стиля, против шаблона  и позорного копирования, попытка  прорвать узаконенный барьер между  художниками, дизайнерами и ремесленниками. Развивалась борьба не только стилей, но и взглядов на труд, искусство  и общество. Инициаторами ее стали  известные писатели, архитекторы  и художники от Томаса Карлиля (1795-1881), А.В. Пьюджина (1812-52) и Джона Раскина (1819-1900) до Уильяма Морриса (1834-96), который и возглавил это движение.

В 1861 году Моррис и его  друзья организуют компанию "Моррис, Маршалл, Фолкнер & Ко." с целью проектировать и выпускать вместе с витражами на религиозную тему художественные ремесленные изделия. В 1870-х годах торговая компания "Моррис & Со." принимает на работу молодых дизайнеров. Личность Морриса, его публикации, лекции и практическая деятельность оказали большое влияние на последующее поколение. В 1884 г. архитекторы, дизайнеры, художники и производители создают Гильдию Ремесленников, которая становится первой межотраслевой организацией. Она сближает процесс создания дизайна и процесс производства. Выставочное общество искусств и ремесел в 1887 г., с легкой руки переплетчика Т. Дж. Кобден-Сэндерсона (1840-1922), получает название "Искусства и Ремесла", это имя унаследовало и само движение.

Движение Искусства и  Ремесла пропагандирует безыскусные  формы, удобные для обработки  материалы и узоры с мотивом  природы. Во главе этого движения встает поколение, рожденное в 1850-60-х  гг. Оно одержимо декоративным искусством и процессом его воплощения. Даже когда работы художников замысловато  декорированы, они всегда понятны, в  них присутствуют местные традиции. Иногда изделия из-за шероховатости  и простоты отделки кажутся грубоватыми, однако богатство замысла и творческая индивидуальность оказывают сильное  воздействие.

К обычным изделиям домашнего  обихода для среднего класса - кухонным принадлежностям, кастрюлям, шторам - отношение  было как к предметам, достойным  художественной отделки. Приветствуются любительские работы, выполняемые женщинами, поскольку женщина считается  основным потребителем и главным  оформителем домашнего очага.

Движение Искусства и  Ремесла - это протест как против сути существующего в прикладном искусстве порядка, так и его  стиля. Это идет от убеждения, что  искусство и ремесло могут  изменить и исправить жизнь человека. Многие из сторонников движения были социалистами с радикальными взглядами  на искусство, труд и общество.

Художники направления Искусства  и Ремесла бунтуют против существующего  способа производства. С одной  стороны, это реакция на низкое качество Викторианской массовой продукции, с другой - стремление сделать труд более творческим. Дизайнеры Войси и М. Байи Скотт (1865-1945) отдают свои проекты мелким малоизвестным мануфактурам. Машинное производство используется лишь там, где оно необходимо. Так или иначе, ручное производство предпочтительнее и в эстетическом смысле, и в смысле обеспечения работой ремесленников.

Необычайная простота и чистота  работ мастеров движения Искусства  и Ремесла очень подходит для  интерьера жилых помещений. Узорчатые  набивные ткани компаний Морриса  показаны в сочетании с керамикой  Мартина Бразерса и Уильяма де Моргана, а также серебряным подсвечником У.Э.С. Бенсона.

Сторонники движения уверены, что традициям можно обучить, изучая исторические и зарубежные стили. Дизайнеры де Морган и Эшби (1863-1942) путем проб и ошибок возвращают к  жизни забытую технику глянцевания  и утраченную технику вощения.

Дизайнеры в своих работах  используют образцы японского искусства, Эстетического направления, европейского Ренессанса, Индии и Ближнего Востока.

Во многих декорах, кроме  исламских мотивов, используются мотивы растений. Моррис и Джон Седдинг (1838-91), чья архитектурная мастерская готовила фоны некоторым лидирующим дизайнерам, в том числе Джимсону и Генри Уилсону (1864-1934), подчеркивали, что мотив природы имеет большое значение для того, чтобы художественная ценность изделия не устаревала. Натуралистичные ритмы узоров растений и цветов придают декору чистоту.

Движение Искусства и  Ремесла, возникшее в Англии, к 1890 годам охватило Северную Америку. Сразу  после окончания Гражданской  войны началась промышленная экспансия, централизация и урбанизация, индустриальные общества возникают во многих частях США.

Ящик для цветов, изготовленный  Compton Pottery, 1910. Проект Ассоциации Home Arts and Industries, Мэри Сетон Уотте (1849-1938) давала уроки местному населению Комптона, близ Гилдфорда, Суррей. Школа при посредничестве Либерти, Лондон, делала садовые вазоны из серой и красной терракоты, декорированные кельтскими мотивами. Шир.51 см.

Движение Искусства и  Ремесла в Британии, США и континентальной  Европе использует дизайн для улучшения  условий работы на фабриках. В некоторых  местах оживают сельские и народные художественные промыслы. Возрождение  народных традиций сближает движение Искусства и Ремесла с движением  за национальное освобождение в Норвегии, Финляндии, Ирландии и Венгрии. Движение Искусства и Ремесла внесло большой  вклад в дизайн многих стран мира. Художественные школы и технические  колледжи, в частности Центральная  школа искусств и ремесел в  Лондоне, сыграли важную роль в укреплении этого направления. Движение последовательно  влияет на преподавание искусства, ремесла  и дизайна в Британии, США и  лишь к 1950-м гг. в Германии. Его  идеи пережили Арт Нуво, Баухауз, Модернизм и Современность, многие мебельщики по сию пору работают, сверяясь с дизайнами Байи Скотта, Джимсона и Войси.

АРТ НУВО 1890-1914.

Стиль Арт Нуво появился в начале 1890-х годов и быстро распространился в Европе и Америке. Он достиг своей кульминации на Всемирной выставке в Париже в 1900 году, а затем пришел в упадок в первые годы нового века и полностью исчерпал себя с началом Первой мировой войны. Данный стиль возник под влиянием многочисленных художественных направлений, производителей, общественных учреждений, издательств, отдельных художников, антрепренеров и покровителей искусства. Этот стиль охватил архитектуру, декоративное искусство, графику, живопись, скульптуру и имел различные стилистические особенности, которые менялись в зависимости от сферы применения. Для стиля Арт Нуво характерны волнообразные, асимметричные закругленные линии, также он определяется использованием натуральных форм и возведением в произведения искусства прикладного декоративного убранства; геометрических, абстрактных или линейных форм; использованием определенных исторических источников и Символизма.

В наибольшей степени Арт Нуво проявляется в поисках современного национального стиля в периоды роста националистических тенденций. По существу, главная особенность этого стиля - применение усовершенствованных декоративных средств. Это направление в искусстве известно в разных странах под названиями: стиль модерн, Le Style Guimard, Le Style Metro, Style 1900, Jugendstil, Stile Floreale, Stile Liberty, Sezessionstil, Modernisme Nieuwe Kunst и Tiffany Stile. Однако его чаще всего называют Арт Нуво после создания Зигфридом Бингом (1838-1905) галереи de L`Art Nouveau ("Дом нового искусства") с магазинами и художественными мастерскими в Париже в декабре 1895 года. Первые произведения Арт Нуво появились в 1893 году при оформлении особняка Тасселя в Брюсселе Виктором Орта (1861-1947). Это было первое архитектурное сооружение, выполненное в стиле Арт Нуво, а вслед за ним последовали декорации Обри Бердсли (1872-1898) к пьесе Оскара Уайльда "Саломея". В обеих работах художники акцентируют внимание на волнообразных линиях.

Возникновение Арт Нуво было сложным явлением, которое объединило самые разнообразные факторы во всех странах, где оно развивалось. Стремление разорвать связь с художественными стилями прошлого и создать единый стиль современного искусства, который был бы доступен для всех - главная забота дизайнеров разных стран. Многие дизайнеры посвятили себя возрождению ремесел и занимались разработкой моделей, частично заимствованных из философского направления Искусства и Ремесла. Другие занялись машинным производством, понимая, что широкие массы должны быть обеспечены высококачественными изделиями, которые отвечали бы потребностям покупателей зажиточного среднего класса.

Разработка нового стиля  дизайна, который подходил бы для  промышленного производства, стала  целью для многих мастеров. Это  четко отделило Арт Нуво от его предшественника - направления Искусства и Ремесла.

Вдохновением для нового стиля служили различные источники, и в большинстве своем объекты  Арт Нуво в высшей степени эклектичны. Стремление к созданию современного национального дизайна означало, что в рамках национального контекста определенным историческим источникам придавалось конкретное значение. Например, во Франции использование асимметричных и витиеватых форм и чувственных образов стиля Рококо одновременно служило связующим звеном Арт Нуво с периодом расцвета мастерства ремесел и декадентской экстравагантности. Во многих странах считалось, что народное искусство и культура заключают в себе строгие и подлинные ценности, которые могут стать основой для современного стиля

Книга Эжена Грассе "Растения и их использование в орнаментах", 1897, доказала возможность стилистического изображения растений и цветов в декоре.