Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Уже в 1737 г. Жак-Франсуа Блондель (1705-74) печатает свой трактат De la distribution des maisons de plaisance et de la decoration des edifices en general, где критикует излишества Рококо и выступает за более сдержанный стиль. Результатом стало появление декоров, в которых форма сохраняет натуралистичное изогнутое движение, но орнамент более сдержан и используется в меньшем количестве. Во втором или третьем десятилетии 18-го века Рококо начинает наслаиваться на барочные местные традиции в разных частях Европы. Фарфоровые комнаты, чайные павильоны и другие экзотические помещения размещались в роскошно обставленных дворцах князей и аристократов Европы; благодаря их богатству появляется неслыханное количество построек.

 

 

Салон принцессы в отеле  Субиз, Париж, был спроектирован Жерменом Бофраном, 1737-40. На сводах - живопись Буше, Наттье и других на мифологические сюжеты. Слияние декора потолка и стен стало самым заметным явлением натурализма Рокайля.

 

Итальянский декор этого  периода порой называют Baroquetto, чтобы подчеркнуть продолжающееся влияние барочных римских художников-декораторов, как Джанлоренцо Бернини (1598-1680) и Пьетро да Кортона. Итальянский декор, даже принимая французские формы, сохранял скульптурное богатство. Королевский домик близ Турина, Stupinighi, - самое изумительное произведение сицилийского архитектора Филиппе Джуварры (1678-1736). Его центральный зал с куполообразным завершением демонстрирует, как роскошно сочетаются барочное пространство и орнамент французского Рококо.

Первым немецким князем, принявшим  французский декор, был Макс Эмануэль, электор Баварии, находившийся в изгнании в Париже. Оба его придворных архитектора - Иосиф Эффнер (1687-1745) и более знаменитый Франсуа Кувиллье (1695-1768) проходили обучение в Париже. Рисунки интерьеров и мебели Кувиллье близки к французским источникам, но непосредственно сочетаются с окружающей природой.

 

Зеркальная комната в  Вюрцбурге была спроектирована архитектором Бальтазаром Нойманом, 1740. Цвет и материалы отражают немецкую страсть к сложнопроработанному, тщательно продуманному интерьеру.

 

Самые поздние образцы  Рококо представлены в Пруссии в  работах архитектора Георга фон  Кнобельсдорфа (1699-1753) и декоратора Иоганна Аугуста Наля (1710-85), интерьеры характеризуются рассеянными, легкими и чрезвычайно натуралистичными мотивами. Однако новое ощущение структуры и порядка, подчеркивающих декор их последователей - Иоганна Михаэля (р.1709), Иоганна Кристиана Хопенхаупта (1719-прибл.1780), отражает движение к классицизму.

В Англии Рококо существует наравне с другими стилями. Декор  Рококо встречается скорее в декоративном искусстве, чем в архитектуре, но интерьеры могут быть украшены лепниной в стиле Рокайль. При этом классицизм, принявший формы обновленного итальянского ренессансного стиля, становится во главу угла архитектурных проектов, и стиль Палладио преобладает во вкусах вплоть до 1740 г. В это время все книги, посвященные узорам, предлагают образцы французского стиля, который принимается златокузнецами и резчиками, а недавно созданные фарфоровые предприятия предлагают имитации континентальных сервизов или фигур. Возрождаются готический и восточный стили, ставшие альтернативой французскому натурализму.

НЕОКЛАССИЦИЗМ 1760-1830

Появление Неоклассицизма было вызвано увлечением античностью  и усилением отрицательного отношения  к чрезмерной роскоши стиля Рококо. Термин возник в 1880-х годах, принято  считать, что стиль охватывает период с 1760-х до 1830-х годов. Неоклассицизм  был, с одной стороны, возвратом  к истории, с другой - поиском стиля, не связанного с эпохой. Поэтому  в современных исследованиях  фигурирует понятие "правдивый стиль". К моменту его упадка эти концепции  слились с романтическим взглядом на величие прошлого. Античность становится одним из вариантов возвращения  к истории.

Искусствоведы придают большее  значение вдохновению чем простому копированию. Иоганн Иоахим Винкельманн, работая в Риме, пишет "Историю древнего искусства" (1764) и воспевает благородство классического прошлого на образцах искусства эллинов. Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) публикует ставшие очень популярными гравюры, посвященные древностям Рима - "Antquita romane" (1756) и "Vedute di Roma" (1748-78). Теория Неоклассицизма соединилась с философией Просвещения. Мысли Руссо и Дидро о восстановлении моральных устоев в современном обществе нашли свое отражение в "Essais sur l`Architecture" Аббе Ложье (1753), где он трактует примитивную хижину как образец архитектурной чистоты.

Раскопки в Геркулануме (с 1738) и Помпее (с 1748) обогащают творчество художников. В 1750-х гг. выходят в  свет публикации Роберта Вуда и Джеймса  Доукинса об обнаружении храмов в Южной Италии и на Ближнем Востоке. Будущие заказчики посещали Рим, Неаполь, Грецию. Коллекции собранных античных изделий и рисунков с них служили источником классических идей для декора интерьеров, мебели, серебра и фарфора.

Самая ранняя форма французского неоклассического декора - Gout Grec - делает акцент на геометричности форм и узора в сочетании с "простой и торжественной манерой архитекторов Древней Греции". Жан-Франсуа Неффорж (1714-91) начал в 1757 г. печатать в "Recueill Elementaire d`Architecture" свои классические рисунки. Мотивы "греческого вкуса" включали волюты, гирлянды из лавра, завитки, пальметты и переплетающийся орнамент.

 

Деталь картины Жака Луи  Давида, ок.1800, изображающей Наполеона  в своем кабинете. Мы видим новый  стиль мебели, появившийся в начале 19 в., созданный художниками Шарлем Персье и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном.

 

К 1770-м гг. в декоре появляется движение и элегантность. Интерьеры  украшаются деревянными панно с  классическими мотивами или с  имитациями гротескного орнамента (часто называемого во Франции  арабесками), возрожденного в эпоху  Ренессанса Рафаэлем. Декор включает природные мотивы, цветы, перевитые  виноградные лозы, переданные в светлых  тонах.

В дальнейшем появляются мотивы этрусского стиля, взятого из декора греческих ваз, которые в то время  считали этрусскими. Франсуа-Жозеф Беланже (1744-1818) и Жан-Демосфен Дюгур (1749-1825) в своих дизайнах ясно и непосредственно передают возрожденную античность. На последнем этапе Ancien regime (1780-92) экстерьер зданий подчеркивает геометричность и простоту форм, но интерьеры продолжают пышно декорироваться.

Поход Наполеона в Египет (1798) обогатил дизайн новыми декоративными  идеями. Пересмотр классических источников, приведший к подражанию римской  архитектуре и декору, лучше всего  выражен в период с 1794 по 1814 г. архитекторами Наполеона Шарлем Персье (1764-1838) и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном (1762-1853). Их труд "Recueill de decorations interieures" (1801) создал основу для многочисленных европейских дизайнов начала 19 в.

Архитекторы хотели "имитировать дух античности, ее принципы и нормы, поскольку они вечны" и следовать классическим образцам не слепо, а сознательно. Архитектурная форма возвращается к простоте ранних греческих и римских памятников, но интерьеры по-прежнему декорируются в богатых и ярких цветах.

Различные сорта мрамора, мебель с золоченой бронзой, шелковые и бархатные набивные ткани стали  соответствовать вкусу императора, наполеоновский Ампир распространяется по всей Европе.

 

Кабинет Марии Антуанетты в Фонтенбло спроектировал Руссо де ла Рутьер, 1790, его орнамент повторяет рафаэлевские гротески Лоджий Ватикана, ок.1510. Мебель сделана Ризенером и Сене.

 

Новые архитектурные теории придают большое значение образности, величию природы и роли человека в ней. Это приводит к конфликту  между теми, кто выступает за симметрию  и регулярность, и теми, кто ратует за асимметрию. В результате возникают  антиклассические стили, такие как  готический, китайский и индийский.

Время развития Неоклассического стиля в Германии совпадает с  важными политическими переменами и подъемом национального самосознания. Архитектор Жан Лоран Лежи (1710-ок.1786), представитель раннего Неоклассицизма, работавший при дворе прусского короля Фридриха Великого, проектирует Новый Дворец в Потсдаме в 1760-х гг. Позднее, после Версальского договора (1815), реорганизация германских земель привела к появлению новых гражданских построек в стиле зрелого Неоклассицизма.

Расцвет Ампира приходится на начало 19 в. Архитектор Карл Фридрих Шинкель (1781-1841), сохранив монументальную ясность французской архитектуры, придает зданиям больше строгости и света. Его представление о важности простоты и пространства находит свое лучшее воплощение в здании Верхних Музеев Берлина (1826-36). Интерьеры Лео фон Кленце (1784-1864), ставшие образцом вкуса 19 в. в использовании однотонных стен с Помпейским декором, следуют той же манере.

ВОЗВРАЩЕНИЕ ПРОШЛОГО 1820-1900.

В 19-м веке на декор влияют эклектичные стили, а также результаты промышленной революции, международные  выставки, познакомившие со всеми  тенденциями декора. В книге "Путеводитель домашнего декоратора и художника" (1840) Х.В. и А. Эрросмиты заметили, что "настоящий век отличается от всех остальных отсутствием какого-либо определенного стиля, который можно было бы назвать стилем эпохи". В это время дизайнеры Европы и Соединенных Штатов обладают потрясающим многообразием стилей, которые соответствуют последним веяниям моды.

Потребители могли выбирать среди огромного числа предметов, которые создаются в самых  разнообразных стилях, от возрождения  Готики до современного греческого, от Елизаветинского до возвращенного Рококо. Прошлое растаскивается по частицам через гравюры и издания для дизайнеров, желавших удовлетворить "сумасшедшие стремления потребителей к новизне, не обращая внимания на истинные ценности" (из "Журнала дизайна", 1849).

Для многих разнообразие выбора было слишком затруднительным. Появляются книги, подобные "Энциклопедии сельского  дома, дачной архитектуры и мебели" Дж.К. Лудона (1833) и американской "Архитектуры сельских домов" А. Дж. Даунинга (1850). Книги содержат информацию о том, как использовать новые стили, и где они будут наиболее подходящими. Несмотря на наличие альтернатив, классический дизайн продолжает существовать в производстве мебели на протяжении всего века. Это дает потребителям, с одной стороны, широкий выбор прочной мебели без претензий, а с другой стороны - мебели, украшенной сложным декором под старину или с неоклассическими мотивами.

В Англии готические мотивы периодически становятся модными на протяжении 18-го в. Но они носят более легкий, почти игривый характер. К 19-му в. капризный вариант Готики постепенно замещается академическим. Публикации "Попытки определения стилей английской архитектуры" Томаса Рикмана (1817), а также статьи и рисунки А.В.Н. Пьюджина отмечают серьезность и моральную значимость стиля, модного среди аристократов Европы и США. Многие ценят его за живописность.

 

 

"Большая выставка промышленных  изделий всех наций", более  известная как "Большая выставка", проходила в 1851 г. в специально построенном Кристалл-Паласе в Лондоне. В нее входили Средневековый двор по эскизам прогрессивного исследователя Готики А.В.Н. Пьюджина (1812-52) с церковной и домашней мебелью ведущих мастеров. Возрожденная Готика в разных вариантах была самым влиятельным стилем дизайна Европы и США в 19 веке.

 

Появление некоторых стилей объясняется политическими причинами. В 1820-х гг. пристрастие британских аристократов к французскому декору периода 1740-50-х гг. объясняется ностальгическим  интересом к режиму Бурбонов и старому порядку, сметенному французской революцией, на смену которому пришла империя Наполеона. Ко времени, когда французский декор становится популярным (1830-40), он обогащается роскошным стилем Неорококо, очень подходившим к новой удобной мебели типа обитой софы с пружинами.

Литература также оказывает  влияние на стили. В Англии и Франции  Елизаветинский стиль, или стиль  Трубадуров, был частично вдохновлен популярными романами, которые описывали  этот период как время рыцарей  и высоких идеалов. Люди хотят  иметь предметы, напоминающие романтику "старых времен".

Определенную роль сыграло  и стремление к новизне. Классицизм в разных аспектах продолжает существовать в 19-м в., особенно в Италии. Промышленная революция привела к росту численности среднего класса, и новые потребители хотят новизны и выбора, дизайнеры же с удовольствием отвечают на их запросы. В 1849 г. один из комментаторов заметил по поводу создателя рисунков на хлопчатобумажной ткани: "В тот самый момент, когда продавалась первая сотня его узоров, он уже начинал гравировать другие". Разнообразие доступных стилей помогает удовлетворить этот быстро растущий, требовательный рынок, для которого украшение зачастую было синонимом красоты.

На дизайн влияет новая  технология. Следует помнить, что  начиная с 1830-х гг. предметы могли  производиться быстрее, а зачастую дешевле, чем прежде.

Предыдущий подход, когда  влиятельный патрон мог сделать  художнику индивидуальный заказ, все  еще существует, но все же неуклонно  растет выпуск массовой продукции. К 1840-м  годам производство обоев, текстиля и изделий из металла осуществляется механизированным путем. Производители  постоянно ищут дизайн, который мог  бы обеспечить продажу больших партий, чтобы оправдать массовое производство. Это период интенсивных экспериментов  и нововведений. Возникают новые  технологии (ламинирование, прессовка деревянных украшений паром) стили все больше приобретают космополитичный характер. Революции и войны, доступность путешествий способствуют перемещениям мастеров и дизайнеров по всему миру, что приводит к взаимообмену идеями. К тому же в начале 19-го в. начинают проводиться международные выставки, стимулирующие торговлю и дизайн. В Европе и Америке входят в моду международные выставки, они проводятся в течение следующих пятидесяти лет.1853 г. - в Нью-Йорке, 1862 г. - в Лондоне, 1867 г. - в Париже, 1873 г. - в Вене, 1876 г. - в Филадельфии и 1878 г. - снова в Париже. Кроме того, они способствуют появлению нового понятия - экспоната. Экспонаты создаются в большинстве случаев для демонстрации мастерства производителя и виртуозности дизайнера, часто используются новые материалы и технологии с целью привлечь внимание. При этом многие экспонаты продолжают оставаться довольно консервативными.

 

Классицизм в греческом  и римском вариантах продолжал  оставаться частью дизайнерского репертуара 1840-х гг. Американский интерьер представляет гостиную из смежных комнат в доме Дж.К. Стивенса, спроектированном Александром Дж. Дэвисом (1803-92), яркий пример бескомпромиссного декора в духе возврата к греческому стилю.