Исторические периоды развития дизайна и их характеристики

Как бы то ни было и как  бы не спорили профессионалы о этапах развития и становления дизайна, одно несомненно - дизайн необходим в нашей будничной жизни. И особенно сегодня, когда индивидуальное взяло верх над общественным, а частная жизнь человека стала признанной ценностью. Дизайн - одно емкое понятие, а включает в себя в нашем сознании: дизайн проект интерьера, массовый и элитный дизайн, китч, стайлинг, поп-дизайн, единичный арт-дизайн, городской паблишь-арт, архитектурный дизайн, промышленный дизайн, Web-дизайн, графический дизайн, кустарный дизайн, исторический футуро-дизайн, прогностический дизайн будущего, фито-дизайн, коммерческий рекламный дизайн, информационный и программный дизайн, научный сайнс-дизайн, текстовый дизайн.

Исторические  периоды развития дизайна и их характеристики

 

РЕНЕССАНС 1400-1600

В декоре 15-го и 16-го веков  доминировала концепция подражания искусству древнего мира. Имитация сочеталась с техническими открытиями в производстве стекла, керамики, где  было введено глазурование глины, и  новшествами в текстильной промышленности. Гуманисты Возрождения, руководствуясь принципами, изложенными греческим  философом Аристотелем, дискутировали  о том, что умный правитель  должен отражать свое великолепие в  произведениях искусства, каковые, в свою очередь, служат для его  возвышения.

Захватывая города Италии, герцоги устанавливают переходящую  по наследству власть и начинают использовать искусство для укрепления собственного богатства, величия и положения. Правители воздвигают монументы, возводят дворцы, приглашают художников работать при дворе и строят новые мануфактуры.

В классических скульптурных мастерских в основном копируются орнаменты  с завитками из листьев, фестонами, гирляндами и мотивом канделябров.

Последние имеют форму  вертикально поднимающейся из вазы или столика листвы. Донателло (1386-1466) обыграл различные комбинации этого классического рисунка в галереи для хора Флорентийского собора (1433-39). В конце 15-го столетия в декорировании интерьера, мебели, предметов из керамики, стекла и металлов доминируют орнаментальные мотивы. В Венеции, тесно связанной с арабскими странами, господствует другая тема.

Орнаменты с геометрическим узором, плетенками, иногда со стилизованным  лиственным мотивом очень подходили  для оформления книжных переплетов, металлических изделий и росписи  тканей. В 1520-х годах в Венеции  появляются книги, украшенные мавританскими  мотивами, а в 1530 году Франческо Пеллегрино публикует очень важный труд "La Fleur de la Science de Pourtraicture".

Архитекторы на раскопках  римских зданий изучают принципы классического рисунка. Преобладают  два подхода к концепции all`antica (в духе древнего мира): Браманте (1444-1514) и Рафаэль (1483-1520) декорируют фасады и внутреннее убранство палаццо в Риме, используя детально изученный опыт римских мастеров архитектуры. Художники создают гармоничные, совершенные по соразмерности произведения искусства, такие как Палаццо Каприни (Браманте, ок.1510); убранство базируется на классических пропорциях и повторах однотипных блоков.

 

Витторе Карпаччо (ок.1450-1520). "Сон Святой Урсулы" (деталь), 1495; показана обстановка итальянского дома: кровать с балдахином на четырех стойках; простая, расставленная вдоль стен мебель - типичный интерьер того времени, включающий cassone (деревянный сундук) и украшения на стенах и полках.

 

Рафаэлевская роспись  Брамантской Лоджии в Ватикане (1516-17) напоминает роспись римских интерьеров, о которой художники Ренессанса узнали благодаря раскопкам Золотого Дома Нерона. Это вызвало появление термина "гротескная" живопись, так как найдена она в подземных гротах. Гротескный орнамент включает изображения мифологических животных, фавнов, сатиров и масок.

 

дизайн проектное художественное творчество

Рисунок Перино дель Вага, Рим, ок.1530; передает мотив канделябра в сочетании с фигурками путти, трофеями и прочими античными темами.

 

В 1519 году Рафаэль воздает  похвалу стилю; тридцать лет спустя художник, архитектор и биограф Джорджо Вазари (1411-74) в книге "Жизнеописание живописцев" (1550) подчеркивает, что стиль являлся основной составляющей искусства тех времен. Элегантность и затейливость в сочетании с виртуозностью отличает искусство 16-го века, в этом художники Ренессанса превзошли предыдущие поколения, даже римлян. В тот же самый период Микеланджело (1475-1564) повел классическую архитектуру и скульптуру по другому пути. Декор становится выразительнее и необычнее, создается более насыщенная по своей тематике роспись. Эти характеристики определяют то, что известно как Маньеризм. Посвященная публика старалась вникнуть в принципы построения произведений и восхищалась изощренностью, с которой художники выражали свои амбиции.

Признание взглядов итальянского Возрождения Европой объясняется  желанием королей и герцогов показать свою индивидуальность и значимость; классические художники, работавшие в  рамках средневековья, прославляют  исключительно величие Бога. Новые  идеи, возникшие сначала в Италии, были развиты гуманистами и писателями 15-го и 16-го веков и вскоре проникли в Европу.

Книжная графика не сразу  осваивает эту идеологию; до введения печатного пресса графика не могла  развиваться столь скоро. Стоит  сказать, что из-за политического  изменения границ, перемещения войск, заключения альянсов по религиозным  соображениям в Европе сложилась  весьма любопытные взаимосвязи. Одновременно с товарообменом происходит обмен  идеями, модой и пристрастиями. Однородность ренессансного декора стала результатом  признания классического орнаментального  словаря. Разнообразие ограничивалось слиянием ренессансных концепций с  местными традициями.

Франция среди первых восприняла итальянский Ренессанс. Франциск I приглашает Леонардо да Винчи (1452-1519), Бенвенуто Челлини (1500-71), Фран-ческо Приматиччо (1504-70) и Россо Фиорентино (1495-1540) работать во дворце Фонтенбло. Художники впервые применяют сочетание фресок и стуковых скульптурных обрамлений с ленточным плетением и завитками из материала, имитирующего металл, что получило название "переплетающийся орнамент". Новый стиль, впервые возникший из итальянских картушей, во второй половине столетия входит в практику многих провинциальных художников-прикладников. В Нидерландах такие оформители, как Корнелис Флорис (1514-75), Корнелис Бос (работал в 1540-54) и Корнелис Матсис (работал в 1531-60), развивают форму гротескных фигур и воплощают ее в металле.

 

Галерея Франциска I в Фонтенбло, декорированная Россо Фиорентино и Франческа Приматиччо, 1530-34.

 

В Северную Европу пришел новый  итальянский узор. Аллегорическая живопись взята в причудливые рамы со стуковыми скульптурами кариатид, путти и гирляндами цветов. Здесь впервые возник переплетающийся орнамент, позже, в 16-м веке, преобладающий во всей Европе.

Фламандское и французское  декоративное искусство служило  источником подражания для художников Англии, особенно к концу века. Англия становится прибежищем для многих художников, изгнанных из Нидерландов и Франции, которые владели мотивами Ренессанса и новой техникой. Иностранные  специалисты по обработке серебра, росписи тканей, краснодеревщики  полностью преобразуют эти ремесла  в Лондоне, Норидже и Кентербери.

БАРОККО 1600-1730

Барокко - стиль искусства  и архитектуры, появившийся в  Риме в конце 16-го века, однако чаще его относят к искусству 17-го века различных стран. Этот стиль был  призван, прежде всего, утверждать красоту  Римской Католической Церкви с целью  противостояния Реформации. Постепенно наиболее ярко Барокко проявляется  во Франции, которая в первой половине 17-го века начинает процветать, причем здесь этот стиль служит для прославления абсолютной монархии.

Покровительство, как религиозное, так и королевское, по-прежнему играет значительную роль в 17-м веке, но оно  не ограничивается только Церковью и  могущественными монархами. Богатые  и влиятельные коммерсанты Голландии  приобретают вкус к роскоши, поэтому  их влияние на развитие искусства  не следует игнорировать. Обычно не так просто четко определить характерные  черты того или иного стиля  и не все предметы, которые мы будем рассматривать, можно отнести  к истинно барочным произведениям, но они отражают тенденции, которые  проявлялись в то время в архитектуре, живописи и скульптуре.

В Барокко прослеживается преклонение перед античной классикой, особенно перед величием и монументальностью  римской архитектуры, что заметно  в храмах и дворцах 17-го века. Залы государственных заседаний расписаны  монументальными классическими  сценами из жизни богов, украшены античной скульптурой. В декоративном искусстве также появляются скульптурные и архитектурные детали, связанные  с античностью, размеры орнамента  увеличиваются. Преобладают четкие и массивные формы, богатые цветовые контрасты, часто используются дорогие  экзотические материалы.

Общее впечатление, создаваемое  интерьером итальянского Барокко, - мощь, роскошь и театральность, французские  же интерьеры, будучи такими же масштабными  и великолепными, склонны к большей  уравновешенности и упорядоченности.

Эффекты освещения стали  еще одной особенностью декоративного  искусства, что очень хорошо видно  в натюрмортах голландцев, а также  в использовании зеркал в сочетании  с отражающими поверхностями  в интерьере. Интерес к движению находит свое воплощение, к примеру, в подставках, имеющих форму крученых колонн. Нелинейные формы и игра света на волнообразной поверхности  также характерны для Барокко.

 

Деталь ковра по рисунку  Шарля Лебрена (1619-90), на котором изображена известная сцена посещения Людовиком XIV мануфактуры Гобеленов в 1667 г. На ней работали лучшие мастера (ткачи, ювелиры, столяры-краснодеревщики, скульпторы), создававшие предметы роскоши для королевских дворцов. В данной сцене королю преподносят эти великолепные предметы.

 

Интерес к свету и движению можно наблюдать в процессе становления  Аурикулярного стиля в начале 17-го века в изделиях голландского серебра. Аурикулярный орнамент в основном используется в голландских изделиях из серебра, хотя иногда он появляется в предметах мебели и очень редко в керамике и тканях.

Установление оживленной торговли со странами Дальнего Востока - другой ключевой момент в развитии декоративного искусства 17-го века. Многочисленные торговые фирмы стали  поставлять на европейский рынок  изделия из лака, фарфора, шелка, что  способствовало формированию вкуса  к экзотике. Товар был дорог  и доступен только богачам, но спрос  был настолько велик, что стали  производиться дешевые подделки лаковых изделий и бело-синего фарфора в европейских странах.

 

Натюрморт с сыром и  фруктами, 1615, голландца Флориса ван Дийка из Утрехта демонстрирует интерес художника к игре света на разных поверхностях. Обратите внимание, например, на бело-синий китайский фарфор, зеленый бокал Коетег и белизну керамического кувшина.

 

Поскольку европейские знания о Дальнем Востоке были весьма приблизительны, художникам-декораторам  приходилось использовать свою фантазию в тематике декорирования.

В это время широко распространенным элементом в декоративном искусстве  являются цветы. В Европу завозятся  новые виды растений, создаются ботанические сады и растет благосостояние опытных  садовников. Следствием становится не только мода на показ срезанных цветов и создание новых форм цветочных  ваз, но и стремительное обогащение художников и декораторов новыми мотивами.

 

Галерея Палаццо Колонна  в Риме; строился в период 1654-65 гг. Огромная роспись аллегорического  сюжета на потолке, необычное использование  зеркального стекла с резными  позолоченными боковыми столами - великолепный интерьер в стиле Барокко, изображенный в миниатюре.

 

В первой половине века торговля луковицами тюльпанов достигает  своего пика, тюльпаны изображаются тщательно  прописанными или стилизованными, их гравируют на серебре, они появляются на тканях и предметах мебели, украшенных маркетри, их рисуют на керамических изделиях.

В последней четверти века преобладает более строгий и  формальный стиль "Барочного классицизма", принятый французским двором и проявившийся в произведениях французских  художников-декораторов и оформителей. Работы таких декораторов широко распространены в виде отпечатков, специально выгравированных досках с орнаментами, которые легко  переводить в различные материалы. Они стали мощным источником вдохновения  в декоративном искусстве начала 18-го века. Распространению куртуазного  французского стиля способствует отмена Нантского эдикта (1685). Согласно новым  правилам французские гугеноты больше не могли занимать какую-либо правящую должность, результатом чего явилась  массовая эмиграция многих тысяч  протестантов из Франции в протестантские страны, такие как Голландия и  Англия. Среди этих изгнанников было много талантливых декораторов  и мастеров, принесших знания современного французского искусства.

Важным аспектом работы французских  декораторов конца 17-го-начала 18-го вв. было возрождение гротескного  орнамента. Он составлялся из усиков аканта, ламбрекенов, а также фантастических созданий, симметрично расположенных  внутри тонко закрученных краев. Хотя эти мотивы начали встречаться  в образцах 16 века, они становятся более утонченными и линейными, привнося новый элемент воздушной  легкости и элегантности, во многом предсказывая стиль Рококо, который  будет рассмотрен далее.

РОКОКО 1715-70

Рококо, зародившееся в первой половине 18-го века во Франции, характеризуется  органичной естественностью и изгибающимся, змеевидным движением композиции. Используемые мотивы основаны на ракушках и нагромождении  камней (Рокайль). Присутствующие мотивы волн или пламени создают ощущение мерцающего движения и асимметрии. В основном Рококо применялся в декоре интерьера, а не в архитектурных  теориях, в узорах этого стиля  чаще проявляется индивидуальная интерпретация  художников-декораторов и мастеров.

Природа, дети, нимфы и  пастушки заполняют картины Франсуа  Буше (1703-1770), многие из которых создавались  как часть интерьера Рококо.

Восточная экзотика добавляет  элементы декора, подходящие к частным  комнатам в стиле Рококо. Кристоф  Уэ (1700-1759) создает кабинеты в Шантильи, украшенные расписными панно с изображением обезьян, совершающих человеческие поступки (такой тип рисунков назывался singerie). Другая форма экзотики - китайские мотивы. Верен рисует восточные фигуры, из гравюр китайского двора, приспособленные к европейскому вкусу.