Византийское искусство

       Константинопольские мастера работали не только на территории самой столицы. Об этом свидетельствуют  мозаики XI века церкви в Дафни (близ Афин). В Дафни можно наблюдать то органическое единство конструкции здания с его декоративным оформлением, которое характерно для византийского искусства зрелого периода. Мозаики хорошо обозримы, так как они расположены в верхних частях здания; в нижней части стены украшены мраморными плитами. Каждая сцена с большим искусством вписана в отведенное для нее пространство.

       Среди мозаик Дафни наиболее замечательны циклы сюжетов из жизни Христа и Богоматери. Трактовка фигур, позы, жесты, драпировка одежд свидетельствуют об использовании мастерами античных прототипов, но использовании творческом, подчиненном тем идеям, которые художники вкладывали в изображенные ими сцены. Глубокая продуманность всей композиции, лаконичность в передаче сюжета, одухотворенность образов, сдержанность жестов и тщательность в отборе деталей помогают сосредоточить внимание зрителя на внутренней характеристике участвующих лиц. Мозаики интересны многообразием композиционных решений и образных характеристик. Утонченное мастерство рисунка сочетается в этих мозаиках с богатством цветовых оттенков и большой живописной культурой. Все это придает мозаикам Дафни особое очарованно и красоту, свойственные произведениям высокого искусства.

       Иную  линию развития искусства отражают относящиеся почти к тому же времени хорошо сохранившиеся мозаики церкви Луки (Хозиос Лукас) в Фокиде. Они продолжают в известной мере народную традицию, характерную для мозаик церкви святой Софии в Фессалониках. Фигуры укороченных пропорций, графически переданные, строго фронтальные, но очень выразительные лица с большими широко раскрытыми глазами, застывшие позы.

       ломаные складки одежд — все это  придает несколько провинциальный вид этому интересному памятнику. Наличие множества изображений местных святых, а также святых воинов, указывает на развитой культ святых.

       Миниатюра XI —XII веков. Относящаяся к тому же периоду книжная миниатюра стилистически близка к монументальной живописи. В иллюстрациях датируемого началом XI века знаменитого Менология (месяцеслова) Василия II Ватиканской библиотеки наблюдается отход от классицизма. Миниатюры этой рукописи занимают часть страницы и органически связаны с великолепно написанным текстом и заглавными буквами. Легкие, как бы бесплотные фигуры святых выделяются на золотом фоне. Архитектура обобщена и дана в значительно меньшем масштабе, чем фигуры, пейзаж условен и занимает минимальное место. Миниатюры переливаются яркими чистыми тонами — синим, красным, зеленым на золотом фоне. В этом направлении развивается украшение византийской книги в течение XI начале XII века: зумительные по тонкости исполнения орнаментальные заставки и инициалы включают растительный и геометрический орнаменты, фигурки птиц и животных, а иногда и людей. Особенно распространенным видом рукописных книг является Евангелие. Как правило, оно начинается с изображения автора — евангелиста; текст часто сопровождался иллюстрациями основных, так называемых праздничных евангельских, сцен. В некоторых, наиболее драгоценных кодексах имеются и портретные изображения заказчиков, чаще всего императоров или членов их семей. Иконопись. Наряду с монументальной, мозаичной и фресковой живописью в византийском искусстве X —XII веков развивается и своеобразный вид станковой живописи — икона. Энкаустика в это время постепенно исчезла, сменившись техникой яичной темперы: по левкасу наносился первоначальный контур изображения, который затем заполнялся основным локальным тоном, поверх которого делались высветления, подрумяны и т. д. Роль иконы, по-видимому, значительно возросла в послеиконоборческий период (X в.). Монументальное искусство оказало значительное воздействие на икону. Как и в мозаиках, в иконе часто встречаются архитектурные элементы (арки, колонны), однако человеческая фигура господствует композиции. Ландшафт и архитектурный фон передаются условно; число действующих лиц весьма ограниченно. Композиции строится вокруг центральной по своему значению фигуры, обычно выделенной размерами.

       Одним из наиболее выдающихся образцов иконописи является икона Григория Чудотворца (Ленинград, Государственный Эрмитаж, XII в.), отличающаяся монументальностью образа. Фигура святого выделяется на мерцающем золотом фоне. Глубокая одухотворенность, тонкий рисунок складок одежд, сдержанная красочная гамма, общее высокое качество исполнения дают основания для ее сближения с крупнейшим произведением этого вида  искусства — иконой Владимирской Богоматери (Москва, Государственная Третьяковская галерея). Икона эта была расчищена в 1918 году. Под множеством позднейших напластований реставраторы вскрыли лики Богоматери и Христа, исполненные византийским мастером первой половины XII века. Несколько грустное, глубоко проникновенное выражение лица Богоматери производит и поныне неотразимое впечатление. Лицо дано в темных оливковых тонах, местами оживленных розовато-коричневыми красками. Карминно-красными мазками отмочены губы и уголки глаз. Серьезный взор младенца обращен к матери; его лицо исполнено в более светлой, контрастирующей рядом с лицом матери красочной гамме.

       При всем спиритуалистическом характере этого образа Владимирская Богоматерь глубоко человечна и эмоциональна, она явилась образцом для многих позднейших воспроизведении и подражаний.

       Прикладное  искусство. Малые формы искусства  достигли в X — XII веках исключительно высокого уровня. Произведения константинопольских мистеров привлекали внимание правителей различных Стран Запада и Востока, а также Древней Руси. Украшенные крупными узорами (с изображениями львов, слонов и др.) шелковые ткани различных цветов, иногда снабженные надписями дворцовых мастерских, представляли такую же ценность, как изделия из золота и серебра. Предметы из драгоценных металлов применились в дворцовом и церковном обиходе; они украшались чеканными изображениями, тонкими орнаментами, замысловатыми узорами. Особенно славились в X—XII веках техника украшении перегородчатой эмалью.

       Напаянные на пластинку золота тончайшие золотые ленточки, поставленные на ребро, образовывали ячейки, заполнявшиеся разноцветной эмалью, которая после обжига шлифовалась. Воздействие этой техники заметно на заставках и инициалах византийских миниатюр. Образцы перегородчатых эмалей имеются в собрании Эрмитажа, в музеях Москвы, лучшие их собрание в пределах Советского Союза находится в Музее искусств Грузинской ССР в Тбилиси.

       Сила  античной традиции особенно заметна в резных изображениях по слоновой кости. На ларцах, украшенных костяными пластинками, сохранились образы античных богов и героев, изображались маски, гладиаторы и т. п. На рельефах слоновой кости встречаются портреты и императоров.

       Высокий уровень сохраняет в Византии и обработка полудрагоценных камней.

       Более широкое распространение имела  художественная керамика с рельефными изображениями фантастических птиц и животных (IX —X вв.), гравированными рисунками различного содержания (XI — XII вв.).

       Изделия художественных ремесел вывозились далеко за пределы империи. Не только продукция византийского прикладного искусства, но иногда и сами мастера выписывались в различные страны или захватывались в качестве ценной добычи при вооруженных столкновениях. В ряде стран византийские мастера положили основание местным художественным мастерским, как это было, например, в Киевской Руси и в Грузии, где стали изготовлять великолепные перегородчатые эмали. 

       Византийское  искусство вне  пределов империи  (Х1-Х11   вв.)

       Византийские мастера XI--XII веков работали и вне пределов империи в частности в Италии. Свидетельство тому — памятники Венеции и Сицилии, то есть тех мест, которые исторически были особенно тесно связаны с Византией. Не подлежит сомнению, что приезжие мастера работали здесь совместно с местными художниками в общих артелях. Со временем в этих итальянских центрах вырабатывались свои, отличные от Византии формы искусства.

        Среди   памятников  византийской   архитектуры,   воздвигнутых   на   Западе,   наибольшее   значение   имел   построенный   в конце XI века пятикупольный собор Сан Марко в Венеции (рис.  1). Он представляет в основе равноконечный  крест,  вписанный    в   план    пятинефной    базилики. Каждый  из отрезков креста,  перекрытый отдельным куполом,  повторяет в системе оформления тему креста и квадрата.

Рис. 1. Собор  Сан Марко  в Венеции. Аксонометрия

         Вместе с угловыми помещениями это создает группу из девяти взаимно подчиненных и связанных системой купольного покрытия пространственных подразделений. Все эти боковые части подчинены центральному помещению, купол которого выделен своими размерами. Общая система здания строго продумана и логически завершена. Внутри здание украшено подобно византийским храмам: внизу плитами мрамора, а вверху - мозаиками. Мозаики Сицилии. Воздействие византийского искусства ощущается особенно сильно на мозаичном убранстве сицилийских памятников периода норманнского королевства (от середины XII до сере дины XIII в.). Константинопольские мастера работали в соборе в Чефалу (сороковые годы XII в.). Система расположении мозаик приобретает здесь, как и в некоторых других памятниках Сицилии, своеобразные черты, обусловленные иными формами церквей. Поскольку в них отсутствует купол (они имеют базиликальную форму), центральная фигура Христа. резко выделяющаяся своими размерами, перемещается в коих у апсиды; ниже расположены Богоматерь и архангелы, в следующем поясе апостолы и т. д. При строгости типов и некоторой абстрактности в их передаче, возросшей плоскостности и линейности, здесь не. утрачено представление о строении тела, лица индивидуализированы, колорит отличается чистотой и мягкостью переходов. Если в алтарных мозаиках Чефалу исследователи видят работу константинопольских мастеров, то в других частях того же здания, так же как и в ряде других памятников, очевидно, работали местные мастера — члены той же артели мозаичистов, постепенно все более освобождавшиеся от воздействия своих византийских учителей.

       Следование  византийским образцам проявлялось  и в отдельных композициях: такова, например, сцена коронования Рожера II в Сайта Мария дель Амиральо в Палермо (так называемая Марторана, середина XII в.). Сама идея этой сцены, символизирующей догмат о божественном происхождении царской власти, заимствована из Византии. Парадные одежды Рожера подобны одеждам византийских императоров.

       Византийские  мозаичисты помимо Италии работали и  в других странах. Они принимали  участие в убранстве Киевской Софии (середина XI в.). Распределение изображений здесь следует системе, выработанной в XI веке в Константинополе. Особенно высоким качеством исполнения отличаются фигуры святителей и Богоматери Оранты в апсиде, Христа Пантократора в куполе. В составе артелей здесь, как и в Михайловском монастыре начала XII века, греческие мастера работали совместно с русскими.

       Тесно связана с византийской традицией исполненная грузинскими художниками мозаика Гелатского монастыря (близ Кутаиси, первая половина XII в.) на которой изображены Богоматерь с младенцем и архангелы.

       Весьма  велико было значение Византии для искусства южных славян. На территориях, периодически входивших в состав империи, сохранилось множество памятников высокого художественного значения. В Болгарии дольше., чем в Византии, удерживалась форма базилики как в гражданском, так и в церковном зодчестве. В XI веке сюда проник н крестовокупольный тип построек (церковь Германа на озере Пресна, церковь Иоанна в Месемврии). Росписи Бачковского монастыря (XII в.) отражают воздействие Византии в системе росписей, в греческих надписях и т. п. Интересны отзвуки эллинистического искусства в оформлении погрудных изображений святых, вписанных в квадратные и круглые рамочки, как бы подвешенные на кольцах.

       Среди наиболее выдающихся образцов фресковой  живописи на Балканах можно назвать росписи церкви Софии в Охриде (XI в.) и церкви в Нерези (близ Скопье, и». 2) 1164 г.), исполненные, как следует из надписи, византийскими мастерами. Особенно известны сцены страстного цикла из церкви в Нерези. Но своей эмоциональности, динамичности композиций, своеобразию художественных решений этот памятник предвосхищает стиль конца XIII — XIV века. 

       Византийское искусство XIII – XV вв.

       Крестовые походы, приведшие к завоеванию Константинополя в 1204 году, сыграли губительную роль в судьбе Византийской империи. Крестоносцы разграбили город, вывезли большое количество произведений искусства. Греческие художники эмигрировали в различные страны Западной и Восточной Европы. Результатом крестовых походов вместе с тем было более интенсивное взаимопроникновение элементов культуры разных народов.

       В этот период на территории империи  возникли три небольших государственных  образования: в их числе Трапезунт, где сохранились фресковые росписи  церкви святой Софии XIII века, свидетельствующие о новых художественных исканиях. Наибольшую политическую и культурную роль в это время играла Никея. По-видимому, здесь определился интерес к античности, которая воспринималась некоторыми общественными кругами как национальное прошлое. После восстановления империи при Михаиле Палеологе в 1261 году в искусстве, как и в других явлениях культуры, начинаются поиски новых путей, возникают отдельные элементы своеобразного Возрождения.

       Архитектура. Здания, возведенные или перестроенные в конце XIII или в XIV веке, отличаются сложным планом, состоящим из ряда почти замкнутых помещений небольшого размера. Такова, например, церковь Паммакаристы (Фетиэ-Джами, конец XIII в.) или перестроенный в начале XIV века монастырь Хора (Кахриэ-Джамн) в Константинополе. В этот период возрастает роль наружной декорировки зданий. Так, например, богатством узорчатой кирпичной кладки (возможно, заимствованной из балканских стран) отличается церковь Апостолов в Фессалониках (1312—1315 гг.) и сохранившийся в развалинах дворец Текфур Серай в Константинополе (XIV в.).

       Сложный комплекс зданий как светского, так и церковного назначения сохранился в Мистре — центре Морейского деспотата: живописно расположенные церкви с открытыми портиками, с аркадами, многогранными барабанами куполов, декоративными поясами арок на изящных колонках. В отдельных памятниках (как, например, церкви Софии в Трапезуйте) применялся и скульптурный декор с растительным орнаментом, изображением людей и животных.

       Живопись. В конце XIII—начале XIV века в области живописи наблюдается значительное обогащение тематики за счет иллюстрирования «Акафиста Богоматери" ряда апокрифических сказаний 2, различных гимнов и молитв. Усиливаются повествовательные моменты и в отдельных сценах: вводятся сложные архитектурные фоны и относительно развернутые пейзажи. Композиция строится в несколько планов. Фигуры, прежде неподвижные, крупные, чаще всего представленные в фас, становятся в это время легкими, приобретают удлиненные пропорции; они нередко изображаются во взаимодействии, иногда в порывистом движении. Чаще, чем раньше, встречаются портреты заказчиков.

       Стиль этого периода отмечен нарастанием живописных элементов, усложнением красочной гаммы с применением переходных тонов.