Расцвет музыкальной классики России в 19 веке

     Национальное  искусство Глинки не принадлежит  ни классицизму, ни романтизму, оно  тем более не является простой  суммой классицистических и романтических элементов. Впитав достижения западноевропейской музыкальной культуры. В совершенстве овладев высоким мастерством, он выработал свою систему эстетических взглядов, опирающуюся на принципы русского художественного реализма пушкинской эпохи. Этой системе и подчинен стиль Глинки.

     Глинка  оставил после себя огромное бесценное  наследие потомкам – свои произведения, в которое входят оперы «Иван  Сусанин» и «Руслан и Людмила»; «Камаринская», «Вальс-фантазия» и  другие симфонические произведения; более 70 романсов; камерные инструментальные ансамбли и фортепианные произведения.

     Роль  Глинки в русском музыкальном  искусстве велика. Только с его  творчеством русская музыка вышла  на путь широкого, монументального, общенародного  искусства.

      2.  Музыкальное искусство пореформенной эпохи (вторая половина 19 века) 

     Исторический  период 60-80 гг. 19 века принято называть пореформенным – в 1861 году царским  указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию  русской общественной жизни. Этот этап отмечен высоким расцветом художественной культуры как цельного и самобытного  явления. Именно тогда в искусстве  сформировалась определенная система  духовно-эстетических ценностей, которые  воплотились в литературе и театре, в живописи и музыке.

     Музыкальное искусство не осталось в стороне  от жгучих вопросов современности. Народнические  позиции характерны для мировоззрения  многих композиторов, уверовавших в  мессианскую роль русского народа, в торжество его исторического  духовного подвига. Музыка отразила весь спектр напряженных нравственных исканий русской интеллигенции  тех лет, воплотила в музыкальных  образах навеянные временем идеалы. Одни мастера идеализировали русскую  историю, чистоту народной жизни, другие верили в самосовершенствование  личности на основе законов народной этики, иные же стремились воплотить  в творчестве некий прообраз народной культуры, рожденной из вечно живого источника – первозданной природы.

     Жанровое  своеобразие русской музыки тесно  связано с «литературоцентризмом», характерным для художественной культуры пореформенной эпохи. Порожденный  эстетикой реализма, он выразился  в приоритетной роли слова, художественного  и публицистического. Ведущим жанром музык в это время является опера – историческая, эпическая, лирическая, драматическая. Продолжают развиваться и другие синтетические  музыкальные жанры – романс, песня. Вокальная музыка пополняет собой  «музыкальную энциклопедию» русской  поэзии, обогащая ее социально-обличительными и лирико-психологическими образами.

     Инструментальная  музыка этой эпохи также тяготеет к реалистической сюжетности, к конкретике литературного первоисточника. Это выразилось, в частности, в том особом значении, которое приобретает у русских композиторов программная инструментальная музыка. Она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности.

     Кульминацией  в развитии инструментальной музыки стало создание русской многочастной симфонии, свидетельствующее о высокой  зрелости отечественного симфонизма –  лирико-драматического (у П.И.Чайковского), эпического (у А.П.Бородина). Получили развитие и другие виды симфонической  музыки – инструментальные концерты (А.Г.Рубинштейн, П.И.Чайковский, Н.А.Римский-Корсаков), увертюры, фантазии, симфонические  картины.

     Приметой  многожанрового расцвета музыки становится рождение классического русского балета, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается симфоническими средствами.

     Развитие  музыкальной культуры не могло не отразить две основные тенденции,  значимые для русского национального  менталитета. Первая из них связана  с ускорением темпа европеизации музыкальной жизни, с радикальными сдвигами в концертной практике, исполнительстве, образовании. Было организовано Русское  музыкальное общество (РМО), открыты  первые консерватории в Петербурге и Москве.

     Вторая  тенденция русской музыкальной  культуры пореформенной эпохи была ближе «почвенническим» общественным взглядам. Так, центром музыкальной  жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый М.А.Балакиревым. Он вошел  в историю как Новая музыкальная  школа, или «Могучая кучка». Кружок составили начинающие композиторы, не получившие профессионального образования  и нашедшие в М.А. Балакиреве своего главного наставника: Ц.А.Кюи, А.П.Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков. Эстетические позиции «кучкистов»  сформировались на почве радикальных  народнических идей, подкрепленных  богатым опытом развития отечественной музыки предшествующих лет, творчеством М.И. Глинки и А.С.Даргомыжского. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из народного творчества, и путь русского композитора связан с претворением в музыке образа народа, его истории, его нравственных идеалов. 

     2.1 Творчество П.И. Чайковского 

     Вершины музыкального романтизма.

     Творчество  П.И.Чайковского вобрало и сфокусировало  всеобъемлющую информацию о человеке, психологии его чувств, динамике страстей; оно запечатлело диалектику естественных порывов к счастью и невозможность  изменить трагическую сущность земного  Бытия.

     Гений Чайковского сформировался в  пореформенную эпоху. Он был свидетелем высокого подъема и упадка народнического движения в русской культуре, современником  композиторов «Могучей кучки».

     Стиль музыки Чайковского сложился в контексте  нетрадиционных представлений композитора  о природе национальной самобытности. В трактовке «национального»  и «народного» он шел иным путем, нежели приверженцы «кучкизма». Русский  фольклор не был для него универсальным  источником, первоосновой музыкального языка. С помощью обобщенных, опосредованных народно-песенных интонаций Чайковский воплотил национальный образ «русскости», России, российскую действительность в ее современной многогранности. Поэтому композитор не ставил своей  задачей использовать в музыке конкретные жанры подлинного крестьянского  фольклора, а обращался к «интонационному  словарю» окружающего его городского музыкального быта. Привычные городские  интонации в сочетании с эмоциональной  открытостью, искренностью и мелодичностью  сделали музыку Чайковского понятной и доступной самому широкому слушателю  и в России, и за границей. Именно поэтому произведения Чайковского быстро завоевали симпатии европейцев, способствовали международному признанию русской музыки во всем мире.

     Феномен творчества Чайковского как явления  глубоко русского заключается в  том, что композитор, воплощая личное, сумел выразить общезначимое, рассказывая  языком музыки о своих душевных переживаниях – подняться на уровень обобщения  философских и нравственных идей, которые являются ключевыми в  культуре России. Среди них болью  написанный в сердцах и умах современников  вопрос, гениально сформулированный Ф.М. Достоевским: все ли человеку дозволено(?), а также извечные проблемы жизни  и смерти, добра и зла, любви  и ненависти. С отечественными культурными  традициями музыку Чайковского роднит ненавязчивое «учительство», изнутри  идущее сострадание к людям, сочувствие их немощам и горестям, иначе говоря, истинный гуманизм в общечеловеческом его понимании.

     Не  менее органично произведения Чайковского  вписываются и в достижения европейского искусства, в стилистику романтизма. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую  всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу». Привносить "свое", не чужеродное «общему» композитор всегда считал важной задачей, никогда специально не заботясь о собственной оригинальности. Поэтому он говорил самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, восприняв романтизм именно как общую художественную идею.

     Романтическое мироощущение открыло безграничные возможности для проявления лирического  дара композитора. Лучшие страницы его  сочинений окрашены в эмоциональные  тона, придающие музыке характер исповедального высказывания.

     Диапазон  творческих интересов композитора  необычайно широк. В его наследии десять опер («Евгений Онегин», «Ундина», «Кузнец Вакула», «Пиковая дама»  и др.), три балета («Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик»), семь симфоний, более десяти оркестровых  сочинений, инструментальные концерты, хоровая и фортепианная музыка, камерно-вокальные произведения. В каждой области Чайковский был новатором, хотя к реформаторству никогда не стремился. Используя традиционные жанры, композитор находил возможности для их обновления. Он создал лирико-драматическую оперу, симфонию-трагедию, обогатил одночастную программную увертюру и симфоническую поэму, а также явился основоположником русского симфонизированного балета, концерта-симфонии.

     Творчество  Чайковского оказало огромное влияние  на современников. Его имя уже  тогда ассоциировалось с величайшими  представителями русской культуры. В последующие десятилетия ни один из музыкантов не миновал воздействия  мощного симфонизма Чайковского  и его оперного стиля. Художественное и гуманистическое значение его  музыки особенно актуализировалось  во второй половине 20 века. На фоне глобальных экологических катастроф, войн, разрушений и духовных кризисов все более  сбываются слова композитора: «Я желал бы всеми силами души, чтобы  музыка моя распространялась, чтобы  увеличивалось число людей, любящих  ее, находящих в ней утешение и  подпору».

      3.  «Серебряный век» в русском музыкальном искусстве (1890-е гг. – 1917) 

     Конец 19 и начало 20 века были для русской  музыки порой необычайно быстрого, стремительного развития и выдвижения новых сил и течений, что связано  с всеобщей переоценкой ценностей, пересмотром многих утвердившихся  в предыдущую эпоху представлений  и критериев эстетической оценки. Процесс этот протекал в острых спорах и столкновениях различных, иногда сближавшихся, иногда антагонистичных  тенденций, казавшихся непримиримыми  и взаимоисключающими. Но именно это  многообразие и интенсивность исканий  определяют особое богатство данного  исторического периода – одного из самых интересных и плодотворных в отечественном искусстве. Выдающиеся достижения и открытия в разных областях художественного творчества, которыми было ознаменовано время, обогатили  его новым содержанием, новыми формами  и выразительными средствами.

     Тенденции культуры «серебряного века» глубоко  изменили облик музыкального искусства. Среди «традиционалистов», у которых  движение к новому совершалось без  разрыва с накопленным опытом, выделяются имена представителей петербургской  школы, ближайших последователей Н.А.Римского-Корсакова, - А.К.Глазунова и А.К.Лядова. Московскую школу достойно представляет С.И.Танеев, а также менее известные, но одаренные  авторы – А.С. Аренский, В.С. Калинников, М.М. Ипполитов-Иванов.

     Но  уже в 1900-е гг. в русской музыке выдвигается блестящее поколение  молодых композиторов, относящихся  к великим творцам «серебряного века». В их искусстве сказалось  обновление мироощущения, драматизм  и накал страстей «эпохи рубежа веков», вольное парение в ее стилевом многоголосии. Музыка заговорила образами символизма (А.Н.Скрябин), неоклассицизма (Н.К.Метнер), неоромантизма (С.В. Рахманинов), неофольклоризма (И.Ф. Стравинский), кубофутуризма (С.С. Прокофьев), свободно сочетая язык всех стилей.

     Музыкальное искусство «серебряного века» было новаторским по своей сути. Открытия Скрябина, Рахманинова, Стравинского, Прокофьева в области лада, гармонии, формы способствовали становлению  новой образности и средств художественной выразительности в музыке 20 века. 

     3.1 Новое направление в русской духовной музыке 

     Эпоха рубежа 19-20 вв. явилась подлинным  «духовным ренессансом» русской  церковной музыки. Хоровые сочинения, созданные в период примерно с  середины 1890-х по 1917г., относятся  к так называемому Новому направлению  в отечественном богослужебном  музыкальном искусстве. Это направление  было представлено композиторами разных творческих возможностей и установок. Среди них были музыканты петербургской  и московской композиторских школ. Всех их объединила одна общая идея – идеализация подлинных церковных  напевов, претворение их в нетто  музыкально-возвышенное, сильное своей  выразительностью и близкое русскому сердцу типичною национальностью.

     Обращение к истокам, к практике знаменного пения Древней Руси становится сутью  Нового направления. На первый взгляд, подобный церковно-певческий «неоклассицизм»  вполне гармонирует с магистральной  линией развития искусства того времени, с устремленностью к возрождению  моделей прошлых культур. Однако музыка Нового направления – это  совершенно особая ветвь художественного  творчества «серебряного века», поскольку  она выполнила своеобразную посредническую функцию между богослужебной  практикой с ее строгим каноном  и светским искусством концертного  предназначения. Сочинения приверженцев этого течения связаны не только с литургическим текстом (что  часто встречается в музыке 20 века), но с конкретным богослужением, что позволяло включать многие произведения в церковную службу. Новый стиль  в духовной музыке развивался быстро и плодотворно. Композиторы внимательно изучили старинные распевы, пытаясь на их основе выделить принципы гармонизации церковных мелодий.