Полифоническая музыка в эпоху барокко

     Многие из мастеров франко-фламандской школы работали в Италии. Среди них - Джованни Пьерлуджи да Палестрина(1525-1594), Орландо ди Лассо(1532-1594), Томазо Луис де Виктория(1548-1611), Адриано Вилларт(1490-1562) и Сиприано де Роре(1515-1565). Композиторы придали полифоническим формам более высокий стиль, фелиновые тексты для музыкальных произведений, наряду с каноническими. Этому способствовало влияние итальянского музыкального искусства, стремившегося к равенству слова и музыки [7].

Глава 1.1. Полифония в барокко  

  Барокко одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством. Особого внимания заслуживает музыкальная жизнь эпохи — чрезвычайно насыщенная, полнокровная, вышедшая за рамки XVIIв.

    Музыка барокко взяла от Ренессанса практику использования полифонии и контрапункта. Однако применялись эти техники иначе. Во времена Ренессанса гармония строилась на том, что в мягком и спокойном движении полифонии второстепенно и как будто случайно появлялись консонансы. В барочной же музыке порядок появления консонансов стал важным: он проявлялся с помощью аккордов, выстраиваемых по иерархической схеме функциональной тональности.

   Другое отличие между музыкальной гармонией барокко и Ренессанса

заключалось в том, что в раннем периоде смещение тоники происходило

чаще по терциям, в то время как в барочном периоде доминировала модуляция по квартам или квинтам (сказалось появление понятия функциональной тональности). К тому же, барочная музыка использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм. Основная тема расширялась либо сама, либо с помощью аккомпанемента бассо континуо. Затем она возникала в другом голосе. Позднее, главная тема стала выражаться и через бассо континуо, не только с помощью основных голосов. Размывалась иерархия мелодии и аккомпанемента.

     Стилистические различия определили переход к фугам, одной из основных форм музыки барокко. Термин «фуга» использовался уже в Средние века, но тогда им обозначался любой имитационный контрапункт (то есть произведение, в котором один голос время от времени повторяет другой), в том числе канон и другие типы произведений, которые впоследствии выделились в отдельные музыкальные формы. Техника фуги, какой мы знаем её сейчас, начала разрабатываться в XVI веке, как в вокальных, так и в инструментальных произведениях. Такая техника использовалась, например, в фантазиях, ричеркарах и канонах [8].

     Форма фуги выросла из техники имитации, когда один и тот же мотив повторяется несколько раз, начинаясь с разных нот. Изначально такой приём использовался при импровизации, но к середине XVI века этот приём стал использоваться в сочинении музыки. Композитор эпохи Ренессанса Палестрина, творивший в то время, писал мессы, используя тональный контрапункт и имитацию. Техника фуги стала основой и для формы мотета. Мотет отличался от фуги тем, что на каждую фразу текста в нём вводилась новая тема, в то время как в фуге темы (чаще всего это одна тема) вводятся в самом начале и проходят через всё произведение.

     Ещё одно важное изменение заключалось в том, что увлечение инструментальной музыкой превосходило увлечение музыкой вокальной.

     Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах.

    Опера появилась на закате эпохи Возрождения и символизировала собой представления об идеале искусства гуманистов, которые стремились к синтезу различных видов искусства. Расцвет классической литературы, новая трактовка сочинений Платона, развитие и необыкновенная роскошь театральных постановок - все это было неотъемлемыми атрибутами светского искусства эпохи барокко.

     Колыбелью оперного искусства была Италия, по территории которой опера быстро распространилась. Родиной жанра была Флоренция. Вскоре опера становится популярной в Риме и Венеции, чуть позже - в Неаполе.  Благодаря своей необыкновенной продуктивности итальянские оперные композиторы способствовали развитию европейских оперных течений. Венеция, Рим и Неаполь по-прежнему оставались известнейшими оперными центрами Европы. Одним из вдохновителей неаполитанской оперы был Франческо Провенцале( ок. 1627-1704). Замечательным оперным композитором, работавшим на рубеже двух веков, был Алессандро Скарлатти( 1660-1725), представитель неаполитанской школы. Большая часть его творческой деятельности протекала в Риме. Его господство как в области комической оперы. Скарлатти представил новый тип арии, установив трехчастную форму, где третья часть была полным повторением первой ( "da copo"). Он же разработал инструментальную увертюру - тогда ее называли симфонией, придал большую слаженность и согласованность квартетам [9].

     После реформ Скарлатти итальянская опера занимает одно из первых мест в европейском искусстве XVIII в. Самые знаменитые европейские композиторы начала века ( за исключением Иоганна Себастьяна Баха, который не писал опер, и Жана-Филппа Рамо, защитника французской революции) посвятили себя этому жанру. Наиболее известными композиторами, работавшими над жанром оперы, были Георг Филипп Телеман( 1681-1767) и Георг Фридрих Гендель( 1685-1759), создавшие такие замечательные произведения, как "Ринальдо"( 1711), "Юлий Цезарь"( 1724), "Тамерлан"( 1724), "Орландо"( 1733) и Ксеркс( 1738).  

    Гендель и его современники ознаменовали своим творчеством расцвет музыки барокко, который приобретает необыкновенную яркость во второй половине XVIII в. и приведет к истокам классицизма. Развитие искусства в Европе радикально преобразовало музыкальные стили, изменив даже композицию инструментальных сочинений.

     Необычайно популярным было пение "castrati"( кастратов). Для сохранение чистоты голоса в период полового созревания певцы подвергались кастрации. Широкий диапазон голоса позволял им исполнять партии сопрано, контральто и тенора, а некоторых случиях - половину регистра баритона. Сила их голоса была необыкновенной.

     Господство оперного искусства Италии было абсолютно во всем Старом свете. Многочисленные итальянские труппы, особенно венецианские и неаполитанские, искали удачу в европейских столицах. Иногда, в особых случиях, сам королевский двор просил об услугах композитора. Например, Антонио Дражи( 1617-1700), оказал большое влияние на венское оперное искусство. Он прожил в Вене более тридцати лет и поставил более сорока опер.  В Германии итальянская опера впервые представлена в Дрездене произведениями Джованни Андреа Бонтемпи( ок.1624-1705). В Мюнхене работал еще один итальянский композитор - Агостино Стеффани( 1654-1728). В Англии опера была представлена особым жанром - "Mask" или "Maske" - придворное развлечение, в котором танец, музыка и поэзия сочетались с мимикой и речитативом. Итальянская опера не пользовалась популярностью во Франции до середины XVIII., т.к. Жан-Батист Люлли создал национальную оперу, с очень четкой стилистической структурой, с увертюрой, состоящей из трех частей, многочисленными балетами, усовершенствованной обработкой. Он же сократил движения по сцене, ввел силлабические речитативы. Это привело к появлению жанра лирической трагедии.

     Жанр оратории связывают с именем итальянского композитора Джакомо Кариссими( 1605-1674). Эта драматическая музыкальная форма не была предназначена для постановки. Она появилась в середине XVII в., возникнув из итальянской духовной внелитургической песни - лауды. Дуэты, арии и многочисленные хоралы монументального характера составляли основу оратории. Партитуры Джованни Франческо Анерио( ок.1567-1630), Северо Бонини( 1582-1663) и Кариссими включали тексты на латинском языке, которые были взяты из Ветхого завета. Предназначенные для исполнения великого поста, первые оратории прозвучали в "Santissimo Crocefisso" в Риме, там, где обычно ставились исполнения лауды. Кариссими представил публике самые известные свои произведения - "Jephte"( ок.1650) и "Jonas"( ок.1654). Оратории были разделены а две части и исполнялись до и после проповеди. В течение нескольких лет Кариссими преподавал в Немецком колледже в Риме, что способствовало распространению жанра оратории в Германии, поскольку его ученики привезли ораторию на свою родину [10].

      В последней трети XVII в. происходит настоящий расцвет жанра оратории в творчестве Алеесандро Страделла и Алессандро Скарлатти. Они вводят ораторию арию и инструментальные части из concerto grosso. Эти новвоведения стали основой для великих произведений Иоганна Себастьяна Баха. Бах написал три оратории, а Георг Фридрих Гендель (1685-1759), оставив оперную карьеру, полностью посвятил себя развитию этого жанра и достиг на этом поприще необычайных высот.

     Не менее популярным вокально-инструментальным жанром эпохи барокко была кантата, появившаяся в XVII в. Первые сборники кантат принадлежат Алессандро Гранди и Доменико Кривеллати( "Cantate diverse", 1628). Жанр кантаты возник на основе мадригала, ее содержание позднее было заменено цитатами из Священного Писания. Большой вклад в развитие жанра кантаты внес Алессандро Скарлатти.
       

    Кантата была очень популярной в Германии, благодаря творчеству Дитриха Букстехуде( ок.1637-1707), Иоганна Себастьяна Баха и Георга Филлипа Телемана(1681-1767, музыкантов, создавших великолепные образцы жанра.

    В эпоху барокко зародился новый жанр - кончерто гроссо (итал. concerto grosso — большой концерт).   Обычно в концерт пишется в трех частях - Allegro, Adagio, Allegro - т.е. с использованием контраста быстрых и медленных темпов. Этот тип композиции получил название concerto grosso( большой концерт) из-за наибольшего по тому времени количества музыкантов, входящих в состав оркестра, исполняющего концерт. Как бы там ни было, в ансамбле некоторые некоторые музыканты обладали более высоким мастерством, и им доверяли солирующие партии( a solo). Они постепенно образовывали так называемые concertino (концертино), составленные обычно из двух скрипок и виолончели, в то время, как состав оркестровой группы именовался ripieno( итал. - полный). Алессандро Страделла опубликовал около 1670 г. первый большой концерт с заглавием "Симфония в ре". Но окончательная форма концерта была сформирована композитором и скрипачом Арканжело Корели (1653-1713). Его гениальные последаватели Антонио Вивальди и Георг Фридрих Гендель создали великолепные образцы этого жанра.

     Именно Вивальди, выдающийся представитель венецианской школы, вместе с Томмазо Альбинони (1671-1751) и Бенедетто Марчелло (1686—1739) был тем, кто содействовал окончательному формированию жанра сольного концерта на основе большого концерта. Первыми сольными концертами стали концерты, написанные для скрипки. Вивальди оставил в этом жанре поистине гениальное наследие [11]. Однако необходимо упомянуть имя Джузеппе Торелли (1658- 1709), который также стоял у истоков жанра и прямым наследником которого стал Джузеппе Тартини (1692-1770). Торелли, Тартини и Вивальди создали образы барочного сольного концерта. Новатором в этом жанре выступил Иоганн Себастьян Бах, написав свои знаменитые Бранденбургские концерты.

    Основными музыкальными инструментами барокко стал орган в духовной и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили клавесин, щипковые и смычковые струнные, а так же деревянные духовые инструменты: виолы, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас, различные флейты, кларнет, гобой, фагот. В эпоху барокко функции такого распространённого щипкового струнного инструмента, как лютня, были в значительной степени низведены до аккомпанемента бассо континуо, и постепенно она оказалась вытесненной в этой ипостаси клавишными инструментами. Колёсная лира, потерявшая в предыдущую эпоху ренессанса свою популярность и став инструментом нищих и бродяг, получила второе рождение; вплоть до конца XVIII века колёсная лира оставалась модной игрушкой французских аристократов, увлекавшихся сельским бытом.

Глава 2. Иоганн Себастьян Бах  

   Искусство Баха – исключительно цельное явление. Кантор, органист и клавесинист, скрипач и альтист, наставник, «музыкальный-директор», с полной отдачей сил писавший церковную творческой силе, о свободном владении всем музыку, находясь на службе, – он с не менее полной отдачей служил жизни общества и вне церкви.

    Иоганн Себастьян Бах родился 21 марта 1685 года в Эйзенахе (в Тюрингии)  Он был младшим, восьмым ребёнком в семье музыканта Иоганна Амброзиуса Баха и Элизабет Леммерхирт. Предки Баха издавна славились своей музыкальностью. Известно, что прапрадед композитора, булочник по профессии, играл на цитре. Из рода Бахов выходили флейтисты, трубачи, органисты, скрипачи. Оставшись в десять лет круглым сиротой, Бах вос­питывался недолго у старшего брата Иоганна Кристофа в Ордруфе. Здесь начались, по-видимому, систематические занятия музыкой. В ордруфском лицее, куда Бах поступил уже в 1696 году, он продолжал заниматься музыкой под руко­водством тамошнего кантора. Немного позднее начал петь в церковном хоре. В пятнадцать лет Иоганн Себастьян решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. С 1700 по апрель 1703 года Бах учился в Люнебурге. В эти годы он ездил в Гамбург, где проживали известный органист Ян Адам Рейнкен и композитор Кейзер, также он побывал в Целле и там, при дворе герцога Брауншвейгского, слушал в исполнении оркестра модную тогда французскую музыку [12].

    В 1703 года, после окончания учёбы, он получил должность придворного музыканта у веймарского герцога Иоганна Эрнста. Но это место не соответствовало амбициям молодого музыканта. И поэтому когда ему представился шанс продемонстрировать свое мастерство в Арнштадте, где был установлен новый орган, Бах не раздумывая, согласился. Несмотря на свой юный возраст, молодой человек был очень хорошим музыкантом и превосходно владел органом. Тогда же ему было предложено место церковного органиста в Арнштадте, которое он и занял в 1704 году. Также в его обязанности входило руководство школьным хором.

    В 1707 году Бах решает сменить Арнштадт на Мюльхаузен. В это время, по принятому во многих городах тогдашней Германии обычаю, должность органиста замещались конкурсным порядком, причем место получал наиболее отличившийся на музыкальном состязании. Бах показал себя блестяще и заключив с городским советом Мюльхаузена соответствующий договор, он сдал в конце июня свою арнштадтскую должность и осенью того же 1707 года перебрался на место органиста в Мюльхаузен.

    17 октября 1707 года Иоганн Себастьян женился на своей кузине Марии Барбаре из Арнштадта. Впоследствии у них родилось семеро детей, трое из которых умерли в детстве. Двое из выживших — Вильгельм Фридеман и Карл Филипп Эммануил — стали впоследствии известными композиторами.