Музыка эпохи средневековья

    Основными представителями романтизма в музыке являются: в Австрии — Франц Шуберт; в Германии — Эрнест Теодор Гофман, Карл Мария Вебер, Рихард Вагнер, Феликс Мендельсон, Роберт Шуман, Людвиг Шпор; в Италии — Никколо Паганини, Винченцо Беллини, ранний Джузеппе Верди; во Франции — Гектор Берлиоз, Д. Ф. Обер, Дж. Мейербер; в Польше — Фредерик Шопен; в Венгрии — Ференц Лист.

    Людвиг  ван Бетховен свои ранние работы творил в традициях классицизма и  его лучших представителей - Моцарта  и Гайдна, но вскоре стал более смелым и выразительным. Отклонив строгие  формулы для симфоний и сонат, он ввел целое новое направление  музыки, давая в своих работах ссылки на иные аспекты жизни, например, его Пасторальная Симфония описывает сцены из сельской местности.

     
Многие композиторы, пишущие симфонии, отозвались на нововведение Бетховена  двумя способами - некоторые сохранили  формат классической симфонии как структуру для своих собственных идей (Шуберт, Брамс, Дворжак, Чайковский), другие начали создавать симфонии, которые следовали одной основной сюжетной линии или "программе" ("Фантастическая симфония" Берлиоза или "Симфония Фауста" Листа).

    Так же, как и симфонии, симфоническая поэма и описательная увертюра были популярны как самостоятельные части оркестровой музыки, которые описывали произведения живописи или поэзии и пробуждали патриотические чувства ("Les preludes" Листа, "Финляндия" Сибелиуса, увертюра-фантазия "Ромео и Джульетта" Чайковского и "Ночь на лысой горе" Мусорского).

    Романтический период был периодом рождения солистов-виртуозов  как явления, исполнители становились  звездами своих дней. Список виртуозов  воглавляют пианисты Лист и Шопен и скрипач Паганини. Все они были музыкальными бриллиантами эпохи романтизма.

    В Германии значительной частью репертуара музыкантов стал романс - идеальная  форма для романтизма как единство музыки и поэзии. Шуберт и Брамс  создавали очень много романсов. Исполнялись в основном в сопровождении фортепиано.

    Происходит  расцвет итальянской комической оперы – Россини, Беллини, Доницетти. Эпоха кастратов и зарождение консерваторий. Бельканто.

    В середине романтической эпохи взошла звезда Джузеппе Верди, который признан одним из величайших композиторов всех времен. Он перевернул всю итальянскую оперу, представив миру новые сюжеты произведений, часто с социальными, политическими или патриотическими темами, и это в сочетании с прямым и ясным подходом к созданию музыки очень сильно воздействовало на слушателей.

    В Германии реформатором оперы стал Рихард Вагнер, он полностью изменил немецкую оперу. До Вагнера действие и музыка в опере были разбиты на отдельные части или короткие номера, так же, как и в современных музыкальных шоу. Аудитория могла аплодировать между номерами, а исполнители раскланиваться на аплодисменты.

    Оперы Вагнера написаны как длинная, непрерывно текущая музыка. Характеры персонажей и идеи произведения описывают короткие мелодии, названные лейтмотивами. Для музыки Вагнера важно сочетание гармонии. Это похоже на конструирование - главное, как слова ложатся на музыку, а не только рифмуются между собой.

    Идеи  Вагнера повлияли на многие музыкальные  произведения, на крупномасштабные симфонии Брукнера и Малера и оперы Рихарда  Штрауса, и достигли Италии, где Верди  и Пучини начали создавать оперы, используя многие из этих идей.

    Композиторы позднего романтизма стремились к естественности мелодий, вытекающих из интонаций речи. Еще дальше по этому пути пошел К.Дебюсси (1862–1918), чью вокальную мелодику можно назвать нотированной речью. Его опера Пеллеас и Мелисанда (1902) по одноименной пьесе М.Метерлинка явилась опытом слияния музыки и драмы.

    Модернизм.

    Музыка  в период 1910 - 1960 гг.  

    ХХ  век - время, когда технологии изменили мир. Музыка как неотъемлемая часть  человеческой жизни также претерпела глобальные изменения. Композиторы  опрокинули многие музыкальные правила прошлого и нашли новые, смелые темы и новые способы их выражения. 

    Одной из значительных фигур, изменивших музыку в первой половине столетия, был  Арнольд Шёнберг - австрийский, затем американский композитор, дирижёр, музыковед. Возглавляемая им группа музыкантов решила, что тональная музыка (логическое построение соразмерных аккордов) исчерпала себя, и они предложили так называемую атональную музыку и 12-тоновой систему композиции (известную как "додекафония" или "серийная техника").  Такая музыка перестала быть мелодичной и гармоничной, не все композиторы восприняли их идеи.    

    Успешными стали те композиторы, которые сумели найти золотую середину. Рихард Штраус начинал в 1890-ых в романтическом стиле, но стал одним из первых крупных композиторов, перешедших к модернизму. Игорь Стравинский, один из самых успешных композиторов двадцатого века, потрясал и восхищал зрителей на протяжении всей своей 70-летней карьеры своими неистовыми "механическими" ритмами и новым типом гармонии. 
 

    Как никогда прежде, огромное влияние  на музыку оказали политические события  первой половины XX века. Войны, революции, социальные и экономические потрясения встряхнули мир в прошлом веке. Многие композиторы и исполнители были отправлены в нацистские концентрационные лагеря из-за своих убеждений, вероисповедания или национальности, было много ограничений и запретов на музыку, которая создавалась.

    Карл  Орфф «Кармина Буран» Орф наиболее известен как автор сценической кантаты «Carmina Burana», что в переводе значит «Песни Бойерна». (1937). Это первая часть трилогии, которая также включает «Catulli Carmina» и «Trionfo di Afrodite». «Carmina Burana» отражает его интерес к средневековой немецкой поэзии. Все части трилогии вместе называются «Trionfi». Композитор охарактеризовал это произведение как праздник победы человеческого духа через равновесие плотского и вселенского. Музыка написана на стихи, написанными голиардами, из рукописи XIII в., найденной в 1803 году в баварском бенедиктинском монастыре Бойерн

     
Многие композиторы в поисках  вдохновения снова и снова  обращаются к народной музыке. Бела Барток, венгерский композитор, изучал  крестьянский фольклор (венгерский, румынский, словацкий, турецкий и др.) и соединил фольклорный мелос с приёмами музыкального авангарда, став одним из наиболее глубоких и влиятельных новаторов в музыке XX века. Американские композиторы начали привлекать свою собственную родную музыку - джаз, ведущими композиторами в этом направлении были Джордж Гершвин и Дюк Эллингтон.  

    Вторая  мировая война, Холокост, Хиросима убедили  многих послевоенных композиторов, что  они должны были оставить прошлое  позади и находить все более прогрессивные  методы и идеи. Модернизм в музыке был в том, что впервые музыканты и слушатели поняли, что музыка не должна быть ограничена традиционными направлениями, а может быть совершенно различной, и каждая имеет право на существование.  

    постмодернизм.

    Музыка постмодернизма может быть рассмотрена как музыка эпохи постмодерна или музыка, которая следует эстетическим и философским направлениям постмодернизмаОн характеризуется сочетанием различных музыкальных стилей и жанров. Характерно также самокопание и ироничность, желание стереть границы между «высоким искусством» и китчем.

    если  музыка эпохи модерна рассматривалась  как способ выражения, то в эпоху постмодерна музыка скорее является зрелищем, продуктом массового потребления и индикатором групповой идентификации, например знаком, помогающим определить свою принадлежность к той или иной субкультуре.

    В эпоху модернизма создание музыки рассматривалось как отражение внешнего мира, подобно тому, как фотограф фиксировал определенную реальность. Однако с изобретением магнитной пленки в 1930-х годах появилась возможность рассматривать аудиозапись как конечный продукт музыкального творчества. В течение 1950-х годов музыка, в том числе популярная, представлялась как зафиксированное исполнение, даже если конечный результат был достигнут с помощью техники микширования.

    Предтечу  этого процесса можно найти десятилетием раньше. Начиная с конца 1940-х композиторы  академического направления, в частности такие, как Эдгар Варез, Пьер Шеффер, Карлхайнц Штокхаузен и Джон Кейдж, создавали композиции, которые существовали исключительно в виде аудиозаписей, используя многоканальную запись, редактируя или варьируя скорость записи звуков, что означало создание музыки, которая не могла быть сыграна традиционными средствами, но могла существовать лишь как запись.Подобная техника впоследствии пришла и в электронную музыку.

    Возможности аудиозаписи и дальнейшее микширование порождали многочисленные идеи включения в музыкальные произведения разнообразных искусственных звуков, шумов, сэмплов человеческого голоса. Отдельные новаторы, такие как Эдгар Варез, начали экспериментировать с возможностями новых электронных технологий, в частности с синтезаторами и звуковыми петлями. Джон Кейдж использовал магнитные ленты, радио и записи живых исполнителей для использования записанных сэмплов различными способами, что нашло воплощение в таких работах, как «Imaginary Landscape» и «Europera». В области популярной музыки указанные технологии широко использовали Abbey Road, Pink Floyd и представители музыкального стиля «даб», в частности Ли Перри. С появлением цифровых технологий, которые значительно облегчили работу с сэмплами, подобные приемы стали распространенными в хип-хопе и особенно в Bastard pop.

    Цитирование

    Техника использования существующего материала нашла свое отражение и в традиционной инструментальной музыке. Цитирования как ссылки на уже существующие произведения встречались еще у композиторов первой половины 20 века. Например, Рихард Штраус в своих симфонических поэмах и Чарльз Айвз в своих «звуковых путях» использовали цитаты произведений, написанных столетием раньше. Во второй половине 20 века таких примеров становится значительно больше. Например, в 15-й симфонии Д. Шостаковича содержится цитата из «Вильгельма Телля» Дж. Россини и «Кольца Небелунгов» Р. Вагнера. Другим известным примером музыкального коллажа является третья часть симфонии Л. Берио, в котором цитируется «Симфония воскресение» Густава Малера. Сам композитор, правда, отказывается от термина коллаж, мотивируя это тем, что ссылки не являются случайными, а знаковыми в концепции композиционного целого.