Художественная культура Европы в XVII веке

                         ТЕМА: Художественная культура Европы в XVII веке  

1. Формирование  новой картины  мира.

       XVII век занимает особое место в истории Нового времени. Это был полный противоречий и борьбы переходный период, завершивший историю европейского феодализма и положивший начало периоду победы и утверждения капитализма в передовых странах Европы и Америки.

       Элементы капиталистического производства зародились еще в недрах феодального строя. К середине XVII века противоречия между капитализмом и феодализмом приобрели общеевропейский характер. В Нидерландах уже в XVI веке произошла первая победоносная буржуазная революция, в результате которой Голландия стала «образцовой капиталистической страной XVII столетия» (Маркс). Но эта победа капиталистической экономики и буржуазной идеологии имела еще ограниченное, местное значение. В Англии эти противоречия вылились в буржуазную революцию «европейского масштаба» (Маркс). Одновременно с Английской буржуазной революцией происходили революционные движения во Франции, Германии, Италии, Испании, России, Польше и ряде других стран. Однако на европейском континенте феодализм устоял. Еще целое столетие правящие круги этих государств проводят политику феодальной «стабилизации». Почти всюду в Европе сохраняются феодально-абсолютистские монархии, дворянство остается господствующим классом.

       Экономическое и политическое развитие европейских стран протекало неравномерно. В XVII веке крупнейшей колониальной и торговой державой Европы была Голландия. Победоносная буржуазная революция XVI века не только обеспечила успешное развитие капиталистического хозяйства, торговли, но и превратила Голландию в самую свободную страну в Европе — центр передовой буржуазной культуры, прогрессивной печати, книготорговли.

      Однако в конце XVII века Голландия вынуждена была уступить свое место Англии, а затем и Франции — странам, где для торговли имелась более надежная промышленная база. В 18 веке голландская экономика переживает застой и упадок. На первое место в мире выходит Англия. Франция к этому времени стоит на пороге буржуазной революции.

       Абсолютистская Испания — в XVI веке одно из могущественных государств Европы — в XVII веке оказалась в состоянии глубокого экономического и политического упадка. Она остается отсталой феодальной страной. Тяжелый экономический и политический кризис переживает в эту эпоху Италия, с середины XVI века частично утратившая свою национальную независимость.

       Переход от феодализма к капитализму осуществлялся в основном в результате двух буржуазных революций: английской (1640—1660 гг.) и французской (1789—1794 гг.).

       В истории культуры Нового времени XVII век занимает особое положение, хронологически и стадиально располагаясь между эпохой Возрождения (пятнадцатый — начало семнадцатого века) и временем, называемым эпохой Просвещения (вторая половина восемнадцатого — начало девятнадцатого века). Часто именно с семнадцатого века начинают отсчет современной европейской истории. Причина этому — выдающиеся достижения в области естественных и точных наук, которые послужили базой для современной научной картины мира.

       Художественная культура XVII века отражает сложность эпохи, подготовившей победу капиталистического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. Искусство этого столетия воплощает в себе всю сложность этой эпохи. В нём ярко запечатлено столкновение сил реакции и прогресса, упорная борьба лучших людей того времени за высокие человеческие идеалы. 

       По сравнению с эпохой Возрождения искусство XVII века сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками XVII века в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескно-сатирических и комедийных ситуаций.

       В стилевом отношении эпоха характеризуется сочетанием барочной и классицистической традиции. Барокко был архитектурным и скульптурным языком церкви, а классицизм - светской власти. Таким образом, в искусстве была отделена "сфера чувств" от "сферы разума". Классицизм стал стилистическим языком концепции "просвещённого абсолютизма", а барокко сыграло свою роль в реабилитации религиозного переживания. 

2. Противоречивость  мировосприятия эпохи. Культура барокко.

       Ведущим стилем Европы становится барокко, зародившийся в папском Риме. Пережив протестантскую Реформацию, католическая церковь первой попыталась с помощью нового искусства сплотить своих приверженцев и вернуть утраченный авторитет. Вместе с тем помпезные и напыщенные барочные формы как нельзя лучше соответствовали духу абсолютизма, что и предопределило популярность нового стиля. Как и все предыдущие общеевропейские стили, барокко имел свои национальные особенности. При этом местные школы даже превзошли итальянские образцы, например, фламандская и голландская школы живописи, представленные такими именами, как П. Рубенс, А. Ван Дейк, Рембрандт ван Рейн и др.

       Особенности стиля барокко нашли отражение в самом его названии. В Испании «барокко» называли жемчужину причудливой формы. В Италии оно означало затянувшийся, бесплодный спор. В конце концов, почти во всех европейских языках это слово приобрело значение чего-то экстравагантного, неправильного по форме, необычного, абсурдного и неупорядоченного. Действительно, по сравнению с искусством Возрождения, которое отличали умеренность, ясность и простота форм, барокко избыточно, театрально, его главной целью было удивить, увлечь. Это в высшей степени театрализованное искусство. Характерными чертами барокко стали обилие украшений, пристрастие к искривленным линиям и плоскостям, любовь к зрительным эффектам и усложненности, стремление к синтезу различных видов искусств (опера, дворцово-парковые ансамбли, культовая музыка и др.).

       В архитектуре барокко главным стало создание подвижного, постоянного меняющегося в зависимости от точки зрения облика здания. Для достижения этого эффекта архитекторы отказались от простых и логичных архитектурных планов. Так, если планы Возрождения имели в основе квадрат, круг или греческий равносторонний крест, то в основе барочных планов лежали эллипс, овал или иные геометрические фигуры сложной формы.

       Другой чертой архитектуры барокко стали изогнутые фасады, когда плоскость стены, то резко выступала вперед, то сильно западала вглубь. Благодаря волнообразно изогнутым стенам, одинаковые элементы и детали - колонны, пилястры, ниши - стали казаться бесконечно разнообразными, лишая зрителя возможности уловить структуру здания, ощутить реальность пространства и предметных форм.

       Своеобразной визитной карточкой барокко стало обилие декоративных украшений. Это касалось, в первую очередь, мелких лепных или резных элементов фасада. В эпоху барокко они словно взбунтовались: ими заполняли буквально все пространство фасада, особенно углы и места соединения стен. Изменились масштабы построек. Основополагающий принцип классики - соразмерность человеку - был заменен гигантизмом. Порталы церквей, окна, статуи превышали всякие разумные границы, усиливая чувство иррациональности.

       Немало нового появилось во внутреннем убранстве. Особое внимание стали уделять большим парадным лестницам, они становятся зрительным центром здания. Было изобретено немало типов лестниц, включая «императорскую», когда один широкий пролет разделялся на два боковых, которые поворачивались на 180 градусов, чтобы вновь соединиться над входом. Другим изобретением архитекторов стали галереи - широкие крытые коридоры, соединяющие помещения. Первоначально это были просто широкие, богато украшенные коридоры. Но со временем в галереях стали размещать различные ценности (картины, скульптуры), что привело к современному пониманию этого слова как хранилища произведений искусства.

       Именно в интерьере наиболее ярко проявилось свойственное барокко стремление к синтезу архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства. В архитектуру вернулись кариатиды и атланты - женские и мужские скульптурные фигуры, которые использовались для поддержания сводов (особенно часто к этому приему прибегали архитекторы Австрии). Любовь барокко к оптическим эффектам проявилась и в украшении интерьеров зеркалами. Их в больших количествах развешивали на противоположных стенах, тем самым зрительно расширяя внутреннее пространство помещения.

       Для отделки комнат использовали разнообразные материалы: цветные мраморы, золоченую бронзу, дерево дорогих пород. Богатому, нарядному барочному интерьеру соответствовала роскошная мебель - мягкие стулья, кресла, диваны. Их выгнутые ножки, изогнутые спинки, обшивка из цветной шелковой ткани гармонировали по рисунку и расцветке с отделкой комнат. Мебель расставляли вдоль стен. Нередко архитекторы сами проектировали предметы мебели для своих построек. Обязательным украшением дворцовых покоев стали многочисленные произведения искусства - картины, скульптуры, вазы.

       Архитектура барокко также имела местные национальные особенности. Отличительной чертой барокко Испании, Португалии стала пышность декора. Там здания сплошь покрывались замысловатым орнаментом и напоминали ювелирные изделия. Отсюда название этого стиля - «платереск» (серебряная пластина). В Испании его иначе называли «чурригереским» (Чурригера), по имени целой династии испанских архитекторов, внесших огромный вклад в развитие данного стиля. В Австрии и Германии любимым украшением являлись башенки.

       А вот французское барокко было самым строгим и выдержанным. Испанская и итальянская избыточность казалась французам неуместной, ее считали проявлением дурного вкуса. Характерными чертами французского барокко стали менее сложные планы, строгие фасады, чьи детали были решены с оглядкой на классический ордер, отсутствие экстравагантности и потрясающих эффектов. Один из самых совершенных образцов французского барокко - Версальский дворец. Это здание U-образной формы с двумя длинными крыльями, только слегка оживленное низкой аркадой на фасаде. Строгость французского барокко имела свои причины: простые очертания зданий должны были оттенять красоту и изощренность планировки парковых ансамблей.

       Главную славу французскому барокко принесла не архитектура, а устройство парков. До рождения барокко их разбивали по-итальянски. Это были небольшие парки, в которых в геометрическом порядке высаживали кустарники и цветы. Француз Андре Ле Нотр стал основателем нового стиля, получившего название «французский парк».

       Архитекторы барокко не ограничивались созданием только отдельных зданий. В сферу их интересов входили также площади, улицы, парки - все то, что сегодня называют городским планированием. Отличительной чертой городского планирования эпохи барокко стало использование кругов и прямых линий. В городской застройке расчищали несколько круглых площадей, на каждой возводили какое-нибудь доминирующее сооружение - церковь, дворец, фонтан, - а затем соединяли круги между собой прямыми проспектами. Это было пусть не самое лучшее, но остроумное решение. Городское пространство стало красивее, а главное, понятнее.

       В живописи барокко очень ярко проявились национальные различия. Общим же был интерес к свету и световым эффектам. Первые шаги в использовании света сделал Микеланджело Меризи, принявший имя Караваджо, по названию своего родного города. К моменту появления Караваджо художники уже добились реализма в изображении фигур и предметов. Требовалось определить новую цель, этим и занялся Караваджо. Он дал толчок мощному реалистическому направлению в искусстве. Если художники Возрождения отображали мир идеализированно: аристократические фигуры, идиллические пейзажи, то Караваджо впервые реально взглянул на человеческую жизнь с ее взлетами и падениями, славой и грубой действительностью. На его картинах появились изображения крепких крестьян, трактирщиков, игроков в карты. Он одел своих героев в современные одежды, поместил в простую и знакомую зрителям обстановку.

       Караваджо привнес в технику живописи резкую светотень, контрастность, свет на его картинах стал подобен лучу прожектора, выхватывающему чувства на лицах людей. Это позволило ему создавать атмосферу внутренней напряженности, драматизма, большей взволнованности. В то же время накал чувств нередко сочетался с фантастической декоративностью, театральностью поз и жестов.

       Идеи Караваджо подхватили в Испании, Фландрии и Голландии. Здесь сложились великолепные национальные школы, внесшие огромный вклад в развитие изобразительного искусства. Недаром XVII в. называют «золотым веком» европейской живописи.

       В XVII в. нидерландское искусство разделилось на две школы - фламандскую и голландскую, что было связано с разделом страны. Центральной фигурой фламандского искусства XVII в. был Питер Пауль Рубенс. Искусство Рубенса стало типичным выражением стиля барокко. Его живопись энергична и полна динамизма, декоративна и театральна, изобилует плотью и поражает воображение зрителя. Как истинный художник барокко, Рубенс отдавал предпочтение сценам, которые можно было представить в виде динамических композиций. Его картины насыщены бурным движением, везде, где только можно он вводил мотивы схватки, борьбы, погони, напряженных физических усилий. («Персей и Андромеда»). Самый знаменитый из учеников Рубенса Антонис ван Дейк специализировался на портретах и достиг в этом больших успехов. Широкая известность к нему пришла в Англии, куда он уехал, не желая конкурировать с Рубенсом. Лицо фламандской школы XVII в. определяли также и два других ученика Рубенса: Ф. Снейдер и Я. Йорданс.