Женские и детские образы в творчестве художников-импрессионистов

     Острая  наблюдательность и глубокий психологизм  были неизменно присущи работам Эдгара Дега. В таких шедеврах художника, как "Ночное кафе" и "Абсент", прослеживается тема безысходной тоски, отчужденности и одиночества человека в толпе, которые достигают у него поразительной силы.

     Одна  из самых знаменитых и в свое время  спорных работ Дега- «Абсент». Картина изображает пьяную, усталую пару, потягивающую свои напитки в парижском кафе "Новые Афины". В стакане, стоящем перед женщиной, налит абсент, легко узнаваемый по бледно-зеленому цвету. Это был крепкий напиток, очень популярный в то время, но позже запрещенный к производству, поскольку его сочли опасным для здоровья. Моделями для картины стали актриса Элен Андре и художник Марселен Дебутен, друзья Дега. Их фигуры мастерски смещены от центра композиции, что придает картине атмосферу мимолетности. Картина кажется срезом реальной жизни, - на ней мы видим двух совершенно обычных, потерявших надежду людей. Позади сидящей пары находится зеркало, обрезанное в характерной для Дега "фотографической" манере. В нем отражается занавешанное окно, сквозь которое в кафе струится свет серого утра. На переднем плане мы видим положенные для посетителей газеты и стаканчик со спичками. Вдоль края газеты Дега поставил свою подпись.  Рядом с абсентом стоит стакан с напитком, который пьет мужчина. Возможно, это мазагран, холодный черный кофе с сельтерской водой. Обычно этот напиток пили с похмелья, поэтому можно предположить, что изображенная на картине сценка происходит ранним утром.

     Консервативно настроенные критики писали, что  художник должен находить для своих произведений более возвышенные предметы. Выставленная на аукционе в Лондоне в 1892 году, картина была освистана и ушла по низкой цене. В следующем году она была показана на лондонской выставке и удостоилась эпитетов "отвратительная", "тошнотворная", "омерзительная", "уродливая" и "вульгарная".

     Впрочем, некоторые критики оказались  более проницательными. Д.С.Маккол, бывший одним из первых британских авторов, поддержавших импрессионистов, писал, что это "одна из тех неисчерпаемо глубоких картин, которые заставляют нас возвращаться к ним снова и снова".

     Следует отметить, что  при первом взгляде на полотна  Эдгара Дега кажется, что это случайно увиденный, как бы выхваченный кусок реальной действительности. На самом же деле в его картинах всё тщательно продумано и четко выверено. Вот этой абсолютно четкой композицией, а также вниманием к определенности и четкости линий произведения Эдгара Дега отличаются от работ других художников - импрессионистов. Современник и друг художников-импрессионистов, Дега выделялся среди них стилем письма и выбором сюжетов для своих полотен. Работа была смыслом его жизни, и когда художник начал терять зрение, он отошел от мира, сохранив при этом свою репутацию.

     Дега  принял участие в семи из восьми выставок, организованных импрессионистами, и играл ведущую роль во всем их движении. Однако работы самого Дега можно назвать импрессионистскими только в определенном смысле. Его мало интересовал пейзаж, занимавший центральное место в творчестве импрессионистов, и он не стремился, в отличие от своих товарищей, запечатлеть на полотне ускользающую игру света и тени. Можно сказать даже больше, — как художник Дега вырос на традиционной живописи, которая так мало значила для других импрессионистов, например для того же Моне. Общим, как для Дега, так и для остальных импрессионистов, был, пожалуй, только жадный интерес к современной жизни и стремление запечатлеть ее на полотне каким-то новым, необычным способом. Надо сказать, что Дега, как никому другому, удалось наиболее полно передать все разнообразие городской жизни XIX века.

     Ирония  судьбы, но именно в 1890-х, после распада  группы импрессионистов, работы Дега стали  наиболее близки по стилю именно к  импрессионизму. Однако размытые формы и яркие тона, которые он начал использовать в эти годы, были скорее следствием прогрессирующей потери зрения, чем стремлением художника к характерным для импрессионизма цветам и формам. Спонтанность не была присуща художнику, и он сам говорил: «Всему, что я делаю, я научился у старых мастеров. Сам я не знаю ничего ни о вдохновении, ни о стихийности, ни о темпераменте ».

     Подобные  методы предполагают скорее точный расчет, чем свободу и вдохновение, однако они отражают только одну сторону  многогранной творческой натуры Дега, поскольку в творческих поисках  он выступает как один из самых смелых и оригинальных художников своего времени. В начале профессионального пути Дега доказал, что может мастерски писать в традиционной манере маслом по холсту, однако в зрелые годы он широко экспериментировал с различной техникой или с сочетанием материалов. Он чаще рисовал не на полотне, а на картоне и использовал разную технику, например масло и пастель, в рамках одной картины. Возможно, это отчасти связано с прогрессирующей потерей зрения, что затрудняло работу маслом, однако нет ни малейшего сомнения в том, что страсть к эксперименту была у художника в крови — недаром еще в 1879 году один из обозревателей, посетивший выставку импрессионистов, писал, что Дега «без устали ищет новую технику».

     В конечном итоге Дега сумел выработать свой собственный, неповторимый взгляд на окружающий мир. Иногда его называют холодным, бесстрастным наблюдателем, особенно при написании женских портретов, однако Берта Моризо, одна из выдающихся художниц того времени, говорила, что Дега «искренне восхищался человеческими качествами молоденьких продавщиц в магазине». Не многие другие художники так упорно изучали человеческое тело, как Дега. Говорят, что к концу сеанса модели Дега были не только смертельно уставшими от долгого позирования, но и расписанными полосками, которые теряющий зрение художник наносил на их тела как разметку, помогавшую ему точнее определить пропорции.

     Ренуар  однажды заметил, что, «если бы Дега умер в пятьдесят, его запомнили  бы как отличного художника, и  не более того. Однако после пятидесяти его творчество настолько расширилось, что он на самом деле превратился  в Дега». Пожалуй, тут Ренуар не совсем прав. К тому времени, когда Дега исполнилось 30, он уже создавал полотна, вошедшие в сокровищницу мирового искусства. С другой стороны, Ренуар верно подметил, что зрелые работы Дега более индивидуальны, они в самом деле «расширились» по стилю, — это и отличает их в первую очередь от ранних работ художника. Продолжая свято верить в то, что рисунок в живописи является основой основ, Дега при этом начинает меньше заботиться о красоте и четкости контура, выражая себя с помощью разнообразия форм и богатства цвета.

     Образы  моющихся или вытирающихся после  ванны женщин с картин Дега можно  по праву отнести к числу наиболее выразительных и оригинальных изображений  обнаженной натуры во всем искусстве XIX века. Ключ к пониманию новизны этих образов дал сам художник, писавший: «Обнаженные фигуры обычно изображают в позах, заранее рассчитанных на зрителя. Однако я пишу скромных, простых женщин из народа, которые заняты обычным уходом за своим телом… Это все равно, что подсматривать за ними в замочную скважину». Примерами таких работ могут служить «Женщина в ванне», и «Ванна». На последней выставке импрессионистов в 1886 году было представлено десять полотен Дега, описанных как «картины, изображающие моющихся, принимающих ванну, вытирающихся и обсыхающих женщин».

     «Причесывающаяся женщина» входит в серию пастелей, изображающих занятых своим туалетом обнаженных женщин. Это правдивое, ничуть не приукрашенное изображение, поза и жесты женщины естественны и в то же время точны. Она не позирует, ничто не отвлекает её от её занятия. Однако художником запечатлен отнюдь не случайный момент беспрерывного каскада движений. Стремясь схватить движение во взаимодействии всех частей тела – рук, головы, спины ног, - Дега приходит к наивысшему его обобщению. Фигура тесно сдвинута к левому краю листа, за её спиной остается, казалось бы, излишне много свободного пространства. Однако и такая случайная кадрировка, как всегда у Дега, логически оправдана: движения женщины получают  благодаря ей большую собранность и сосредоточенность[ с.248, гос. Эрмитаж].

       «Гладильщицы», одна из самых известных картин Дега, изображающая жизнь прачек. Несколькими годами раньше, во время поездки в Новый Орлеан, Дега писал своему другу, Джеймсу Тиссо, что парижские девушки-прачки с обнаженными руками кажутся ему прекраснее всех чудес, которые он увидел в Америке.

     «Дети на крыльце». На этой картине изображен дом дяди художника, Мишеля Мюссона. Это одна из целого цикла работ, которые были написаны Дега во время поездки в Америку в 1872-1873 годах.

     Дега  никогда не интересовался заказными портретами, написанными ради денег. Хотя среди тех, кто позировал Дега, было немало светских дам, он, в отличие от профессиональных художников-портретистов, не поддавался соблазну изобразить этих женщин во всем великолепии их нарядов. Вместо этого он старался как можно точнее передать характер своей модели, в результате чего многие из позировавших ему женщин уходили от художника, чувствуя себя оскорбленными. После 1870-х годов Дега написал лишь несколько портретов, почти полностью перейдя на пастель. Впрочем, это не помешало ему в 1886 году написать маслом большой портрет мадемуазель Элен Руар, дочери своего друга Анри Руара, - художника, коллекционера и предпринимателя. Элен изображена на фоне некоторых сокровищ из отцовской коллекции. 

       2.3 Пьер Огюст Ренуар

               Первое достоинство всякой картины                        

     – быть праздником для  глаз.

     Э. Делакруа

     Жизнерадостное  восприятие мира, присущее в целом  всему импрессионизму, особенно отчетливо  проявилось в творчестве одного из крупнейших представителей этого направления Огюста Ренуара (1841-1919 гг.), за свою жизнь он написал более 60 картин. В отличие от большинства импрессионистов того времени для него художественный интерес представляли человеческие лица, непринужденные позы людей, а не красоты природного ландшафта.

     Впервые работы Ренуара были выставлены в  Париже в 1864 году, но слава и признание  пришли к нему в 1874 году на первой выставке художников - импрессионистов. С 1877 года у Ренуара было достаточно поклонников, и художник не испытывал нужды ни в чем. Наивысшие достижения Огюста Ренуара связаны с изображением женщин и детей.

     Картины Ренуара кажутся написанными  на едином дыхании, хотя он больше, чем  другие художники-импрессионисты, уделял внимания живописной технике. Он пишет то мелкими, положенными рядом мазочками, то широкими полупрозрачными мазками, перетекающими друг в друга, и тогда сквозь них просвечивает холст, а живопись своей прозрачностью напоминает акварель. Тонко нюансированные лессировки сменяются густыми, плотнозернистыми кусками живописи, причем очень часто эти приемы соседствуют в одной картине. Кажется, что художнику доставляло особое наслаждение разыгрывать эти блестящие красочные гармонии, которые были выражением его темперамента.

     Художник  обладал удивительной способностью замечать в жизни ее лучшие стороны. Он хотел видеть и видел приятные и здоровые лица. Молоденькие женщины, девушки, дети стали для Ренуара воплощением радости бытия, его квинтэссенцией. В сознании художника существовал свой тип женской красоты, свой идеал. Он не был условен, не был и холоден. Он видоизменялся при каждом ином соприкосновении с жизнью, хотя и оставался постоянным, специфически ренуаровским. «Женщина Ренуара! Этот возглас всегда срывается с губ, когда стоишь перед портретами тех, кто обязан художнику своей жизнью в искусстве, - пишет Г. Жеффруа,  - у каждой в глазах и на устах трепещет нечто странное и бессознательное, как бывает, когда женщина смотрит обновленным взглядом на окружающее, когда улыбаются ее губы, жаждущие поцелуя или готовые спеть песню. Взгляд, одновременно нежный и острый, скользит между ресниц... Характерной чертой ренуаровской женщины являются маленький прелестный и упрямый лоб и несколько тяжелый, чувственный подбородок. В портретах Ренуара, даже в тех, в которых он дальше всего отстоит от непосредственного наблюдения, он находит эти нравящиеся ему детали, он видит в них живые проявления женственности».

     Одной из самых известных картин художника является - портрет «Мадам Шерпантье со своими детьми» (Приложение 1), в композицию которого включен великолепный натюрморт на столе, огромный сенбернар, лежащий на полу, сама хозяйка в модном платье и дети в легких девичьих нарядах; наибольшее очарование вызывают двое маленьких детей мадам Шерпантье: мальчик Поль с длинными белокурыми вьющимися волосами, очень похожий на девочку (долгое время критики, говоря об этой картине, считали Поля девочкой), сидит на диване рядом с матерью. Он смотрит на свою старшую сестру Жоржетту, которая расположилась на спине огромной собаки. Дети, похожие друг на друга, в одинаковых голубых с белыми кружевами платьицах, в белых носках и изящных туфельках, написаны Ренуаром с неподдельным восхищением их прелестью и чистотой. Так, соединяя строгую выверенность композиции, гладкое и тщательное живописное решение центральной фигуры мадам Шерпантье с легкостью и свободой письма двух очаровательных ребятишек, Ренуар создал портрет, который принес ему общественный успех, некоторый материальный достаток, новые знакомства и новые заказы.

     На  выставке 1877 года - третьей выставке импрессионистов - Ренуар показал в числе двадцати двух картин «Портрет Анриетт Анрио»  и «Портрет Жанны Самари». Обе изображенные - актрисы, которых художник писал неоднократно. Подвижный бело-голубой фон как бы материализуется в фигуре Анриетт Анрио, возникающей, подобно видению, из бело-голубой пены. Постепенно формы уплотняются, очертания становятся отчетливее, и перед зрителем возникает лицо с карими глазами, темными дугами бровей и обрамляющими его рыже-каштановыми волосами. Контрасты трепетных, как бы растворяющихся друг в друге и четких, ложащихся по форме мазков одновременно и передают движение и останавливают его.