Поп-арт в американском искусстве

В конце 50-х появились  первые так называемые «переводные  рисунки»: коллажи фото из газет  и рекламных плакатов, которые  Раушенберг переводил на белый лист в зеркальном отражении. В замысел Раушенберга входило столкновение тривиальных, известных символов с художественными элементами картин. Первый большой трафарет, в котором скомбинированы символы американской жизни (например, парашютист, орел, Джон Кеннеди), он создал в начале 60-х. Одновременно Раушенберг (считавший себя художником-универсалом) экспериментировал с электроникой («Черный рынок», 1961) и занимался оформлением представлений.

В шестидесятые годы Раушенберг стал устраивать перфомансы. Он стремился выразить ложность и многослойность существования современного индустриального общества.

Прорыв художника  на международный уровень произошел  в 1964: Раушенберг стал обладателем главного приза на биеннале в Венеции. Правда, такое решение жюри вызвало бурную реакцию. Ватикан высказался об «упадке культуры»; и все же присуждение первого места представителю поп-арта окончательно утвердило официальное признание этого направления. Это признание выгодно сказалось и на доходах Раушенберга: цены на его работы подскочили в несколько раз.

В 1966 Раушенберг совместно с инженером Билли Клювером основал общественное учреждение, в котором хотел объединить науку и искусство. Появившиеся вслед за этим работы художника отмечены влиянием технического направления  среди них можно назвать так называемые револьверы, работы с вращающимися плексигласовыми стеклами.

В 1969 Раушенберг по приглашению НАСА посетил Центр космических исследований Кеннеди и создал после этого обширную серию из тридцати трех литографий под общим названием «Окаменевшая Луна».

В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением частого использования фотографического материала в коллажах и воплощением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.

Рой Лихтенште́йн (Roy Fox Lichtenstein; 27 октября 1923 – 29 сентября 1997) родился Нью-Йорке. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил свое среднее образование. После Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка в Огайо для обучения в местном университете, в котором читались курсы по искусству. После окончания университета он оставался там преподавать. В 1949 г. Лихтенштейн получил степень Магистра Изящных на факультете Университета штата Огайо. В 1951 состоялась его первая персональная выставка в галерее «Carlebach» в Нью-Йорке. В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма. В 1957 году он переехал обратно в Нью-Йорк и вернулся к преподавательской деятельности. В 1960 году он начал преподавать в университете Ратгерс, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото-поп-арта. В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати.

Успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся  ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя  трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма.

Р. Лихтенштейн –  это один из весёлых художников. Для своих сюжетов он использует картинки комиксов. Как и предположение, вырванное из контекста, эти картинки кажутся не особенно умными, но в  них художник говорит о любви, человеческих отношениях.

Джа́спер Джонс (англ. Jasper Johns, род. 15 мая 1930) вырос в городке Аллендэйл (Южная Каролина) и, описывая этот период своей жизни, он сказал: «В месте, где я вырос, не было художников и искусства, я, действительно, не знал, что это такое». Джонс некоторое время учился живописи в университете Южной Каролины, затем он переехал в Нью-Йорк, где познакомился с Робертом Раушенбергом, от которого воспринял передовые идеи в современном искусстве. Работая вместе, они осваивали арт-сцену и развивали свои идеи в искусстве. На Джаспера Джонса также оказали влияние идеи Марселя Дюшана. «Велосипедное колесо» и другие редимейды Дюшана стали источником вдохновения для серии предметов, отлитых в бронзе, которую художник создал в конце 1950-х — начале 1960-х годов.

Д. Джонс – один из первых художников, использовавший в картине государственный символ – флаг (работа «Флаг»). На ней точно  изображён флаг США и только. Позже  создал работу «Три флага» – флага  США, размещенные один наД другим.

Джеймс Розенквист (англ. James Rosenquist; род. 29 ноября 1933) — американский современный художник, один из крупнейших представителей поп-арта. С 1948 обучается в Школе искусств Миннеаполиса. В 1952-54 годах изучал искусство в университете Миннесоты. В 1955 переезжает в Нью-Йорк; получает здесь стипендию Студенческой лиги искусств, знакомится с Робертом Индианой, Джаспером Джонсом, Элсвортом Келли и Робертом Раушенбергом. В 1957-60 годы работает художником по рекламе. С 1960 начинает создавать на основе рекламных плакатов крупноформатные полотна в стиле «поп-арт». В 1962 году состоялась первая персональная выставка в нью-йоркской Зелёной галерее (Green Gallery), привлекшая большое внимание общественности и прессы. 1965 – начало международной известности художника, после создания полотна «F-111».

Работы Дж. Розенквиста, как правило, представляют собой соединение разорванных, созданных в различных пропорциях изображений, которые мастер умело комбинирует и противопоставляет, создавая при этом смысловые композиции, зачастую воспринимаемые абстрактным или провоцирующим образом. Кроме произведений живописи, мастер работает в области коллажа, графики и рисунка. Работы Дж. Розенквиста оказали существенное влияние на творчество ряда художников последующих поколений.

Том Вессельман (англ.Tom Wesselmann; род. 23 февраля 1931 – 17 декабря 2004 г.) – американский художник и график. В 1948—1951 годах учился в колледже Хирам, в одноимённом городке штата Огайо, затем, с 1951 года изучал психологию в университете Цинциннати. Во время Корейской войны служил в армии (в 1954-54 годах), в это время начал рисовать комиксы. Демобилизовавшись, поступает в Академию искусств Цинциннати, в 1956—1959 продолжает обучение в нью-йоркской Школе искусств и архитектуры Купер-Юнион. Первая персональная выставка состоялась в 1961 году в галерее Тенеджер, Нью-Йорк.

Т. Вессельман в начале своей творческой карьеры увлекается экспрессионизмом, затем пишет свои картины в стиле поп-арт, став одним из крупнейших представителей этого направления. Образы для своих работ (в основном это обнажённое женское тело) черпает в рекламных материалах: в постерах, проспектах, плакатах, кинематографе. Начиная с 1983 года, он работал по металлу, вырезая свои рисунки на металлических плитах лазерным лучом.

Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg) – американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). В 1946—1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он обратился к объектам. Наиболее характерный приём Олденбурга – скульптурное изображение небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, зачастую причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Носившие когда-то провокационный характер, сегодня произведения Олденбурга прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж. Их активно интегрируют в городскую среду. Так, вход в рекламное агентство «ChiatDay» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой. На противоположной стороне площади находится другой конец нитки, с узелком.

Энди Уорхол (англ. Andy Warhol, (6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт движения и современного искусства в целом. В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.

Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Стропковском районе северо-восточной Словакии. Он изучал промышленный дизайн в Институте технологии в Питтсбурге. После завершения обучения он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру: иллюстрировал журналы, работал в рекламе. Он стал хорошо известен эксцентричными чернильными рисунками обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.

В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. В1963 году он выставил свою работу под названием «Тридцать лучше чем одна». На одной черно – белой шелкографии было размещено 30 репродукций Джоконды. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в «кислотной» манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзэдуна.

Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Большинство его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Эди Седжвик. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол продюсирует первую альтернативную рок-группу — The Velvet Underground. Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы The Rolling Stones. Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодёжи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — 3 июня 1968 года выстрелила в «учителя», тяжело ранив его в живот. Несмотря на то, что жизнь Уорхола удалось спасти, в течение последующих лет он оставался инвалидом, а в 1987 года умер от последствий этого ранения. Во многом именно благодаря Эндри Уорхолу поп-арт получил широкое распространение во многих странах мира.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Американский поп-арт  родился как отрицание абстрактного экспрессионизма. В 1951 году была издана антология дадаизма, вызвавшая к  себе сильный интерес художников. Методы Дада – коллаж, комбинирование реальных объектов на холсте, а также «реди-мейд» Дюшана стали точкой отсчета в дальнейшем «опредмечивании» живописи и уничтожении границ между искусством и реальностью. Основоположники поп-арта создавали так называемые «комбинированные картины», сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма.

Художники поп-арта выражали типичные постмодернистские идеи: отсутствие личностного начала в творчестве, сведение произведения к простой  комбинации готовых элементов. Таким  образом, они пытались работать «в прорыве  между жизнью и искусством».

Советский профессор  эстетики Ю.Борев пишет: «Как художественное направление поп-арт закрепляет давно наметившуюся в искусстве оппозицию: массовое — народное. Поп-арт — художественное удовлетворение и реализация «тоски по предметности», порожденной долгим господством в западном искусстве абстракционизма. Абстракционистскому отказу от реальности поп-арт противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Теоретики поп-арта утверждают, что каждый предмет в определенном контексте превращается в произведение искусства, теряет свое первоначальное значение и приобретает художественные качества…»

С поп-артом в музейные и выставочные залы хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой культуры» низшего разбора,- рекламные плакаты и этикетки, муляжи и манекены, увеличенные репродукции и комиксы, кроме того, наборы любых предметов, попавшихся под руку, – одеяла и консервные банки, разбитые часы и раскрашенные чучела. После господства абстракции искусство перестало чуждаться жизни и злободневности, привлекалось все, что может возбудить интерес, – атомная бомба и массовые психозы, портреты политических деятелей и кинозвезд, политика наравне с эротикой.

Поп-арт нужно принимать  как реальность и отдать должное  изобретательности создателям произведений этого направления современного искусства, ведь для создания конструкций  использовались новые достижения науки  и техники. Искусство поп-арта тесно  переплеталось с искусством торговой рекламы, ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама  броско и навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники, пылесосы, фены, сосиски, мороженое, торты, манекены…

Основные идеи поп-арта были взяты на вооружение промышленных и интерьерных дизайнеров, художников и декораторов. Поп-арт затронул не только изобразительное искусство, но и дизайн предметной среды, окружающей человека. Обтекаемые формы и «кислотные»  цвета, кричащая расцветка, абстрактный  рисунок, глянцевые поверхности  и, конечно же, пластик, изобретенный в годы этого стиля, – таковы признаки поп-арта в дизайне мебели. Появилась  мебель в виде женских тел, персонажей из фильмов, предметов быта. Предметы интерьера также стали делать в виде заимствованного образа, взятого  из повседневной жизни или с экрана телевизора (например, детские лампы  в виде персонажей мультфильмов). Футболки с изображениями комиксов, знаменитостей  и предметов быта – все это  наследие поп-арта 60-х годов. Позже  чистый поп-арт тесно переплелся с рекламным бизнесом и угас, став частью массовой культуры, но отголоски  его ощущаются и сегодня.