Искусство Японии

четырех свитков  известное эмакимо-но “Тёдзю гига” — сцены из жизни животных,

в том числе  животных, подражающих людям. Это  эмакимоно написано тушью.

Выдающимся по экспрессивности и технике исполнения является относящееся к

XIII веку эмакимоно  “Ямай-но соси”, изображающее  людей, пораженных различными

болезнями. Рисунки  на этих свитках проникнуты своеобразным юмором. Известно

историческое  эмакимоно “Повесть о монгольском  нашествии. В период Муромати

(1392—1578) соотношение  между буддийской живописью, живописью  в японском

стиле и монохромной живописью решительно сдвигается в пользу последней. Но с

течением времени  в ней появляются контурные линии. В буддийской живописи

также появляются новые формы. Например. выдающийся мастер монохромной

живописи Као  Нин-га писал сильными, грубыми мазками. Стиль известного

художника Минтё, писавшего свитки на буддийские темы, представляет собой

нечто среднее  между традиционной буддийской живописью  и монохромной

живописью.

Величайшим художником периода Муромати является Сэссю (1420—1506), который

создал свой собственный стиль. Ему принадлежит выдающееся произведение

японской живописи “Длинный пейзажный свиток”, датированное 1486 г., имеющее в

длину 17 м при  ширине 4 м. На свитке изображены четыре времени года. Сэссю

был отличный портретист, о чем свидетельствует написанный им портрет Масуда

Канэтака.

В последние  десятилетия периода Муромати происходит процесс интенсивной

профессионализации  живописи. В начале XVI века возникает  знаменитая школа

Кано, основанная Кано Масанобу (1434—1530), который заложил  основы

декоративного направления в живописи. Одним  из ранних произведений жанровой

живописи школы  Кано является роспись художником Хидэёри  ширмы на тему

“Любование  кленами в Такао”.

С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись, картины на

складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы аристократов, дома

горожан, монастыри  и храмы. Развивается стиль декоративных панно — да-ми-э.

Такие панно  писали сочными красками на золотой  фольге.

Признаком высокого уровня развития живописи является существование в конце

XVI века ряда  живописных школ, в том числе  Кано, Тоса, Ункоку. Сога,

Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в  этот период, принадлежат не

только известным  живописцам, но и оставшимся безвестными  мастерам.

В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но их место

занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э, школы Маруяма-

Сидзе, Нанга, европейской  живописи, а также школа, ратовавшая за возрождение

в живописи стиля  ямато-э, т. е. старого японского стиля.

Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось в Японии

практически до XIX века) становятся наряду с древними городами Нара и Киото

новая столица  Эдо (современный Токио), Осака, Нагасаки и др. Расцвет

специфической городской культуры и сопутствующих видов искусства определил

основное направление  развития японского искусства в XVII—XIX веках. При этом

подверглись изменению  как формы “бытования” искусства, так и его общественная

функция. Например, в архитектуре утратило свою ведущую роль культовое

зодчество, зато была создана четкая отработанная форма  жилого дома, имеющая

не только практический, но и несомненный художественный смысл. Соответственно

в живописи возросла роль декоративных интерьеров, росписей. Высочайшего

уровня достигла также гравюра на дереве, ставшая в XVIII—XIX веках главных

видом японского  искусства.

Вообще искусство  эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется  особым демократизмом

(потребителями  его являются самые широкие  круги горожан — третьего сословия)

и сочетанием художественного и функционального. Примером такого сочетания

является живопись на ширмах. Ширма — вещь, имеющая  точное функциональное

назначение в  интерьере японского жилища, предмет  быта. Одновременно это —

картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус жилища,

предмет эстетического  созерцания. Именно на парных ширмах написаны “Красные и

белые цветы  сливы” — самое значительное и  знаменитое из сохранившихся

произведений  великого художника Огата Корина (1658—1716), шедевр, по праву

причисляемый к лучшим созданиям не только японской, но и мировой живописи.

Одним из наиболее популярных жанров японской мелкой пластики были нэцкэ.

Происхождение их чисто практическое: поскольку  традиционная одежда японцев не

знает карманов, все необходимые мелкие предметы прикреплялись к поясу с

помощью небольших  брелоков — нэцкэ. Вместе с тем, сохранив свое

функциональное  назначение, нэцкэ превратились в  силу непреходящих

эстетических  потребностей народа в разновидность  тонкой миниатюрной

скульптуры.

В нэцке преломился художественный канон средневековья в сочетании с

ренесеансной  раскованностью искусств в эпоху  Эдо. Эти произведения

миниатюрной пластики как бы сфокусировали в себе тысячелетия  пластического

опыта Японии: от диковатых догу Дзёмона, ханива Поздних  Курганов до

канонической  культуры средневековья, каменных будд и живого дерева Энку. Из

классического наследия заимствовали мастера нэцкэ  богатство экспрессии,

чувство меры, завершенность  и точность композиции, совершенство деталей.

Материал для  нэцкэ был самым различным: дерево, слоновая кость, металл,

янтарь, лак, фарфор. Над каждой вещью (как правило, не более 10 см в высоту)

мастер трудился иногда целые годы. Тематика их варьировалась  безгранично:

изображения людей, животных, богов, исторических лиц, персонажей народных,

поверий. Расцвет  того чисто городского вида прикладного  искусства приходится

на вторую половину XVIII века.

Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое время, в

прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через гравюру впервые

познакомились с феноменом японского искусства. Между тем в самой Японии

гравюру на дереве первоначально вообще не считали  искусством, таким, как

живопись на ширмах или на свитках. Возникшая  на стыке искусства и ремесла,

японская гравюра действительно имела все признаки массовой культуры — тираж,

доступность, дешевизну. Не случайно ее так и назвали —  “укиё-э” (слово “укиё”

означает в  переводе темное, мирское, обиходное”). Мастера укиё-э добивались

максимальной  простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в их

воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из повседневной

жизни города и  его обитателей: торговцев, артистов, гейш.

Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый  ряд первоклассных

мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры связан с именем Хисикава

Моронобу (1618—1694). Первым мастерам многоцветной гравюры  был Судзуки

Харунобу, творивший  в середине XVIII века. Главные мотивы его творчества —

лирические сцены  с преимущественным вниманием не к действию, а к передаче

чувств и настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему изысканному

искусству эпохи  Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской среде

своеобразный  культ утонченной женской красоты, с той только разницей, что

вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр стали изящные гейши из

увеселительных  кварталов Эдо. Художник Утамаро (1753—1806) представляет

собой, может  бьть, уникальный в истории мировой  живописи пример мастера,

безраздельно  посвятившего свое творчество изображению женщин — в разных

жизненных обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших

его работ —  “Гейша Осама” находится в Москве, в Музее изобразительных

искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко  передано художником единство

жеста и настроения, освещения и выражения лица.

Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве Кацусика Хокусая

(17СО—1849). Ему  свойственны неизвестные ранее  в японском искусстве полнота

охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам — от случайной уличной сцены до

величественных  явлений природы. Творческая судьба Хокусая необычна.

Плодовитейший мастер, — ему принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и рисунков,

более 500 иллюстрированных книг, — он обрел творческую индивидуальность лишь

в преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество знаний,

навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в  видении мира и человека. В

возрасте 70 лет  Хокусай создает свою самую знаменитую серию гравюр “36 видов

Фудзи”, за нею  последовали серии “Мосты”, “Большие цветы”, “Путешествия по

водопадам страны”, альбом “100 видов Фудзи”. Каждая гравюра  — ценный памятник

живописного искусства, а серии в целом дают глубокую, своеобразную концепцию

бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в лучшем смысле слова,

т. е. укорененную в тысячелетней истории японского художественного мышления,

и совершенно новаторскую, временами дерзкую, по средствам  исполнения.

“36 видов Фудзи”, представляющие священную гору японцев  в разные времена года

и суток, при  разном освещении, из различных мест страны — издалека, вблизи, с

моря, сквозь заросли  бамбука, явились по существу первым в японском искусстве

образом родины, одновременно конкретным и обобщенно-символическим. Творчество

Хокусая достойно связывает многовековые художественные традиции Японии с

современными  установками художественного творчества и его восприятия.

Блистательно  возродив пейзажный жанр, давший в  средние века такие шедевры,

как “Зимний  пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел  его из канона средневековья прямо  в

художественную  практику XIX—XX веков, оказав и оказывая влияние не только на

французских импрессионистов  и постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена,

Матисса), но и  на русских художников “Мира искусства” и другие, уже

современные нам  школы.