Стиль рококо в искусстве 18 века

Стиль рококо в искусстве 18 века

(франц. rococo), рокайль  (от орнаментального мотива рокайль)

Рококо характеризуется  манерной роскошью оформления помещений  и мебели, дробностью и вычурностью  форм, криволинейностью и изломанностью  линий, хрупкой декоративностью, обилием позолоты. В оформлении помещений ордер не употреблялся. Стенные панно, плафонные розетки, рамы многочисленных зеркал оформлялись мелким орнаментом, напоминающим раковины, морские волны и камни, лист аканта, вплетались китайские мотивы.  
 
На смену мажорным, интенсивным цветам "стиля Людовика XIV" приходят приглушенные, бледные тона жемчужно-серого, голубоватого, цвета крабового мяса, бледно-охристого и др. Применялось много золота и серебра. 
 
Атмосфера придворных интриг, любовных похождений, балетно-маскарадных празднеств родила так называемый галантный стиль. Это времена мадам де Пампадур, фаворитки короля Людовика XV, который выразительно сказал: "После нас хоть потоп". Яркими представителями рококо в живописи были Франсуа Буше, Антуан Ватто, Ж.Б. Фрагонар. Черты рококо можно найти в живописи Томаса Гейнсборо. В музыке рококо было присуще творчеству композиторов Куперена и Рамо.  

Первые изменения в убранстве интерьеров наметились уже в эпоху Людовика XIV. В комнатах, оформленных для этого короля в Версальском дворце после 1684 года, - наряду с величественными апартаментами, служившими для официальных ритуалов, - многоцветный мрамор и золоченая бронза архитектурного декора уступили место обшивке стен панелями, расписными или золочеными бордюрами, а сами комнаты стали меньше. С начала XVII века эти новые тенденции ускоренно развиваются во внутреннем оформлении фешенебельных городских домов, строившихся в ту пору в Париже; легкие панели с золочеными бордюрами и зеркала, оставляя свободными, небольшие пространства для живописных композиций, сменили тяжелые колонны и монументальные полотна прошлого века.

Около 1720 года декоративные формы интерьеров начинают приобретать  все более прихотливые, волнистые  очертания, важное место в них  отводиться рокайлью. Благодаря ведущим декораторам и орнаменталистам - таким как Жиль-Мари Оппенор, Никола Пино и, позднее, Жюль-Орель Мейссонье - этот причудливый стиль сменил более «высокую» манеру Пьера Лепотра с ее строгой элегантностью. Мотиву гротеска, заново введенному Берэном и переработанному в новый тип орнамента - арабеск, поэтическая фантазия Клода Одрана II (1658-1734) предала невиданное разнообразие и воздушную легкость. Более других расцвету стиля рококо при оформлении французских интерьеров способствовал архитектор Жермен Бофран (1667-1754), создатель лучшего образца раннего рококо в Париже - помещений в Отель-де-Субиз. 
 
Стиль, получивший развитие в европейских пластических искусствах 1-й пол. 18 в. Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры. В архитектуре повлиял главным образом на характер декора, приобретшего манерно-утончённый, подчёркнуто изящный и усложнённый вид. В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725—50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюдепорты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (арх. Ж. М. Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Ж. Бофран и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы (Германии (Г. В. Кнобельсдорф, И. Б. Нёиман, отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехословакии), стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко. 
   Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в т. ч. из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Богатая тонкими переливами и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись (на её стилистические особенности во многом повлияла декоративная изысканность произведений А. Ватто, эстетическое содержание творчества которого, однако, далеко выходит за идейные и художественные рамки рококо) также имела преимущественно декоративный характер (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше, отчасти Ж. О. Фрагонар). Прихотливое изящество отделки, нередко сочетающееся с заимствованием экзотических мотивов китайского искусства, свойственно произведениям декоративно-прикладного искусства рококо, мастера которого умели тонко выявить выразительные возможности материала. 
   С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется классицизмом. В России веяния рококо, особенно сильные в середине 18 в., проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных В. В. Растрелли), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

РОКОКО (или  рокайль – от названия орнаментального  мотива) - стилистическое направление  европейского искусства первой половины и середины 18 века, получившее распространение  во Франции, Германии, Австрии и других странах. Развивалось главным образом в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве и отчасти в изобразительном искусстве. Впервые проявился во Франции, получил свое название от характерного для данного стиля орнамента рокайль.

Рокайль (от фр. rok –скала, утес) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале 18 века, при украшении парковых павильонов – гротов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль”. В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.

Утонченное  аристократичное искусство рококо возникло во Франции в период кризиса абсолютизма. Характерные для художественной культуры 17 века монументальные формы барокко в искусстве рококо утрачивают свой масштаб, трансформируясь в манерную, вычурную декоративность, носящую причудливый, поверхностно-орнаментальный характер.

В ранний период рококо во Франции (примерно до 1725 года) существовал так называемый “стиль регентства”, проявившийся, главным  образом, в декоре интерьеров. Изогнутые  поверхности и плавные линии  предметов обстановки, дробный линейный орнамент в отделке стен и потолков – характерные черты стиля.

Для рококо в  живописи, скульптуре и графике характерен уход в область “чистого искусства”. Преобладают салонно-эротические, мифологические и пасторальные сюжеты. Для этого  стиля характерна камерность и утонченная декоративность художественных решений. Живопись рококо – станковые картины, панно, росписи – отличается дробностью и ассиметричностью композиции. Обилием декоративных аксессуаров и деталей, изысканным сочетанием светлых красок и тонов.

Скульптура рококо представлена преимущественно декоративными рельефами и статуями, небольшими статуэтками бюстами. Отличается изящностью.

В целом для  стиля рококо характерны отказ от прямых линий, ордерной системы, светлые  тона, воздушная легкость, изысканность и причудливость форм. В архитектуре пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной строгостью внешнего облика здания. С 1760х годов на смену рококо, как ведущему стилистическому направлению, приходит классицизм в историческом контексте смены распадающейся аристократической культуры идеями просветительства.

Изобразительному  искусству XVШ столетия в лучших произведениях  свойственны анализ тончайших переживаний  человека, воспроизведение нюансов  чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты искусства XVШ в. как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом XVШ столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Пуссена.

С началом нового, XVШ столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 г. "короля-солнца", последнее десятилетие лишь формально сохранившего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.

Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета  совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть насладиться всем была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, надвигающихся грозных бедствий.

Многое меняется в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений >искусства, а двор - единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы.

В первой половине XVШ в., когда так активно вытеснялась  религиозная культура светской, ведущим  направлением во Франции стало рококо. Многие исследователи считают рококо лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим монументальность великого стиля. Тем не менее, очевидно, что рококо во Франции в первой половине "галантного века" складывается в определенную стилевую систему, от части продолжающую черты, унаследованные от барокко, но еще более их видоизменяющую. Рококо - порождение исключительно светской культуры, еще уже - двора, французской аристократии, тем не менее, оно сумело не только оставить след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее ее развитие. Мир миниатюрных форм нашел свое главное выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре преимущественно в интерьере, где важным теперь было не пышное и величавое, а приятное и удобное. Городские дворцы знати, богатой буржуазии, - "отели", сооружаемые в этот период, как правило, строго классицстичны по экстерьеру. Внутри же стены разбиты филенками, нишами, обильно украшены живописью, лепниной, позолотой, мелкой пластикой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами. Все это вместе составляет праздничное, действительно феерическое зрелище. Формы дробные, ажурные, орнамент сложный, построенный на изогнутых линиях, краски живописных панно или станковых картин прозрачные, светлые. Все искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства игривое насмешливое, вычурное. Не случайно термин "рококо" возводят к слову "раковина", "рокайль". Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры. Новые веяния проникли в Академию. Аллегории, темы исторические, мифологические, жанровые - все это темы любви. Портрет и пейзаж - не случайно очень важные в эту эпоху жанры. За легкомыслием, остроумием и насмешливой иронией рококо были и раздумья о судьбе человека, о смысле существования. Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому, что оно дало новые грани, новое развитие выразительным средствам искусства.

Предвестием этого  направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений "Паломничество на остров Цитеру". В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая, прежде всего, создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник.

Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу - это вывеска антикварной лавки, которая так и называется "Лавка Жерсена". В ней он, возможно, хотел показать, как быстротечна "слава мира", как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство.

Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в  его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере. Буше был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам от панно для отелей до эскизов на костюмах. И все это - галантные празднества, пастушеские идиллии, мифологические, жанровые, религиозные темы - разыграно, как современная ему пастораль, все выражает откровенно-чувственное наслаждение жизнью, во всем царствует бело-розовая героиня - богиня Флора. Типичные сюжеты - "Триумф Венеры" или "Туалет Венеры", "Купанье Дианы и т.д.

Уже, будучи знаменитым художником, Буше становится объектом жесточайших нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, видевшего в нем яркое порождение всего, с чем боролись просветители, но не отказывающего ему в высоком профессионализме.

Стиль рококо в архитектуре

Архитектура стиля рококо

Чрезмерная  утонченность архитектурного языка  в интерьерах стиля рококо XVIII в. и освобождение мысли от религиозных  пут в эпоху Просвещения заставляли архитекторов, осознающих весьма неустойчивый характер своего времени, искать истинный стиль в точной оценке античности. Они стремились не просто копировать древних, но овладеть принципами, на которых основывалось античное искусство. Археологические исследования, вызванные этим интересом к древности, поставили перед архитекторами главный вопрос: в какой из четырех культур Средиземноморья — египетской, этрусской, греческой или римской — следует искать образцы истинного стиля? 
Одним из первых последствий изменения подхода к античному наследству стало расширение границ исследований, чтобы за пределами Рима изучить те культуры, на традициях которых, как указывал Витрувий, базировалась римская архитектура. Открытие и раскопки римских городов Геркуланума и Помпеи в первой половине XVIII в. вдохновили новые экспедиции. Вскоре были исследованы и древние города на Сицилии и в Греции. Воспринятые через посредство Ренессанса заповеди Витрувия — катехизис классицизма — были проверены на основе результатов раскопок. Опубликованные в 1750 - 1760 гг. труды, такие, как «Руины самых прекрасных памятников Греции» Ж. Д. Леруа (1758), «Афинские древности» Джеймса Стюарта и Николаса Реветта (1762) и описание дворца Диоклетиана в Сплите, составленное Робертом Адамом и К. Д. Клериссо в 1764 г., свидетельствуют об интенсивности, с которой проводились эти исследования. Леруа в качестве образца «истинного стиля» предложил греческую архитектуру, что вызвало шовинистический гнев итальянского архитектора и гравера Джованни Баттиста Пира-нези.

Архитектура рококо во Франции

Подобная «прозрачная» конструкция была реализована Жаком  Жерменом Суффло в церкви св. Женевьевы  в Париже, начатой в 1755 г. Суффло, в 1750 г. один из первых посетивший дорические храмы в Пестуме, решился воссоздать присущие готической архитектуре ощущения света, пространства и пропорций в классических (если не романских) формах. С этой целью он воспользовался планом в виде греческого креста, неф и приделы которого были оформлены, как система плоских сводов и полуциркульных арок, опирающихся на ряды колонн в интерьере. 
Задача внедрения теории Кордемуа и великого главного дела Суффло в академические французские традиции легла на Ж. Ф. Блонделя, который, открыв в 1743 г. собственную архитектурную школу, стал наставником так называемого «мечтательного» поколения архитекторов, к которому относятся Этьен Луи Булле, Жак Гондуэн, Пьер Патт, Мари Жо-зеф Пейр, Жан Батист Рондель и, возможно, наиболее фантастически настроенный Клод Никола Леду. Блондель изложил основные принципы, касающиеся композиции, типа и характера, в «Курсе архитектуры», публиковавшемся с 1750 по 1770 гг. Его представления об идеально спроектированной церкви, высказанные во втором томе «Курса», были связаны с церковью св. Женевьевы: репрезентативный фасад и артикуляция каждого внутреннего элемента как части пространственной системы, бесконечные перспективы которой внушали чувство возвышенного. Этот проект отражал простоту и великолепие, которыми отличались позже работы многих учеников Блонделя, в частности, наиболее знаменитого из них Булле, после 1772 г. посвятившего свою жизнь созданию проектов, грандиозность которых мешала их осуществлению.