Импрессионизм – художественное течение в изобразительном искусстве

     3.1 Эдуард Мане 

     О том, насколько органично сливались  в искусстве импрессионистов  традиции и новаторство, свидетельствует, прежде всего, творчество выдающегося  живописца XIX века Эдуарда Мане (1832-1883 гг.). Правда, сам он никогда не считал себя представителем направления импрессионизма и всегда выставлялся отдельно, но в идейном и мировоззренческом  плане, несомненно, был одновременно предтечей и идейным вождем этого  движения.

     Начиная с двух своих программных произведений - "Завтрака на траве" и "Олимпии" (обе 1863 г.), - Эдуард Мане подвергается остракизму. В глазах благонамеренной  буржуазной публики и критиков его  искусство становится синонимом  безобразного, а самого художника  называют "сумасшедшим, который пишет  картину, трясясь в белой горячке" (М. де Монтифо). Лишь наиболее проницательные умы того времени сумели по достоинству оценить дарование Мане. Среди них был Шарль Бодлер и молодой Эмиль Золя, заявивший, что "господину Мане предназначено место в Лувре".

     Между тем в своих работах, как и  в дальнейшем своем творчестве, художник опирается на опыт классического  искусства. Стремясь эстетически осмыслить  современную реальную жизнь, Эдуард Мане использует величественные композиционные схемы живописцев Возрождения, начиная  с Джорджоне и Тициана и  заканчивая вплоть до Веласкеса и  Гойи.

     Любая его картина поражает острой наблюдательностью, свободой и легкостью мазка, смелой изысканностью красочных сочетаний, Его картины, ряд портретов и других работ 1860-х годов написаны в еще не преодоленной до конца традиционной живописной манере, хотя и здесь уже ощущается стремление к открытому цвету и естественному освещению. Позднее палитра Эдуарда Мане становится заметно светлее. Одним из первых он начал писать на чисто-белом грунте, то "нагружая" его сочными мазками ярких солнечных красок, то, покрывая тончайшими полутонами благородных розоватых и серо-сизых оттенков. Безусловно, художник обладал даром передавать бесконечное богатство красок и живую трепетность реального предметного мира, что особенно отчетливо проявилось в натюрморте - "никто из современников Эдуарда Мане не мог написать натюрморт лучше, чем он".

     Мане  обращался к разным жанрам - ему  принадлежит несколько картин на исторические сюжеты, - однако наивысшие  его достижения связаны с современной  фигурной композицией. Художнику была присуща необыкновенная зоркость в  выборе острохарактерной ситуации, как  бы выхваченной из окружающей жизни, где все угадывается, но ничего не сказано в лоб. Его композиционное мастерство проявляется в умении найти неожиданную точку зрения, наиболее выразительный ракурс, жест, ограничиться лишь самым необходимым, так что все лишнее остается за пределами "кадра".

     Особое  место занимает в творчестве Мане портрет. После ранних, вполне традиционных портретов он приходит к новому пониманию  этого жанра. Теперь основную роль играет не столько углубленное и обстоятельное  раскрытие внутреннего мира человека, сколько его острая характеристика. Он ищет ее в поведении модели, в  ситуации, в присущей только ей повадке, которую передает экспрессивным  жестом, неожиданным поворотом головы или позой, всякий раз открывая какую-то новую, очень существенную грань  личности.

     Новаторство Мане заключалось в том, что он сумел по-новому, непредвзято взглянуть  на окружающую его действительность и расширить круг явлений, к которым  обращалось изобразительное искусство. Он не побоялся сделать объектом подлинно высокого искусства и воплотить в совершенных живописных формах такие стороны жизни и человеческих отношений, от которых до него художники отворачивались или не замечали их. До конца жизни Мане испытывал чувство неудовлетворенности своим искусством, хотя в его творчестве всегда ощущалось стремление к созданию "большого стиля". Его последняя картина "Бар в Фоли-Бержер" (1881-1882 гг.) свидетельствует о том, что художник стоял на пороге нового значительного этапа своего творчества. 

     3.2 Эдгар Дега 

     Среди импрессионистов  практически не было скульпторов, редкое исключение составил Эдгар Дега (1834-1917 гг.), который писал картины и  творил скульптуры. Он примыкал к направлению  импрессионистов, хотя его живописные приемы были совсем иными. В центре искусства этого художника и  скульптора всегда стоял человек, в  то время как пейзаж, едва ли не ведущий  жанр импрессионистов, не играл в  его творчестве такой значительной роли. Он писал людей различных  общественных слоев Франции: модисток, прачек и гладильщиц за работой, балерин  в минуты отдыха, на репетициях или  во время выступлений на сцене; бытовые  сценки - в кафе, на улице, на скачках (одна из его знаменитых скульптур - "Четырнадцатилетняя танцовщица").

     Пройдя  краткий период увлечения историческими  сюжетами и позднее портретом, в  котором уже проявилась его острая наблюдательность, Дега переходит под  влиянием Эдуарда Мане к изображению  сцен современной жизни Франции. Главными его темами становятся - мир  балета и скачек, и теперь лишь в  редких случаях он выходит за их пределы, обращаясь к жизни парижской  богемы, изображая модисток, гладильщиц и прачек.

     В отличие от своих друзей-импрессионистов  Эдгар Дега не склонен был преувеличивать значение этюда. Основной формой его  живописи всегда была сюжетная композиция, в которой ярко раскрываются характерные  особенности творческой индивидуальности этого художника - естественность и  необычайная зоркость художественного  видения, обостренный интерес к  передаче движения, беспощадная, почти  бесстрастная аналитичность и одновременно насмешливая, а подчас и горькая ирония.

     Обе излюбленные темы Эдгара Дега это - театр и скачки. Они давали ему  возможность изучить и показать движение во всем его многообразии. Он штудирует его и как художник, с карандашом в руке, за кулисами и на ипподроме, и как ученый, изучая по книгам его биологические механизмы  у людей и животных, и интересуясь  опытами художественной фотографии Надара (хотя Дега сам был умелым фотографом). Чтобы добиться непринужденности в передаче мимолетного движения, художник разлагает его на составные части, включающие моменты предшествующие и последующие.

     Новаторство Эдгара Дега в передаче движения неразрывно связано с его композиционным мастерством. У него еще сильнее, чем у Эдуарда Мане, чувствуется  непреднамеренность, случайность, выхваченность отдельного эпизода из потока реальной жизни. Он достигает этого неожиданной ассиметрией и необычностью точек зрения (часто сверху или сбоку, под углом), "вздыбленностью" пространства, как бы подсмотренного в зеркале, выразительной кадрировкой и смелыми срезами рамы. Это ощущение естественности и полной свободы было завоевано упорным трудом художника, точным расчетом и выверенностью композиционного построения картины.

     Стремление  к бескомпромиссному анализу  и отсутствие, каких бы то ни было иллюзий, заставляли его выбирать сюжеты и темы работ, позволяющие показать реальные отношения людей в буржуазном французском обществе, ту изнанку жизни, которая до сих пор оставалась за пределами искусства. Он предпочитает отражать в своих работах не блистательную феерию премьеры, а изнуряющие будни репетиций, когда движения балерин еще неизящны и угловаты, не красоту и динамику скачки, а проездку лошадей и профессиональную посадку жокеев, пеструю, фланирующую по ипподрому толпу.

     Острая  наблюдательность и глубокий психологизм  были неизменно присущи работам  Эдгара Дега. В таких шедеврах художника, как "Ночное кафе" и "Абсент", прослеживается тема безысходной тоски, отчужденности и одиночества  человека в толпе, которые достигают  у него поразительной силы.

     Следует отметить, что  при первом взгляде на полотна  Эдгара Дега кажется, что это случайно увиденный, как бы выхваченный кусок  реальной действительности. На самом  же деле в его картинах всё тщательно  продумано и четко выверено. Вот  этой абсолютно четкой композицией, а также вниманием к определенности и четкости линий произведения Эдгара Дега отличаются от работ других художников - импрессионистов. 

     3.3 Огюст Ренуар 

     Жизнерадостное  восприятие мира, присущее в целом  всему импрессионизму, особенно отчетливо  проявилось в творчестве одного из крупнейших представителей этого направления  Огюста Ренуара (1841-1919 гг.), за свою жизнь  он написал более 60 картин. В отличие  от большинства импрессионистов  того времени для него художественный интерес представляли человеческие лица, непринужденные позы людей, а  не красоты природного ландшафта.

     Впервые работы Ренуара были выставлены в  Париже в 1864 году, но слава и признание  пришли к нему в 1874 году на первой выставке художников - импрессионистов. С 1877 года у Ренуара было достаточно поклонников, и художник не испытывал нужды  ни в чем. Наивысшие достижения Огюста Ренуара связаны с изображением женщин и детей. Его излюбленный  тип - женщины с пышными формами, припухлыми губами, курносым носиком  и очаровательно бездумными глазами. Он пишет их одетыми и обнаженными, на улице под дождем, на качелях  в саду, во время купанья или  за завтраком с загорелыми лодочниками. Его модели - девушки из народа и  небогатые буржуазки, здоровые и свежие, не знающие корсета и не стесняющиеся своей наготы.

     В портретах Ренуара не интересует внутренний мир человека, хотя он прекрасно  умеет передать внешний облик  и мимолетное настроение модели. Поэтому  столь удачны и привлекательны его  женские портреты и столь банальны и невыразительны лица мужчин. Особенно очаровательны его изображения  детей с их живой непосредственностью  и своим детским миром.

     Картины Ренуара кажутся написанными  на едином дыхании, хотя он больше, чем  другие художники-импрессионисты, уделял внимания живописной технике. Он пишет  то мелкими, положенными рядом мазочками, то широкими полупрозрачными мазками, перетекающими друг в друга, и тогда сквозь них просвечивает холст, а живопись своей прозрачностью напоминает акварель. Тонко нюансированные лессировки сменяются густыми, плотнозернистыми кусками живописи, причем очень часто эти приемы соседствуют в одной картине. Кажется, что художнику доставляло особое наслаждение разыгрывать эти блестящие красочные гармонии, которые были выражением его темперамента.

     Самыми  известными картинами художника  являются - портрет “Мадам Шарпантье со своими детьми”, в композицию которого включен великолепный натюрморт на столе, огромный сенбернар, лежащий на полу, сама хозяйка в модном платье и дети в легких девичьих нарядах; “Бал в саду Мулен де ла Галет”, где художник зафиксировал свое мгновенное впечатление от пестрой подвижной массы людей. Он, как и другие импрессионисты, отказался от тщательного выписывания формы каждого предмета, сосредоточив внимание на передаче этой формы в трепетных бликах того или иного освещения.

     В середине восьмидесятых Ренуар разрабатывает  более мягкий прием письма, меняются также и сюжеты полотен. Он больше пишет обнаженную женскую натуру, встречаются и мифологические мотивы (“Купальщицы”).

     Типом живописи, привлекающим внимание Ренуара  в 1980-х годах становится погрудное изображение молодой женщины в шляпе. В картинах женщина изображается не мыслительницей или деятельницей, не хозяйкой и не работницей, а созданием природы и ее украшением. Поэтому самые живые краски природы, роскошные садовые цветы оказываются здесь совершенно уместными (“Женщина, поправляющая шляпу”, “Девушка в шляпе с красными маками”). Пышные дамские головные уборы настолько нравились Ренуару, что для его моделей специально заказывались необычные, причудливые шляпы.

     Ренуар  искал свой путь, стремился к точности рисунка и композиционного решения, в выборе же сюжета он был свободен. Сюжеты, написанные им на тему театра или  цирка, резко отличались от других импрессионистов. Он старался передать показать обычного зрителя в ожидании праздничного зрелища. Это картины “Ложа”, “Первый  выезд” и многие другие.

     В 1912 году ревматизм приковал Ренуара  к постели, но даже в инвалидной коляске  он продолжал писать и занялся  скульптурой, но паралич не позволял ему творить руками, поэтому он руководил учениками. Он продолжал  работать до глубокой старости, привязывая кисти к сведенным подагрой пальцам. 

     3.4 Камиль Писсаро 

     Очень сложным был творческий путь Писсарро Камиля (1831-1903 гг.), единственного художника, участвовавшего во всех выставках импрессионистов. Дж. Ревалд называл его "патриархом" этого движения. Начав с пейзажей, близких по живописи барбизонцам, он под влиянием Эдуарда Мане и своих молодых друзей начал работать на пленэре, последовательно высветляя палитру. Постепенно он вырабатывает свой собственный импрессионистический метод. Одним из первых он отказался от употребления черной краски.