Авангард в искусстве ХХ века

3. Кубизм 

      К началу XX столетия – времени рождения кубизма – мастера предыдущего поколения уже сильно пошатнули ранее незыблемые основы европейской живописи. В те же годы в Европе стала очень популярной традиционная африканская скульптура. Она давала пример свободного обращения с формой: так, голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно. Непосредственным толчком к появлению кубизма послужили две большие выставки Поля Сезанна – в 1904 и 1906 гг. Его слова «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса…» можно считать своего рода эпиграфом ко всем последующим творческим исканиям нового направления.

      В 1907 г. молодой испанский художник Пабло Пикассо, обосновавшийся в Париже, показал друзьям свое незаконченное полотно «Авиньонские девицы». Он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень. Поверхность большой картины – и фон, и тела пяти обнаженных женщин – была рассечена на геометрические сегменты. Выглядели «Девицы» как грубо вытесанные древние идолы.

      Ранний  этап развития кубизма назвали сезановским. Вслед за Пикассо Брак хотел вернуть в современную живопись то, что она утратила после импрессионизма,- ощущение плотности тел, наполненности объема. Художники решили заново утвердить на полотне прочность и стабильность материи. Позже контуры в картинах стали прерывистыми, грани же представали не в положенных по законам перспективы ракурсах, а разворачивались в сторону зрителя. Большие объемы распадались на множество мелких. Зрителю давали возможность рассмотреть, из чего состоит форма, «ощупать ее глазами» с разных сторон и даже увидеть предмет сквозь другой. Эта стадия развития кубизма получила название аналитического кубизма. Затем в живописные полотна начали вводить реальные предметы. А главный акцент художник делает на газетных вклейках и рельефе дверной панели, которые помещены на первом плане. Так шаг за шагом кубизм подошел к следующему своему этапу – синтетическому. Здесь образ уже не разлагался, а собирался, синтезируясь из отдельных атрибутов, характерных деталей. Сочетание различных поверхностей на холсте были очень декоративны. Эта черта кубистической живописи еще ярче проявилась в овальных композициях. Их даже стали именовать рокайльным кубизмом.

      Некоторых художников кубистические эксперименты с формой постепенно привели к  беспредметному абстрактному искусству.

      Прорыв  из кубизма в область абстракции произошел через орфизм. Смысл  заключается в том, что при  взгляде на предмет художник прежде всего, помня о законах физики, извлекает разложенный на составные цвета световой поток.

      Яркий представитель кубизма – Пабло  Пикассо (1881 – 1973 г.г.). История искусства  знает не так уж много мастеров, которые при жизни были признаны классиками. В XX веке это, безусловно, Пабло Пикассо. Молодой живописец очень скоро выработал собственную манеру изображения. Главное средство выразительности в его работах «голубого периода» - линия монохромность картин лишь подчеркивает напряженную силу замкнутого контура. Постепенно художник изменил цвета палитры на ало-золотисто-розовые (отсюда и название – «розовый период»), общая грустная тональность картин смягчилась. Главные персонажи этого периода – бродячие артисты – циркачи. В третий кубистический период его творчества – период синтетического кубизма – помимо картин Пикассо создал серию коллажей. Парадоксально и неожиданно сочетал он реальные предметы с красочной поверхностью («Мандолина и кларнет», «Голова быка»). Дух разрушения, угроза мировой катастрофы, чутко уловленное художником, вылились в образы фантастических агрессивных чудовищ в серии «Мечты и ложь генерала Франко» (1937 г.). Испания и Франция с равным правом называют Пикассо «своим» мастером.

      Большинство художественных течений, возникших в начале XX столетия, остались лишь краткими эпизодами в бурной биографии века. Кубизму же была суждена долгая жизнь. И в сегодняшнем искусстве часто можно наблюдать результаты его пластических экспериментов.  

4. Футуризм 

      Новое течение в искусстве нередко заявляет о своем появлении публикацией художественных программ и, как правило, всячески ниспровергают предшествующие «открытия». В громкости подобных заявлений представителям футуризма не было равных. Это естественно. Само название футуризм (от лат. futurum – «будущее») говорило об их намерении издавать новые искусства, искусства будущего, приверженности к переменам и о решительном отказе от традиций.

      Основатель  движения Филиппо Томмазо Маринетти (1876 – 1944 г.г.), итальянский поэт, опубликовал первый манифест футуризма на страницах журнала «Фигаро». «Главными элементами нашей позиции будут: храбрость, дерзость и бунт. Нет шедевров без агрессивности» - провозглашал он. Футуризм с его прославлением войны как «гиены мира», с культом сильного кулака и агрессии пришелся «ко двору».

     Под  первой, собственно художественной программой, «Манифестом художников футуристов», подписались все итальянские  художники. В чем же его главное  содержание? Что было для художников футуристов определяющим признаком будущего? Прежде всего движение. И, конечно же, прославление машины, индустриализации, урбанистической цивилизации. Передача движения достигалась просто и без затей. Разбивая и фиксируя этапы ходьбы, бега, жеста, персонажа по кадрам. При этом в их манере членить объемы легко заметить влияние кубистической живописи, которую сами футуристы упрекали в «застылости».

     В футуристической искусстве не следует  искать глубокого психологизма, интереса к внутреннему миру человека. Напротив, культ машины вдохновлялся мечтой о «создании механического человека с заменимыми частями». Однако все это было уже отзвуком былого футуристического шума. Постепенно футуризм растворился в других художественных течениях. 

5. Метафизическая живопись 

      Кружок  живописцев-метафизиков возник в Италии в годы Первой мировой войны. Основатель и наиболее яркая фигура этого течения – Джорджо Де Кирико (1888 – 1978 г.г.). В 1910 г. он впервые назвал свою картину «Тайна осеннего вечера» метафизической. Творческие взгляды художника были диаметрально противоположны футуризму с его культом безудержного движения. Художник поэтизировал вечный покой. Любимый его образ – южный город летом, когда жители сидят по домам и улицы пустынны; когда свет достигает предельной силы, а тени – предельной глубины. В этой «спокойной и бессмысленной красоте вещества» он чувствовал близость к истине, к первооснове мира, которая, впрочем, всегда остается тайной для человеческого разума. «В тени человека, идущего солнечным днем, утверждал художник, - заключено больше тайны, чем во всех религиях». «Тайна» - любимое слово в лексиконе художника. Художник, кажется, намеренно забывает академические уроки мастерства. Грубо очерченные формы и чистые краски, привычные автору детали средиземноморского городского пейзажа – башня, бассейн, аркада – выражают его идеал простоты и постоянства.

      Основная  тематика творчества Джорджо Моранди, Карло Кара и Луиджи Де Писис –  геометрия простых предметов, взаимоотношения  живого и неживого – находят выражение  в натюрмортах или фантастических композициях с фигурами, составленными и манекенов и портновских лекал. 

6. Неопластицизм 

      Представители неопластицизма придерживались не многих принципов: в их живописных произведениях  линии пересекаются перпендикулярно, палитра ограничивается красным, синим и желтым, т.е. тремя чистыми основными цветами. Лепка трехмерных форм мазком отвергалась – подчеркивалась плоскость. При отсутствии симметрии композиции все же были очень усовершенствованными. Такой стройностью, простотой и чистотой отношений внутри холста, по мнению неопластицистов, достигалась универсальная гармония, независимая от отдельного человека.

      Один  из ведущих мастеров беспредметного искусства, основатель школы неопластицизма - художник Пит Мондриан (1872 – 1944 г.г.). В его работах нет даже намека на реальную форму. Композиции серии «Море» (1914 г.) по сути своей уже абстрактны. Впечатления от бликов света на колеблющейся поверхности моря художник выразил чередованием горизонтальных и вертикальных штрихов, иногда крестообразно пересекающихся. В так называемых ярких полотнах насыщенные цветом гладкие плоскости Мондриан заключал в жесткую черную сетку, добиваясь этим впечатления сияния, свечения цвета. При этом в отличие от «ярких» работ он ограничивался двумя, а чаще одним цветом («Композиция в синим», 1937 г.). По мнению художника, «цвет должен быть свободен от индивидуальности, от личных эмоций, он должен выражать лишь всеобъемлющий покой».

      В США художник работал над большими композициями: «Нью-Йорк-сити», «Бродвей буги-вуги», «Победа буги-вуги». Теперь линии как бы подчиняясь пленившим его ритмам джаза и буги-вуги, дробятся маленькими цветными квадратиками, черная сетка стала необязательной. Искусство Мондриана во многом повлияло на современную живопись, архитектуру и дизайн.  

7. Дадаизм 

      Странное  слово «дада» дало название одному из этапов европейской культуры. Существуют разные варианты его толкования. Это и детский лепет. И игрушечный конек, как его называю французские ребятишки. В некоторых провинциях Италии так зовут маму. А еще «дада» - двойное утверждение по-русски и по-румынски, нечто вроде «ладно». Основатель течения, французский теоретик искусства, живописец и поэт Тристан Тцара.

      Впрочем, помимо непонятного названия дадаизм  преподнес публике множество  гораздо более любопытных загадок. Например: какое вообще отношение он имеет к художественному творчеству? Ведь главной его идеей было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики. Дадаистов даже нельзя было упрекать в чем-либо, поскольку они сами провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего». Ошарашенные зрители, естественно, ничего и не понимали, а потому каждое публичное выступление дадаистов заканчивалось крупным скандалом.

      Поэты декламировали бессвязные наборы слов. Счет из прачечной мог быть прочитан как стихотворение. Танцевали на дада-вечерах в мешках. Художники  демонстрировали композиции, в которых  не усматривалось ни малейшего смысла.

      С 1913 г. французский художник Марсель Дюшан (1887 – 1968 г.г.) в Нью-Йорке стал выставлять обычные предметы массового производства, давая им название и снабжая собственной подписью. Именовалось такое произведение реди-мэйд («готовый продукт») – обозначение, принятое в торговой рекламе. Первым «готовым продуктом», попавшим в художественную экспозицию, было «Велосипедное колесо на табуретке». Знаменем, символом всеотрицающего дадаизма стало его кощунственная «Мона Лиза с усами» (1919 г.).

      Ханс  Арп впервые показал живописные композиции, выполненные по принципу «автоматического письма»: художник как бы отключал сознание и творил импровизации из пятен и линий, не руководствуясь никакой предварительно поставленной задаче.

      Художник  Макс Эрнст (1891 – 1976 г.г.) был неистощимым  изобретателем: в одном произведении он соединял самые разные материалы, техники и методы, например, рисунок, гравюру, журнальную репродукцию. Предметы вырывались из привычной среды и вступали в новые связи. Художник называл это «случайные встречи двух различных реальностей на неподходящем плане».

      Очень скоро внутри движения наметился  раскол. Полемизируя с Тцара, который  продолжал настаивать на полной бессистемности творчества и отрицания всего и вся, Бретон и его товарищи говорили о необходимости нового знания и относились к своим изысканиям вполне серьезно. Так в недрах дадаизма зародилось еще одно мощное художественное направление XX века – сюрреализм. 

8. Сюрреализм 

      Слово сюрреализм обозначает «сверхреальность». Оно уже давно превратилось в  общеупотребительное понятие, которым обозначаются все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Что же касается сюрреализма как художественного направления, то начало его положил «Манифест сюрреализма», опубликованный поэтом Андре Бретоном (1924 г.).

      В предысторию сюрреализма неизменно включается «этап дада». Действительно, сюрреализм многое почерпнул из легкомысленных открытий дадаизма, отринув, правда, его насмешливость. Сюрреализм использовал ключевые приемы дада – «реди-мэйд», «автоматическое письмо», совмещение в одном произведении образов, лишенных логических взаимосвязей.

      Принцип психоанализа, разработанный Фрейдом, основывался на методе свободных  ассоциаций: когда человек, отталкиваясь от какого-либо слова, представления, образа из сновидений, высказывает все, без разбору мысли, которые приходят в голову. Также рождается сюрреалистический образ: он возникает вследствие «чудесной встречи», т.е. произвольного с точки зрения обыденной логики соединения в тексте, либо на холсте различных слов или изображений.

      Методом графического автоматизма начал  свою деятельность, включившись в  сюрреалистическое движение, французский художник Андре Массон (1896 – 1987 г.г.). Индийской тушью он водил по бумаге. Случайно возникающие линии и пятна напоминала некие образы. Практиковались и другие новоизобретенные техники, например, фроттаж. Как-то Эрнст положил бумагу на пол и натер ее графитом. Рельеф растрескавшегося паркета создал на листе выразительную фактуру.

     Однако  эксперименты с различными техниками не были основным признаком изобразительного искусства сюрреализма. Отличительной особенностью многих полотен стали реальные, подчас доходящие до натурализма изображения персонажей и их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Этот прием назвали «обман зрения» или «обманка».

     Картины Ива Танги (1900 – 1955 г.г.) «Мама, Папа ранен!», «Лента излишеств» наполнены тревогой. Эти пустынные ландшафты назвали  «жестоким и дотошным описанием  первых дней после катастрофы», а  позже предчувствием пейзажей после атомного взрыва.