Живопись и натюрморт

Оглавление 

Введение…………………………………………………………………...............3

1 Теория о живописи и натюрморте……………………………………………..5

1.1 История  развития натюрморта. Голландский  натюрморт………………….5

1.2 Анализ и изучение работ мастеров прошлого………………………………6

1.2.1 Франсиско Сурбаран………………………………………………………..6

1.2.2 Жан  Батист Симеон Шарден……………………………………………….8

1.3 Техники  живописи и композиционные приемы…………………………...10

2 Описание  и выводы по работе………………………………………………...11

Заключение……………………………………………………………………….14

Список  используемой литературы……………………………………………...15 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     Введение 

     В представленной мной курсовой работе мы будем работать над темой: «Натюрморт как жанр станковой живописи». Мы выбрали эту тему потому что натюрморт в живописи хорошо показывает веши, окружающие человека в бытовой среде, то есть создает композицию вещей и совместимость их с окружающим интерьером или подчеркивает определенные черты. Данные навыки натюрморта пригодятся мне в будущей профессии дизайнера интерьера.

     Живопись  – это вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность. Живопись - важное средство художественного отражения и истолкования действительности, воздействия на мысли и чувства зрителей. Идейный замысел произведений живописи конкретизируется в теме и сюжете и воплощается с помощью композиции, рисунка и цвета (колорита).

     Натюрморт – это (в буквальном переводе с французского nature morte - мёртвая природа), жанр изобразительного искусства (главным образом станковой живописи), который посвящён изображению окружающих человека вещей, размещённых, как правило, в реальной бытовой среде и композиционно организованных в единую группу. Специальная организация мотива (так называемая постановка) - один из основных компонентов образной системы жанра натюрморт. Кроме неодушевленных предметов (например, предметов домашнего обихода), в натюрморте изображают объекты живой природы, изолированные от естественных связей и тем самым обращённые в вещь, - рыбу на столе, цветы в букете и т. п. Дополняя основной мотив, в натюрморт может входить изображение людей, животных, птиц, насекомых. Изображение вещей в натюрморт имеет самостоятельное художественное значение, хотя в процессе развития он нередко служил выражению символического содержания или решению декоративных задач. Вместе с тем натюрморт, может характеризовать не только вещи сами по себе, но и социальное положение, содержание и образ жизни их владельца, порождать многочисленные ассоциации и социальные аналогии.  

      Цель  нашей курсовой работы заключается в развитии внутренних возможностей творческого потенциала, а так же формированию творческого интереса, который способствует познанию, расширению знаний по предмету.

      Задачи  нашей курсовой работы заключаются:

      - В закреплении и объединении приобретенных знании и практических умений;

      - В расширении теоретических знаний в соответствии с моей темой;

      - Умения применять теоретические  знания по цветоведению для  решения задач моей курсовой  работы;

      - Овладение приемами самостоятельной  познавательной деятельности, умение формулировать суждения и выводы.  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

     1 Теория о живописи  и натюрморте.

      1.1 История развития  натюрморта. Голландский  натюрморт. 

     Исходную  точку раннего натюрморта можно  найти в XV—XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Однако самостоятельное значение он начал приобретать с XVII века. Основоположником этого жанра можно по праву считать Голландию. Это было вполне обосновано, так как именно в то время она приобрела независимость и стала одной из богатейших стран. Живописные картины с изображением натюрморта помогали увидеть, представить и почувствовать другие времена, передавали атмосферу эпохи, в которой жили люди, изображали то, что их окружало и то, как со временем менялся стиль их жизни.

     Голландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе — «тихая, неподвижная жизнь».

       Существовало несколько важных  факторов, повлиявших на столь  бурное развитие натюрмортной  живописи. Во-первых, удивительный для  небольшой страны уровень достижений  в общественных науках, математике, физике и естествознании. Так, великолепные нидерландские географические карты и атласы славились во всей Европе, открытия учёного-зоолога Левенгука получили всемирную известность, нидерландские мореплаватели привозили из путешествий в экзотические страны разнообразные редкости, растения, посуду, интересные технологии изготовления вещей. Словно на витрине, расставлены перед зрителем кухонная утварь, цветы, фрукты, предметы быта — возможно, чтобы рассказать о благосостоянии родины, ведь эстетика натюрмортов была приятна и иностранцам, приобретавшим картины для украшения своего дома. 

     1.2 Анализ и изучение  работ мастеров  прошлого 

     Для анализа работ по натюрморту мы выбрали работы двух известных художников живописцев прошлого, француза Жана Батиста Симеона  Шардена и испанца Франсиско Сурбарана. Работы этих художников для анализа были взяты из книги Н. А. Дмитриева «Краткая история искусств. Очерки». 

     1.2.1 Франсиско Сурбаран 

     Для анализа первой работы мы возьмем работу Франсиско Сурбарана «Натюрморт с апельсинами и лимонами». Работа 1633 года.

     В самом начале своей деятельности, поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями. Кисть Сурбарана обладала крепостью и мощью. Нельзя не удивляться тому, как полновесно, внушительно и естественно выглядят самые простые формы. Пристрастие к компактным объемам особенно наглядно выглядит в его аскетически простых натюрмортах. Сурбаран интуитивно находил в природных формах строгие формы шара, пирамиды, купола, колокола, цилиндра. Прямоугольный стол, круглый апельсин, овальный лимон, цилиндрическая кружка. Вся конструкция данной композиции натюрморта составлена из довольно простых и незамысловатых геометрических фигур расположенных в ряд. Какой сильный и звучный акцент придают им немногие цвета: желтый, золотистый, оливковый, белый и черный. Величие Сурбарана – это величие простоты. Один из самых ранних историков испанского искусства, Бермудес, писал о нем: «Его простые композиции состоят из немногих фигур в позах важных и естественных, а иллюзии жизни в них он достигает по средствам мастерства света и тени». И правда, простота и качество композиции натюрморта заключается в небольшом количестве фигур с простыми геометрическими формами, правильно поставленными, сдобренными простыми цветами, качественной постановкой света и глубиной тени. Он явно наслаждается переживанием вещественности, осязаемости предметов: этот апельсин можно взять в руку и он уляжется на ладони плотно и весомо, эту кружку можно взять в руку и обхватить пальцами, сжать и ощутить твердую округлость. Отдельно несколько слов о светотени Сурбарана. Светотень, особенно в ранних его вещах, «караваджистская», то есть контрастная: сопоставление глубоких темных теней с освещенными выступающими объектами. Эта манера «тенеброссо» получила в Испании большое распространение, Сурбаран поднял её на новую художественную высоту. Сама по себе она была связана с пластикой больших обобщенных массивов. Она и придает простым композиция Сурбарана такую важную величавость.  

     1.2.2 Жан Батист Симеон Шарден 

     Для анализа второй работы мы возьмем работу Жана Батиста Симеон Шардена «Медный бак». Работа 1733 года.  

 Жан Батист Симеон Шарден - французский живописец, который сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству XVIII века. Являлся мастером рокайльной живописи. С творчеством Шардена плохо вяжутся представления о какой-либо воинствующей оппозиционности – это исключительно «мирный» по складу своему художник, мирны и уютны его жанровые сцены. Основным предметом его натюрмортов и является повседневная домашняя жизнь парижских обывателей, переданная в спокойной, скромной, задушевной, мирной, реалистической манере. Большой интерес представляют пастельные портреты, исполненные Шарденом на склоне лет.

     Шарден  родился и всю жизнь провёл в парижском квартале Сен-Жермен-де-Пре. Помогая Ноэлю Куапелю исполнять аксессуары в его картинах, приобрёл необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников.

     Он  рано стал известен парижской публике  как превосходный мастер натюрморта. Бытовой жанр и натюрморт органически  связаны в его искусстве как  аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед  за голландцами, французский живописец умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные домашние предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин — не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия. Сама его спокойная простота, его приверженность к чисто житейским мотивам явилась в те времена вызовом аристократическим вкусам. В своем роде этот тихий живописец, был по-своему борцом и новатором. В совершенстве, владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность и чёткость. Все это очень лаконично вяжется в представленной работе «Медный бак». 
 
 

     1.3 Техники живописи и композиционные приемы 

     Техника живописи - совокупность приемов, которыми определяется эстетико-практическое знание художника, направленное к наилучшему пользованию красками и другими  материальными средствами для наиболее совершенного исполнения картины. Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком.

     Традиционные  техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов. Гуашь, акварель, китайскую тушь, и полурисовальную технику - пастель - также относят к живописи. Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека - татуировки), на металле, на асфальте, стекле, керамике и т. д.

      Рисуя наш натюрморт, мы используем технику живописи в гуаши на плотной бумаге (ватмане). Нами выбрана гуашь, потому что она по своим свойствам имеет более густую плотную и матовую текстуру. Гуашевые краски, как и акварель, разводят водой. Но, в отличие от акварели, они непрозрачны, что дает возможность перекрывать один цвет другим.

     Каждая  композиция строиться за счет различных композиционных приемов. Таковыми являются: симметрия; ассиметрия; статичность; динамичность; ритм; контраст; нюанс; центр композиции; равновесие; цвет; оптическая иллюзия; иллюзия сопоставления геометрических тел. В своей работе у меня используются такие виды приемов как: ассиметрия; статичность; нюанс; равновесие; цвет. 

     2 Описание и выводы  по работе 

     Представленная  нами в этой курсовой работа является натюрмортом. Натюрморт является самостоятельным жанром станковой живописи. Работа выполнена в гуаши, на плотной белой бумаге (ватмане), в формате А3.

     На  натюрморте расположены предметы домашнего  обихода: шкатулка, веер, бусы. Эти предметы, в силу их назначения относятся к  женским аксессуарам, по этому в  натюрмортной композиции прекрасно  дополняют и сочетаются друг с  другом. Предметы расположены следующим образом: на переднем плане левее от центра расположена шкатулка темно-коричневого цвета, цилиндрической формы с крышкой. Правее за шкатулкой расположен веер, наклоненный на правую сторону, снизу окрас веера под дерево, сверху обтянут красной тканью с характерной вышивкой и кружевами на веере, ткань на веере обрамлена коричневой бахромой с верху. Шкатулка слегка приоткрыта и из неё свисают белые бусы, на переднем плане находятся три розовых лепестка розы. Лепестки розы хотя и не относятся к предметам женских аксессуаров, но зато хорошо подчеркивают их сущность и назначение. Они являются нюансом в данной композиции. Вся композиция натюрморта задрапирована. Для драпировки использован шелк бледно-розового и темно-красного цветов. Бледно-розовый шелк проходит по середине композиции, а с боков его обрамляет шелк красного цвета. Драпировка расположена таким образом, что она одновременно является задним фоном, который плавно переходит в поверхность, на которой расположены предметы. Вся композиция составлена в монотонной цветовой гамме, нет ярко-выраженных цветов или цветов выбивающихся из основной гаммы. Использованы мягкие, спокойные, приглушенные цвета, отлично сочетающиеся друг с другом: красный, бордовый, коричневый, темно-коричневый, розовый, бледно-розовый, и древесно-желтый.