Стиль модерн в русском искусстве.

     Введение

     «Эпоха русского модерна, недолговечная по времени, оставила нам великолепные образцы национального зодчества, монументально-декоративного и прикладного искусства, живописи, скульптуры, графики, сценографии, печатных изданий, костюма, посуды, изумительных по красоте ювелирных изделий. В интерьерах архитектуры модерна, наряду с декоративными панно, картинами, статуями, люстрами, витражами, каминами, лестницами, декорированными резными и коваными перилами, особое место занимала мебель. На ней сидели за дружеской беседой или, сосредоточенно склонившись за рабочим столом, изобретали новаторские проекты талантливые художники — истинные создатели русского модерна.»

     Стиль модерн (от французского moderne- современный и от немецкого-  Jugendstil — «молодой стиль»)- художественное направление в искусстве,  наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века.  Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий,  интерес к новым технологиям (например, в архитектуре),  расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные(1) функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Стиль "модерн" возник в европейской архитектуре в последнем десятилетии 19 века как протест против использования в искусстве приемов и форм стилей прошлого. Зародился этот стиль в сфере художественной промышленности.

    Модерн  выражается в архитектуре, литературе, декоративно прикладном искусстве, в картинах именитых русских художников. Можно без особого труда составить перечень тех русских мастеров, творчество которых, прежде всего, определяло разные стороны и грани русского модерна. В изобразительном искусстве это В.М. Васнецов, М. А. Врубель,  М.В. Нестеров, А. Я. Головин, С.В. Малютин, И. Я. Билибин, М.В. Якунчикова, ведущие деятели  «Мира искусства»: К. А. Сомов, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, А.Н. Бенуа. Называя мастеров модерна в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, понадобится  повторить имена В.М. Васнецова, М. А. Врубеля,   С.В. Малютина, добавив к ним Ф. О. Шехтеля,  Л.Н. Кекушева, Ф.И. Лидваля, Н. В. Васильева,  Н. Я. Давыдову.  Но наверно было бы гораздо проще перечислить всех художников, так или иначе связанных с модерном, отдавших дань «новому стилю» в тот или иной период своего творчества. Явные признаки «нового стиля» модерна можно обнаружить в некоторых произведениях В.А. Серова и К.А Коровина, В.В. Кандинского,  Н. К. Рериха, И.И. Левитана и К.С. Петрова- Водкина. 

    Введу всего вышесказанного можно назвать  некоторые события русской художественной жизни, общественные вкусы, которые способствовали  развитию модерна.

Абрамцево и Талашкино

      Начать надо с Абрамцевского кружка. Это было артистическое содружество, сложившееся в середину 1870-х годов вокруг С. И. Мамонтова, промышленника, известного мецената и художественно одаренного человека. Поэтому часто этот кружок называют мамонтовским.  На протяжении четверти века подмосковное имение Мамонтова «Абрамцево» оказалось местом, куда приезжали художники –от уже известных до совсем молодых. Среди посетителей были Репин, Поленов, Васнецов, Серов, Врубель, Поленова.  Здесь очень много рисовали, усердно занимались живописью, открывая и показывая красоту  природы, ставили домашние спектакли, осуществляли интересные архитектурные замыслы, работали в специально устроенных кустарных мастерских. Художественная жизнь Абрамцева – это история формирования «неорусского стиля», который оказался  гранью модерна в России. Абрамцевский кружок никогда не имел ни своего устава, ни заранее сформулированной или же продуманной программы. Красота пользы и польза красоты – такими двумя понятиями наверно можно определить ту атмосферу, окружающую художников в имении «Абрамцево». Мамонтовский кружок разделял распространенные убеждения эпохи. О нем тогда говорили и писали чаще всего как раз в той художественной среде, где складывались принципы модерна.  Своеобразие этого кружка заключалось в том, что соединение пользы и красоты представлялось членам содружества не только серьезным общественным долгом художественной интеллигенции, но и живой традицией, свойством крестьянского искусства, воплощающим в себе важные черты народного идеала.

    Следуя  своим общественным идеям и творческим интересам, члены Абрамцевского  кружка организовали две мастерские. Дело касалось попыток возродить художественные (2)кустарные промыслы, имея перед глазами собранные в деревнях изделия народного искусства. Намерения были  вернуть декоративно-прикладному искусству его сущность и, вместе с ней, его основную функцию – украшать повседневный быт человека. Вместе с Абрамцевом  довольно часто называют другой интересный очаг русской культуры того времени– находящееся   вблизи Смоленска село Талашкино и его окрестности. Им владела меценат, художница и коллекционер М.К.Тенишева. Среди работающих там художников были Рерих и Малютин. Интерес талашкинских мастеров к возрождению крестьянских ремесел, а также к воссозданию творческой фантазии народа был гораздо более сосредоточен на стилевых задачах искусства. А вот об абрамцевском «стиле» как о самостоятельном явлении русского искусства можно говорить лишь условно – он постоянно развивался, обретал новые свойства и качества. Талашкинский «стиль», наоборот, представлял собой и устойчивую разновидность русского модерна.

Происхождение стиля модерн

    В русском модерне, особенно в зодчестве  и в прикладных видах творчества,  можно различить несколько течений. Первое из них непосредственно связано  с творчеством Абрамцевского  кружка(про который говорилось выше).Творчество данного кружка во многом подготовило переход к стилевым принципам модерна, но само ими еще не обладало. Второе направление во многом опиралось на приемы стилизации, выработанные абрамцевскими художниками. В архитектуре в основном это течение оказалось ведущим и определяющим. Нередко истоки модерна в России связывают с идеями и воздействием западноевропейских школ модерна, но существует и другая точка зрения, по которой признаки будущего «нового стиля» возникли в творчестве отдельных русских мастеров, почти неосознанно, не следуя уже готовой концепции, а наоборот, создавая на практике закономерности «нового стиля». Истина, как это обычно и бывает, находится где-то посредине. Как и любая европейская художественная  школа, русская школа шла к модерну собственным путем.

Эпоха модерна

В России модерн появился во второй половине 1890-х  годов. Новый стиль, в котором  стали работать русские зодчие, хотя и пришел из Европы, но и там к  этому времени еще не получил  окончательного оформления. Поэтому  русский модерн развивался в большой  степени самостоятельно, наложив  отпечаток на многие произведения архитектуры, изобразительного и прикладного  искусства.

Характеризуя  период, отмеченный в искусстве существованием «нового стиля», исследователи нашего времени называют его иногда «эпохой около 1900-го». Оно ставит пред нами очень весомый и важный факт: несмотря на свою недолговечность, модерн смог не просто внедриться в столичный и провинциальный быт, но и придать ему свою особую окраску. Рассчитанные не на  музейные залы, а на бытование в повседневной жизни, произведения модерна – от архитектурных сооружений да ювелирных изделий, афиш и поздравительных открыток – активно вторгались в окружающую человека среду, не только отражая сложную духовную атмосферу времени, но и  заметно влияя на нее. Ярче всего модерн воплотился в произведениях, формирующих реальную среду – в архитектуре, в декоративно-прикладном искусстве. И орнамент здесь оказался наиболее демонстративным и характерным воплощением новых тенденций.

Орнамент  модерна

    Новизна модерна сразу же оказалась несомненной. Он принес не только свои мотивы, которые  вполне могли затеряться среди прежних, но и  великолепные ритмы, особую подвижность, беспокоящую глаз и привлекающую внимание. Цветы, излюбленный мотив русского орнамента, передаются натуралистично, в сочетании со всевозможными насекомыми, червями, улитками, летучими мышами. Предпочтение отдается цветам вьющимся, оранжерейным, экзотическим. Причем в избираемой природной форме берется один какой-либо признак и делается доминирующим. Форма растения деформируется, и перед нами предстает уже не сам предмет, а скорее его символы, знаки. Живая, своевольная линия господствует в орнаменте модерна, получая в своем беге огромную свободу. Так строится и решетка ограды, и контур витража из стекол, и рисунок обоев, и рамка книжной обложки, внутри которой даже шрифт получает те же качества узора – текучесть сплетающихся линий, переломы и изгибы, декоративную слитность строки, ритмичной, как линейный орнамент. Впрочем, гибкостью линий не исчерпывается арсенал средств орнамента. В орнаменте модерна присутствует заполнение плоскостей фактурной рябью прорезной листвы каштана или дуба, и даже жесткие геометрические формы. Однако и в геометрические мотивы модерн умеет привнести свойственные ему черты. Правильные окружности помещаются одна в другую, сбивая привычную симметрию. Нарушается регулярность в сетке треугольников или квадратов, они будто неравномерно, рывками захватывают поверхность. При всем многообразии произвольных форм орнамента, модерн сохраняет свое основное стилистическое качество: (3)ритмическую экспрессию, напряженность, эмоциональную насыщенность узора. Такой орнамент всегда склонен к (4)экспансии, он растекается, овладевая доступной ему поверхностью. Данный орнамент не подчеркивает структурность, не разделяет, а наоборот, сливает разные части предмета – стена с его помощью плавно перетекает в потолок, горловина и ножка вазы составляют неразделимое целое с ее туловом. Подобным же образом «заползает» снаружи внутрь декоративного панно, обычно плоскостного в искусств модерна, ищет с живописью цветовые и ритмические связи, и даже сходные мотивы в пейзажном фоне и в узоре изображенных одежд. Он разрушает границу между полем стены и изображением, объединяет, подчиняя своему строю и ритму живопись и архитектуру. В России в столярных и керамических мастерских крупные художники вручную расписывали посуду и мебель лубочными ликами Ярилы – солнца, узорчатыми хвостами сказочных птиц Сирина и Алконоста. В ковровых узорах майоликовых архитектурных панно пышные цветочные мотивы старинной парчи вплетались в текучие ритмы нового орнамента.

Неорусский  стиль

    «Национально-романтическое» направление, как его обычно не совсем точно называют, полнее всего выразившее себя в архитектуре и декоративно-прикладном творчестве и в меньшей мере в  живописи, скульптуре и графике. Имело свои довольно близкие аналогии в других национальных художественных школах Европы, обративших тогда внимание на старые, художественные традиции. Почти с самого же своего возникновения, приблизительно с середины 1880-х годов «национально-романтический», или, как несколько позже  его стали именовать, «неорусский» стиль стал утверждать себя активными и целенаправленными поисками в области поэтики и стилистики искусства, поисками, обретшими логикой  художественного процесса гораздо более универсальный смысл, чем имела его сюжетно-содержательная структура. Именно этим, вероятно, объясняется исключительная популярность крупнейшего представителя этого направления в русском искусстве Виктора Васнецова.

Архитектура модерна.

    Как уже говорилось, модерн ярко выразился  в  работах зодчих. Так, даже спустя десятилетия хорошо видно, что модерн успел наложить заметную печать на  архитектурный облик многих городов  России – помимо Москвы и Петербурга и дачного строительства  вокруг обеих столиц здесь можно назвать  в качестве примера южные курортные  районы и так же города Поволжья, где не только строили крупные архитекторы Москвы и Петербурга, но и начинали будущие столичные зодчие, формировавшиеся по воздействием известных мастеров модерна. Модерн и культурное самосознание человека той эпохи – за этой темой кроются и проблемы искусства того времени, и способность «нового стиля» воздействовать на предметную и духовную среду.

    Архитектором, наиболее полно воплотившим основные тенденции развития русского модерна  был Ф. Шехтель. Он подсознательно шел  к модерну через творчество театрального декоратора, оформителя народных празднеств, создателя театрализованных архитектурных  комплексов (что очень созвучно самой  природе модерна). В России одним из наиболее заметных и типичных памятников модерна является Дом компании «Зингер» (сейчас «Дом Книги») на Невском проспекте в Санкт-Петербурге. Яркими примерами московского модерна являются - знаменитые особняки Рябушинского и Дерожинской работы Ф. О. Шехтеля, особняк Миндовского и собственный дом архитектора Л. Н. Кекушева, доходный дом М. В. Сокол архитектора И. П. Машкова. Множество так называемых «доходных домов» начало века построены в стиле модерн. Несмотря на важность архитектурных памятников эпохи модерн для истории архитектуры и культуры России в целом, на данный момент не существует ни одного полноценного музея, посвященного этому стилю. Нет ни одного крупного музея, посвященного самым ярким представителям московского модерна — Ф. Шехтелю и Л. Кекушеву. Многие здания недоступны не только для гражданских лиц, но и для научнных сотрудников, основная причина заключается в том, что многие здания отданы, например, посольствам. Десятки зданий находятся на грани разрушения, поскольку по каким-либо причинам не занесены в реестр охраняемых государством памятников. Выдающимися произведениями модерна являются Ярославский вокзал (автор — Ф. О. Шехтель), ЦУМ (б. «Мюр и Мерилиз») и гостиница «Метрополь» в Москве, и многие другие. В Москве работал целый ряд архитекторов, Ф. О. Шехтель, Клейн Р. И., Фомин И. В., Щусев А. В., Тон К. А., которые и создали ответвление стиля, называемое московским модерном. В современной застройке Петербурга могут быть выявлены переосмысленные заново элементы архитектуры модерна.

Художники Русского модерна.

В русском искусстве  одним из самых ярких представителей романтики периода Модерна был Михаил Александрович Врубель (1856-1910) . Гениально одаренный художник польского происхождения. Как подлинный романтик он ощущал прошлое живым настоящим. «Его искусство - одно из лучших выражений той влюбленности в странное, которая охватила людей в конце XIX века». В творчестве Врубеля соединяются экспрессия, фантастика, магия формы, эстетизм, любовь к сказочным сюжетам.

Свою жену, певицу Н. И. Забелу, художник изобразил в  образе царевны Волховы из оперы  Н. Римского-Корсакова «Садко» (словенск. volhva - нимфа р. Волхов). Своеобразие врубелевской живописной манеры заключается в бесконечном дроблении формы на грани, как бы окрашенные изнутри светом и цветом, наподобие кристаллов или фантастических каменных цветов. Он создал множество рисунков, эскизов и написал три огромные картины на эту тему - Демон сидящий, Демон летящий и Демон поверженный. Закономерно обращение М. Врубеля, как и многих других мастеров Модерна, к керамике. Композицию «Принцесса Грёза» художнику удалось реализовать на фасаде одного из лучших в майоликовом зданий московского Модерна - гостиницы «Метрополь» (проект архитектора В. Валькота; 1898-1903;)   Одной из основных черт модерна необходимо считать орнаментализм возведенный в ранг искуства. Ярким примером выдающейся  русской модерновой орнаментики является творчество Ивана Яковлевича Билибина.

    Внимание  к декорам и мелочам , стилистическое изображение привычных объектов часто затмевает сюжет картин и иллюстраций художника . Создается ощущение , что изображение сказочного сюжета было лишь предлогом для художника , чтобы  очередной раз покрыть холст или лист бумаги затейливым стилизованным  декором . 

    Бенуа Александр Николаевич (1870-1960) художник-график, живописец, театральный художник, издатель, литератор, один из авторов современного образа книги. Представитель русского модерна.

В творчестве Бенуа-художника  решительно преобладала история. Две  темы неизменно пользовались его  вниманием: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". К  ним он обращался в первую очередь  в своих исторических композициях - в двух "версальских сериях" (1897, 1905-06), в широко известных картинах "Парад при Павле I" (1907), "Выход  Екатерины II в Царскосельском дворце" (1907) и др., воспроизводя давно ушедшую  жизнь с глубоким знанием и  тонким ощущением стиля. Тем же темам, в сущности, были посвящены и его  многочисленные натурные пейзажи, которые  он обычно исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию  и подолгу жил там). В историю  русской книжной графики художник вошел своей книжкой "Азбука в  картинах Александра Бенуа" (1905) и  иллюстрациями к "Пиковой даме" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями  к "Медному всаднику", трем вариантам  которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).