Культура современной России XXI века по форме живопись

Культура современной России XXI века по форме Живопись.

        Живопись существует с самых древних времен, за время своего существования она прошла множество этапов, развивалась и деградировала.

        Как и современное искусство, современная живопись в нынешнем своем виде сформировалась в 60-70-е гг XX века. Шли поиски альтернатив модернизму, часто вводились и противоположные ему принципы. Французские философы ввели термин "постмодернизм", и к этому течению присоединились многие художники.

Самыми заметными явлениями искусства 60-70х стали концептуальное искусство и минимализм. В 70-х произошло усиление социальной направленности художественного процесса. Это проявилось в содержании тем, которые поднимали художники; в составе: самое заметное явление этого времени-феминизм, а также активность этнических меньшинств и социальных групп. В 70е и 80е люди словно устали от концептуального искусства и понемногу вернулись к изобразительности, цвету и фигуративности. В середине 80х происходит подъем движений, использующих образы массовой культуры — кэмпизм, искусство ист-виллиджа, а также нео-поп. Расцветает фотография — всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения. На живописный арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 60-х — видео и аудио, затем — компьютеры, и в 90-х — интернет.

Актуальное искусство

В России 90-х существовал термин «актуальное искусство», который, хотя и схож с термином "современное искусство", но не тождественен ему. Под ним подразумевалось новаторство в современном искусстве в идеях и технических средствах. Оно быстро устарело, и вопрос вхождения его в историю современного искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Во многом актуальному искусству приписывались черты авангардизма, то есть новаторство, радикальность, новые техники и приемы. Некоторые виды современного искусства нередко выступают объектом критики со стороны художников и независимых арт-критиков. Такой вид деятельности называется институциональная критика. В России этот вид практики отсутствует за редкими исключениями (такими, как например творчество Авдея Тер-оганьяна).

Метафизическая живопись

Родоначальником метафизической живописи является Джорджо де Кирико, который еще в период своего пребывания в Париже в 1913-1914 годах создавал пустынные городские пейзажи, предвосхищавшие будущую эстетику метафизизма; его серия «Площади Италии» придавала фантастическое измерение условной итальянской классической архитектуре, воссозданной им на картинах.В городских пейзажах передавал ощущение тревожной застылости мира, его отчуждённости от человека. Увлечение философией Фридриха Ницше и аллегорической живописью Бёклина способствовало появлению у Джорджо де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В метафизической живописи метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Абстракционизм

Абстракционизм (лат. «abstractio» — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.

В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшие в 1910—1912 гг. «лучизм», и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизма, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата».

Кубизм

Кубизм (фр. Cubisme) — авангардистское направление в живописи 20 века, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Возникновение кубизма традиционно датируют 1906—1907 г. и связывают с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques).

Наиболее известными кубистическими произведениями начала XX века стали картины Пикассо «Авиньонские девицы», «Гитара», работы таких художников, как Хуан Грис, Фернан Леже, Марсель Дюшан, скульптуры Александра Архипенко и др.

Сюрреализм

Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) — новое направление в живописи, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Одними из величайших представителей сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Макс Эрнст и Рене Магритт.

Модерн (Модернизм)

Моде́рн (от фр. moderne — современный) или ар-нуво (фр. art nouveau, буквально "новое искусство") — художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В живописи в этом направлении работали М. А. Врубель, А. Н. Бенуа, Альфонс Муха, Станислав Выспяньский.Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент характерных криволинейных очертаний, пронизанный экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композиционную структуру произведения. Для живописи модерна характерны сочетание "ковровых" орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью форм отличается скульптура модерна, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов – графика. Значительная часть художественных открытий и достижений модерна принадлежит искусству 20 века.

Оптическое искусство

англ. Op-art – сокращенный вариант optical art –оптическое искусство) – художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм).Оп-арт(англ. op art — сокр. от «оптическое искусство»)Одна из разновидностей кинетического искусства; Оп-арт. стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. В отличие от кинетического искусства, произведение и зритель неподвижны. Искомый оптический эффект строится на контрапункте напряженного художественного восприятия, требующего концентрации зрительского внимания, и фактической неподвижности артефакта.

Эстетическая специфика Оп-арт заключается в замене классической перспективы многофокусным видением виртуального оптического пространства. Движение в нем всегда виртуально.Создается иллюзия «ожившего пространства», плоскостное восприятие картины разрушается.Оп-арт возник в 1965 г. в США. Новое художественное движение заявило осебе проведением выставки «Отзывчивый глаз», представившей картины его создателей — Я. Эгема, Н. Шёффера, Х.-Р. Демарко, А. и Ж. Дуарте, А.Асиза и др. Первые произведения Оп-арт были черно-белыми (В. Вэзэрли, В.Райли); в дальнейшем цвета служат достижению максимальных контрастов их интенсивности, созданию оптического цветового смешения, вызывающего иллюзию движения.

Зачастую в работах отсутствуют какие либо законы изображения, не говоря уже о грамотности. Художники не отрицают что в их живописи отсутствуют композиция, перспектива, светотень, предмет и т.д. Основной упор делается на идею, на так называемый концепт. Но насколько мы знаем, отличительная черта искусства заключается в наличии образа, то есть тех мыслей и чувств, которые вызывает увиденное.Что есть образ?В искусстве это обобщенное художественное отражение действительности, облеченное в форму конкретного индивидуального явления(Определение слова "образ" по толковому словарю Ожегова. Когда мы смотрим на Мадонну Рафаэля, мы видим красоту и благородство образа, нравственную чистоту и духовное спокойствие.Если взглянуть на Демона Врубеля, мы почувствуем напряженную мощь, беспокойную и непримиримую красоту, окунемся в пучину душевных мук. Эти образы противоположны по содержанию, но обе эти работы - искусство, потому что потрясают человечество своей красотой и благородством уже не один век. А что мы видим и чувствуем, когда смотрим на работы современных художников? Образы зачастую отталкивают взгляд, субъективный взгляд на предметы мира непонятен ни художникам-профессионалам, ни непросвещенному народу. Бывает ли искусство ради искусства? Давно доказано - нет, не бывает, искусство всегда для людей. Может ли быть искусством то, что людям непонятно? Возможно ли создать что-то новое в искусстве, отказавшись от опыта предшествующих поколений? Да, но это скорее будет называться творчеством, нежели искусством. В понятии "искусство" важны два фактора - это образ и красота. Если что-либо из этого отсутствует, то это не искусство. Не случайно мы привели общедоступный термин "искусство", взятый из словаря Ожегова. Без художественного образа искусства нет.